Carta de miembros de Ventana indiscreta: renuncian a participar en APRECI

A la comunidad cinematográfica del Perú:

Si bien, los firmantes de esta carta, críticos de cine de la revista “Ventana Indiscreta”, fuimos aceptados como nuevos miembros de Apreci (Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica) según lo señalan mails enviados por ella a nuestros correos el día 11 de noviembre del presente año, hemos decidido ya no formar parte de la Apreci por los siguientes hechos:

1.      Oscar Contreras, uno de los postulantes a la Apreci por “Ventana Indiscreta”, no ha sido admitido por razones que no están incluidas en el reglamento, entre las que se cuentan supuestas declaraciones públicas suyas “en contra de la APRECI y de sus asociados” que desconocemos.

2.      Igual situación sufren nuestros colegas José Sarmiento y Mónica Delgado, también colaboradores de “Ventana Indiscreta” y quienes postularon a nombre de la revista web “Desistfilm”, quienes han sido rechazados por la asociación por las mismas razones, ajenas al contenido del reglamento.

3.      Asimismo, tampoco se aprobó el ingreso a Apreci de César Pereyra Ravello, director del blog “Fiel al cine”, a pesar que sí merecía, según lo establecido por el reglamento, ser parte de la asociación.

Tenemos un gran aprecio hacia varios de los actuales miembros de la Apreci, entre los que se cuentan personas con las que hemos podido colaborar cercanamente, en medios comoCinencuentro o la misma “Ventana Indiscreta”. Haciendo esa salvedad, no podemos dejar de reconocer que la Apreci ha cometido un grave error al no admitir a postulantes que cumplían con todos los requisitos planteados por el reglamento, y al señalar que algunos de ellos habrían dicho algo en contra de Apreci y de sus asociados sin citar la fuente o precisar las expresiones al respecto.

Nos solidarizamos con Oscar Contreras, José Sarmiento, Mónica Delgado y César PereyraRavello, porque creemos que no han recibido un trato justo por parte de Apreci. Por ello, ya no formaremos parte de dicha asociación.

-José Carlos Cabrejo Cobián 

-Jorge Esponda Jara 

-Enrique Jesús Vidal Chirinos 

-Juan Cristóbal Armesto Stornaiuolo 

-Eugenio Vidal Sánchez 

-Rodrigo Eduardo Núñez Mas 

El caso de César Pereyra Ravello

Cuando escribí el post sobre la postulación de un grupo de críticos a APRECI, no sabía que César Pereyra Ravello también había pedido su ingreso. La comunicación de Mónica Delgado informa que la solicitud de Pereyra ha sido rechazada.

Inexplicable.

Si hay alguien que merece estar ahí, es Pereyra. Lo conozco hace treinta años, creo. Y siempre ha estado vinculado con proyectos ligados a la cultura cinematográfica. Sea escribiendo o en la organización de cineclubes, como el del viejo BCR.

Por otro lado, su blog http://fielalcine.blogspot.com es utilísimo y lleno de informaciones sobre el cine regional peruano que no se obtiene en otros lugares (solo el blog de Héctor Turco le hace la competencia, pero son distintos)

Pereyra investiga y publica.

Y pensar que hay publicaciones semanales que ni se molestan en comentar las películas peruanas, más allá de un par de líneas desdeñosas o perdonavidas de vez en cuando.

Si Pereyra no cumple los requisitos, nadie los cumple.

Ricardo Bedoya

APRECI rechaza a postulantes

Mónica Delgado ha remitido la siguiente carta al grupo Cinemaperú donde informa que ha sido rechazada su postulación a APRECI. Aquí está, sin comentarios por el momento.

"Buenas tardes, amigos de Cinemaperú:


Hace unos días, gracias a un post en la página de Ricardo Bedoya, se hizo público el malestar por una situación de espera a las que estábamos sometidos un grupo de críticos y periodistas de cine que envió solicitudes de afiliación a la Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica. El 27 de agosto de 2012, hace más de 74 días, hicimos una solicitud de afiliación vía email, que contaba con los requisitos del caso, acorde a lo señalado en el Reglamento:ser peruano de nacimiento y demostrar el ejercicio de crítica y periodismo cinematográfico con la presentación de dos artículos publicados en un plazo no menor a seis meses. Luego hicimos reenvíos de solicitud, incluso cursamos nuevamente estos emails en la semana del 20 de setiembre. En mi caso, jamás recibí un email de recibido, de si mi documentación estaba OK, o si se iban a demorar 74 días en responder. Luego, mis colegas, recibieron una respuesta de que las solicitudes iban a ser sometidas a votación. De acuerdo, eso dice el estatuto, pero para votar si las afiliaciones están dentro o no de lo estipulado por Apreci (¿se cumple con los requisitos? ¿se ejerce con regularidad la labor de prensa o crítica?). Sin embargo, ayer, por fin, recibí este email que adjunto (email que recibieron exactamente igual, con las mismas comas y puntos, José Sarmiento y Oscar Contreras, personas que ejercen la crítica desde hace muchos años atrás):


Sra. Mónica Delgado:


Respecto a su solicitud para pertenecer a la APRECI, le comunicamos que, de acuerdo a los procedimientos del Estatuto de la Asociación, el sábado 3 de noviembre su postulación se puso a votación de los asociados reunidos en Asamblea General, resolviéndose en mayoría no aprobarla.

También fue consenso de la Asamblea expresarle que esta decisión no es un veto permanente ni tiene carácter personal. Más bien, se resolvió de esta manera en vista a declaraciones públicas suyas en contra de la APRECI y de sus asociados que consideramos no han sido rectificadas.

El trato respetuoso y tolerante entre los miembros de la APRECI ha sido un bien superior que deseamos proteger. En vista a ello, nos vemos obligados a no aprobar en esta ocasión su solicitud.

Atentamente,


CONSEJO DIRECTIVO - APRECI




El Consejo Directivo de APRECI (formado por José Romero, Rodrigo Portales y Enrique Carlín) asume que he dado declaraciones en contra de la Asociación, pero no menciona cuándo, en qué circunstancias, en qué sentido, por qué, contra quién, y las he solicitado hoy mismo solo por un afán de transparencia, ya que no es motivo ni es un criterio o norma de selección para evitar que alguien ingrese al gremio. ¿En qué parte del estatuto se señala que un comentario sobre una institución es motivo para un veto? Me extraña aún más el párrafo final: El trato respetuoso y tolerante entre los miembros de la APRECI ha sido un bien superior que deseamos proteger. En vista a ello, nos vemos obligados a no aprobar en esta ocasión su solicitud.

Lo que me revela precisamente este email, y lo que propicia mi indignación, es la ausencia total de tolerancia y de trato respetuoso. En un país donde tratamos de construir institucionalidad a través de espacios de diálogo y consenso aún tenemos que recibir excusas de este calibre, donde un grupo de personas desea convertir a Apreci en un monopolio aséptico de voces disidentes (formada en su mayoría por miembros de Godard y Cinencuentro), sin crítica dentro de la crítica, lo que empobrece más el entorno que se requiere sacar adelante.

Hace unos días nos contactó César Pereyra Ravello, un comunicador que ejerce la difusión del cine en el Perú desde hace más de 30 años, y que ha tenido una labor impecable en el cine club BCR y que tiene un blog que todos visitamos, ya que tiene información útil del cine que algunos denominan como regional: http://fielalcine.blogspot.com Sin embargo, recibió una respuesta de Apreci, absolutamente surreal y desconectada de la realidad (sobre todo por la discriminación o categoría de "reconocido"). Les dejo el email, publicado con permiso de César, con lo cual pueden sacar sus propias conclusiones:


Date: Fri, 15 Jun 2012 12:56:44 -0500

Subject: Sobre Solicitud

From: apreciperu@gmail.com

To: lanave14@hotmail.com


Estimado César Abraham Pereyra Ravello,


Hemos recibido su solicitud para pertenecer a APRECI y analizado su caso en reunión de la directiva. En la junta recordamos que los requisitos que se piden para ser miembros de nuestra institución son que el postulante publique de forma regular en un medio de comunicación reconocido y que acredite haber dado a la luz material propio publicado en el último año a través de ese medio. Teniendo esto presente, y evaluando la información que nos ha proporcionado, consideramos que no reúne las exigencias para ingresar a formar parte de la asociación.


Atentamente,


LA DIRECTIVA



Mónica Delgado Ch."

Operación Skyfall

"Operación Skyfall" es uno de los mejores Bond.

Luego de un inicio filmado por una segunda unidad alerta pero que sigue al pie de la letra la aceitada y consabida fórmula de la secuencia de acción y persecución por Estambul, la película empieza a crecer y mejorar.

Daniel Craig hace un Bond que aparece como héroe, reaparece como espectro, prosigue como “has been” y se muestra adolorido, ojeroso, inseguro, avejentado, con la barba crecida, demacrado, tembloroso, golpeado por el cambio de las épocas. El hombre que monopolizaba los gadgets más primorosos y codiciados, fabricados exclusivamente para su uso hípersecreto, descubre que ahora cualquier émulo de Zuckerberg puede obtenerlos con herramientas informáticas manipuladas desde su casa. Bond esta en riesgo de convertirse en reliquia citable de la venerable cultura britanica, entre Turner y Tennysson.

La aventura de Skyfall es la de la reinvención de James Bond desde lo primario y fundamental. En el largo camino para reconstruir al personaje, ese viejo buque de guerra que está siendo llevado al muelle del retiro, las pruebas de competencia se libran mediante saberes tradicionales y viejas armas.

El torneo de Skyfall es retrospectivo. Arranca en la sofisticación “hi-tech” de la notable secuencia en Shangai, con medusas electrónicas proyectadas sobre los ventanales de un rascacielos de cristales iluminados. Prosigue en la exhibición de variadas destrezas de defensa mientras es amenazado por los reptiles carnívoros del casino de Macao, y culmina en un viaje a los orígenes del personaje y del género cinematográfico de espías, al que rinde tributo: en los paisajes espectrales de la Escocia rural, donde Hitchcock ambientó parte de “Los 39 escalones”, con Robert Donat.

Custodiado por sus padres de sustitución (Dench y Finney), Bond resuelva la amenaza del villano Bardem - histriónico y de lastimado Edipo- con una defensa artesanal que incluye clavos y recursos domésticos convertidos en objetos detonantes. En la ruta, apela al combate cuerpo a cuerpo, a los puños certeros, a las técnicas de las artes marciales, a las armas de fuego, a una radio transmisora que evoca la era de los transistores, al Aston Martin fabricado a mediados de los años sesenta para “007 contra Goldfinger”, y aplica las lecciones que dejó Dustin Hoffman cuando tuvo que defender su hogar del asalto de los furiosos vándalos rurales en “Los perros de paja”. Hasta escuchamos a Charles Trenet en la secuencia de la isla en ruinas.

 Este  007  mira al pasado, vuelve a la naturaleza y se defiende con los instrumentos que encuentra en el entorno. La regresión es, para Bond, el proceso que lo restaura como personaje y mito.

Ricardo Bedoya

Cine peruano 2001-2011. Un artículo de Rodrigo Núñez Carvallo

En la revista Sub-Urbano aparece un artículo de Rodrigo Núñez Carvallo sobre el cine peruano de los últimos años. Se llama  "El cine peruano (2001 -2011): Pocas luces y muchas sombras", y lo pueden leer aquí.

Otra mirada a Casadentro

En la página web de FIPRESCI aparece esta crítica de Dominique Martinez, que ha colaborado con la revista francesa Positif.

"La Señora Pilar, quien está a punto de cumplir 81, comparte su silenciosa casa ubicada en una provincia del Perú con Consuelo y Milagros, sus dos empleadas, y Tuna, su adorado perro. La rutina diaria de este hogar, donde todos los días son iguales, gira alrededor de eventos básicos y rutinarios: descongelar el refrigerador, comer, tomar medicinas, lavar y limpiar. Repentinamente, el teléfono interrumpe esta quietud. Patricia, una de las hijas de Pilar, llama para anunciar su llegada en unas horas, junto con su propia hija, el esposo de su hija y su nieta. Después de asentir ansiosa, la anfitriona empieza a preparar todo frenéticamente. Al ofrecer el papel principal a Elide Brero, quien actuó en Caídos del Cielo, dirigida en 1990 por el padre de la directora, el director de cine Francisco J. Lombardi, la joven Joanna Lombardi Pollarolo reconoce con elegancia su herencia artística. Pero también establece su independencia con firmeza con el tema muy personal y la narrativa sensible de su primera película. Filmada en su totalidad en planos secuencia largos ─ algunos de ellos duran casi diez minutos ─ la trama principal presenta a tres generaciones de madres conviviendo bajo un mismo techo durante una noche, a veces interactuando y a veces tratando de evadirse. No hay ningún choque real, ningún enfrentamiento espectacular, ni abrazos fuertes. Lombardi elige la introversión, la sugerencia de un gesto silencioso, las evocaciones de lo que sucede fuera de escena durante esas tomas fijas en las que los personajes entran, habitan, y luego salen cuando se encuentran entre ellos. La soledad, la desesperanzada pero necesaria pasión por estar juntos arde lenta y constantemente. El aprisionamiento de todos es tangible: La Señora Pilar se enfoca en la comida ─los únicos acercamientos son unas arverjitas, unas cebollas picadas, un pedazo de torta de chocolate ─ y en su perro, Tuna. Su hija Patricia está poseída por los celos que le tiene a su ausente pero siempre preferida hermana, Anna, y a la omnipresencia de lo que parece ser un animal favorecido. Su propia hija se preocupa constantemente por el bebé que se esfuerza por dar de lactar. A su vez, las dos empleadas habitan sus mundos propios, más allá de la división social que se hace obvia al tenerlas siempre trabajando durante la visita de la familia de la Señora Pilar. Consuelo solamente añora los tiempos en que podía ver su telenovela favorita, mientras que Milagros espera impaciente el momento en que pueda salir de la casa y estar en cuerpo y alma en el lugar al que es atraída por sus obsesivos mensajes de texto clandestinos. Los personajes parecen estar muchas veces justo fuera de cuadro, parcialmente tapados por una ventana, una puerta, una columna, una pared o una sombra producida por la iluminación de alto contraste. Pero sus vidas están entrelazadas durante esa noche oscura, en esta casa de puertas cerradas, donde todos los muebles se cierran cuidadosamente con llave, como un símil muy apropiado de la determinación de estas mujeres de mantener su verdadero ser bajo llave. Finalmente la torta de cumpleaños especialmente traída para la ocasión parece estar podrida, y es otra metáfora visual oscura… Mientras tanto, la narrativa suaviza esta sensación de asfixia al presentar una dimensión poética: la luz brillante de la mañana en el pequeño jardín, el sabor a nostalgia, provocado por la muy especial pasta casera que es un dulce recuerdo de “el olor conocido, que sale de las sábanas” como dice la bisnieta…y el claro oscuro que a veces invade el interior de la casa, representando una pausa en esa lucha tan íntima, imposible y universal. También es una esperanza, una promesa. De esta manera se revela, con un enfoque nítido, el amor de madre, con todos sus matices y su rigidez. Este no es un cuento de hadas. Este es un fiel retrato de la vida. Esto es cine."


Dominique Martinez

© FIPRESCI 2012

Dominique Martínez proviene de una familia española y nació en París, donde ha vivido siempre y realizó sus estudios. Después de graduarse en Humanidades con una especialización en Sociología Cultural Europea y una maestría en Ciencia Política, trabajó como periodista para varios periódicos. En el 2003, empezó a colaborar como crítica de cine con la revista mensual de cine, Positif (Francia).

¿Niños o ñoños? "Un reino bajo la luna" según Fuguet'

Alberto Fuguet la emprende contra "Un reino bajo la luna", de Wes Anderson. Lo hace desde la sección "La guía del ocio" de la revista "Qué pasa", una publicación de "La Tercera", de Chile.

Su artículo empieza así: 

"¿En qué momento Wes Anderson se secó y, a la vez, fue coronado como el gran cineasta (el Fellini ondero) de su generación? Por la devoción que provoca, por la manera incluso que la nueva crítica mundial lo acaricia, da la impresión que su target/fan-club está compuesta por seres lastimados, que no creen en el futuro, temen a su presente y sólo quieren volver a ser niños. Éste es su público cautivo. Quieren usar bigotes pero le tienen pánico no sólo al compromiso, al mundo real (todo es un cuento infantil, ojalá un libro ilustrado), sino curiosamente al sexo y al vello púbico. Wes Anderson hace una cinta masculina para mujeres lastimadas que echan de menos sus esquelas de Hello Kitty. ¿Anderson nunca ha conocido a un chico de 12? ¿Nunca fue uno? ¿No sabe que la inocencia se cruza con la perversión y la calentura hormonal?"

Continúa aquí.

Mejores películas de los años setenta. Una lista cinéfila

Formidable y apasionante lista de mejores películas de los años setenta de Oliver Père. Para suscribirla en casi el ochenta por ciento de los títulos cintados.

La tienen aquí

A propósito, el blog de Oliver Père es uno de los tres o cuatro más sustanciosos que existen. Imperdible. Su nueva dirección es esta  


Ricardo Bedoya

Sobre postulaciones a la APRECI

La Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica (APRECI) agrupa a las personas que escriben de cine en el Perú.

Para empezar aclaro que no soy miembro de ella. No porque no le tenga aprecio o considere que carezca de representatividad o utilidad. Nada de eso. Mis razones son personales. Mi relación con la crítica de cine la percibo como amateur en el sentido más estricto de la palabra. Una cuestión de pasión y gusto. Una prolongación de la afición por el cine y el placer personal  de ver películas. Y en ese ejercicio me represento solo. No me veo acatando normas ni estatutos. Ni eligiendo a otros para que me representen en algo que siento intransferible.

Además, suscribo la sentencia de Groucho:   “No quiero pertenecer a un club que me admita como socio”.

Pero hay un grupo de amigos que escriben de cine -Mónica Delgado, José Sarmiento, José Carlos Cabrejo, Óscar Contreras, entre otros, miembros de la revista “Ventana indiscreta”-  que sí quieren pertenecer a la asociación y han pedido ser afiliados. Tienen el derecho de solicitarlo y cumplen con los requisitos estatutarios para ello.

Pero la directiva de la Asociación no responde a su pedido.  No dice ni sí ni no.

¿Por qué?

Pienso que las instituciones deben estar más allá de los debates cotidianos o, en todo caso, deben encausarlos. No creo que las discusiones entre críticos de cine, por más fogosas que hayan sido en el pasado,  sean el motivo del resquemor de la APRECI ante los postulantes.

En todo caso, si ellos tienen opiniones discrepantes, qué mejor espacio para debatirlas que el institucional.

En la evaluación de una solicitud de admisión no caben subjetividades. El Estatuto manda y modela la voluntad de la Asamblea de asociados, que no puede votar en contra de su documento de fundación.

Los amigos que postulan a APRECI están esperando una respuesta. Algunos de ellos me han pedido que, a través del blog, haga conocer su expectativa. Cumplo con ello. No dudo que serán admitidos.

Ricardo Bedoya

Un reino bajo la luna

En “Un reino bajo la luna”, volvemos a encontrar lo que hace distintivo al cine de Wes Anderson: la fábula insular; el fetichismo por los objetos anacrónicos; la fantasía de color pastel; el manierismo del encuadre fijo sobre escenografías que simulan ser retablos o miniaturas; la vocación por la extravagancia cordial: la imaginería ingenua de acentos folk, a lo Norman Rockwell; los personajes caracterizados por algún detalle de utilería pintoresca, como los anteojos de Sam o los prismáticos de Suzy: la nostalgia por un pasado mediato en el que todos éramos más soñadores, más sentimentales, más lunáticos y, acaso, más infantiles.


También el carácter pictoricista de una puesta en escena calculada con regla milimétrica. O, mejor, como ocurre en la introducción y los créditos de cola, interpretada y explicada como una composición musical de Benjamin Britten en la que los instrumentos se lucen primero separados y luego al unísono. O en su traducción visual, como si fuesen las viñetas de un álbum ilustrado con esmero: tan bello en el detalle y la concepción de cada cuadro, como liso y distante en su conjunto.

La fórmula Wes Anderson es la de los sentimientos, pero nunca tan expuestos ni desenfadados. La de los afectos, pero no excesivos. La de la aventura juvenil, con mapas, brújulas y enfrentamientos como en “La guerra de los botones”, pero sin verdadero júbilo o placer lúdico. La de la pasión, pero con una barrera que la contiene: la del humor de segundo grado. La del romanticismo, pero con un toque de caricatura que lo descompone.

Ilusionados, extravagantes, perseguidos, los niños fugitivos de “Un reino bajo la luna” llevan su idilio a un grado de emoción que, de pronto, las derivas absurdas o burlescas de la historia terminan por desarmar. Luego de la placidez lírica de las escenas en el reducto de la playa, llegan las maquinaciones grotescas de la tormenta.

Anderson siempre contrapone los frenos de la distancia y los contapesos que enfrían los conflictos y las tensiones.

Diseña, por ejemplo, un personaje complejo como el de Bruce Willis, que se resiste a ser un soldadito de plomo más en este retablo de niño talentoso, pero inmediatamente le opone a Tilda Swinton, la “bruja” institucional, la caricatura que hacía falta. Y cuando el relato se complica y la narración se empieza a tensar, aparece en escena el narrador oficial, guía geográfico de esos territorios insulares de Nueva Inglaterra, y la película es propulsada hacia otros derroteros.

Wes Anderson narra su fábula desde la suficiencia. Mira la isla desde lo alto. Y a su pequeño cosmos le aplica la ciencia del maquillaje. La cosmética de Wes Anderson.

Ricardo Bedoya

Argo

"Argo" confirma a Ben Affleck como director a tener muy en cuenta.


Como ejercicio de suspenso es sólida y aplicada. Como película de género, apunta al thriller “documentado”, más que al docudrama. Como recreación del cine de los setenta, es meticulosa y evoca los thrillers paranoicos de Pollack y Pakula, a los que sigue hasta en sus estilemas (como algunos paneos aéreos, focales largas y zooms de acercamiento)

Como película de personajes, destaca los de John Goodman y Alan Arkin, formidables ambos con su humor de viejos desengañados.

El diálogo entre Affleck y Arkin sobre sus familias y las mentiras de la industria del cine que manchan la piel como carbón es de antología. Impone un sereno equilibrio en medio de la alucinada estrategia que se gesta. Ellos son, además, individualistas irreductibles. El que “ya fue” en Hollywood, y el que se enfrentará al sistema. El que cree que Groucho dijo que la historia se actúa como comedia y, luego, como tragedia. Y el que se encarga de representarla como las dos formas a la vez.

Pero lo más interesante de “Argo” es su elogio de la ficción. La narración más estrafalaria, el género más cutre, la serie B más barata, la representación más basta sale al atajo y cambia el estado de las cosas.

En un mundo de buenos y malos, de héroes y villanos, de fundamentalistas y agentes de la CIA, el pelotón de segunda línea de un Hollywood de cartón piedra y pura fachada convierte las mentiras en verdades.

Ricardo Bedoya

Atrapado en el infierno

Mel Gibson busca la redención en "Atrapado en el infierno”. Luego de la travesía por el desierto de sus demonios personales, aquí lo vemos sobreviviendo en una cárcel mexicana donde campea la violencia, el abuso y la corrupción. El hombre se castiga y se humilla en una escenografía que parece concebida durante una mala resaca con mezcal. Pero la película, pequeña y mugrienta, tiene energía. Parece un combinado de Robert Rodríguez con trivia de Peckinpah. Es decir, balaceras en cámara lenta, escapadas acezantes, algunos recuerdos de “La fuga”, sevicias y mil guiños a los estereotipos del cine carcelario más duro y brutal. El personaje de Gibson es un lobo solitario, protector y guía de un chico de 10 años que conoce muy bien las reglas de la supervivencia en ese campo de concentración donde conviven hombres, mujeres y niños y se trafican hasta órganos humanos. Lo mejor se concentra en la relación con el muchacho y en los colores ocres y marrones de la fotografía que apuntan la temporada en el infierno de Gibson. Dirige -en clave texmex- Adrian Grunberg, asistente en muchas películas y hombre de confianza de Gibson. No sería raro que el actor haya estado tras la cámara más de una vez. Se reconoce por ahí ese brutalismo que le va tan bien. Ricardo Bedoya

Una explicación

Tomado por una investigación académica larga y complicada, de la que no me puedo ni quiero distraer, me he desconectado del blog durante varias semanas. No creo que esta situación cambie en los próximos meses, lo que me impide postear artículos o comentarios largos. Una posibilidad es dejar congelado el blog. La otra, convertirlo en una bitácora: apuntes, comentarios breves, notas, links a lecturas. Prefiero esta alternativa. Por un tiempo, así será. Ricardo Bedoya

Octava edición de Ventana indiscreta

Ya está en circulación la octava edición de la revista de cine Ventana Indiscreta, de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Lima.


La nota de prensa dice lo siguiente:

"Esta edición se centra en el fenómeno del cine de culto. Al igual que el término “independiente”, el hecho de calificar a una película como “de culto” se presta muchas veces a ambigüedades y confusiones. El último número de Ventana Indiscreta justamente busca explicar cuáles son aquellas cintas que realmente pueden ser calificadas como filmes de culto. Algunas películas gore y trash lo son. También varias que transgreden las formas convencionales de narración. O aquellas que recogen la sensibilidad de alguna subcultura y terminan siendo adoradas por unos pocos. Están los largometrajes reverenciados después de décadas de oscuridad, o que le permitieron a algunos encontrar una nueva forma de ver la vida. Sin embargo, películas de sagas taquilleras como La guerra de las galaxias o Harry Potter son igualmente objeto de un culto impresionante.

Esta edición de Ventana Indiscreta además trae a la memoria o revela películas o directores que ahora, y a veces, son objeto de una devoción “en las sombras”. Las cintas de cineastas tan distintos entre sí como Abel Ferrara, Gaspar Noé, Mojica Marins o Alejandro Jodorowsky; el cine bizarro, que abarca filmes disímiles como Un perro andaluz de Buñuel y Dalí, Plan 9 del espacio exterior de Ed Wood, Tetsuo de Tsukamoto o Cabeza borradora de Lynch; el género mejicano de la lucha libre; el péplum italiano; los sphagetti western; las películas de realizadoras femeninas como Ida Lupino, Doris Wishman y Sara Driver; etcétera.

Ventana Indiscreta es una publicación semestral y monográfica, que contiene 80 páginas. Se puede encontrar en “El Virrey” de Miraflores y Centro de Lima, "La Familia" (Avenida Diagonal, Miraflores), "La Tertulia" (CCPUCP), "Ibero" de Comandante Espinar (Miraflores) y la librería de la PUCP (Av. Universitaria) a S/. 15, y en la librería Libún de la Universidad de Lima (Pabellón V) a S/. 11.90.
En esta edición de Ventana Indiscreta escriben colaboradores nacionales y extranjeros: Ricardo Bedoya, José Carlos Cabrejo, Isaac León Frías, Andrés Mego, Juan Armesto, Giancarlo Cappello, Óscar Contreras, Elder Cuevas, Eduardo A. Russo, Mónica Delgado, Martín Sánchez Padilla, Tessy Sobrevilla, Ana Carolina Quiñonez Salpietro, Gabriela Taipe y Eugenio Vidal."

Dredd

“Dredd”, de Pete Travis, es una película intensa y apasionante. Recuerda las concentradas cintas de acción del John Carpenter de los inicios, el de “Dark Star”, el de “Asalto al precinto 13”. Además, como adaptación al cine de un personaje de historieta es impecable y le lleva leguas de ventaja al último “Batman” de Nolan.


“Dredd” es un vigilante fascista. Lucha contra el caos en una sociedad post-apocalíptica. Tiene, en una sola mano, los papeles de centurión, procurador, juez y verdugo. En esta misión lo acompaña una novata que posee poderes psíquicos. Se enfrentan a una banda de fabricantes y distribuidores de una sustancia alucinógena que desacelera la percepción del tiempo. En la refriega, quedan encerrados en un inmenso edificio que tiene de babel y de Metrópolis. Se vuelven objetivos de una cacería humana. Pero ellos son también cazadores.

Para llegar a atrapar a la líder de la banda, una atractiva villana, deben superar niveles, como en un juego de vídeo. Porque de eso trata “Dredd”, de una fusión habilísima de narraciones provenientes de medios distintos: del comic y del videogame, de la instalación artística y del filme cutre de serie B, de la fantasía psicodélica y del western.

“Dredd” es una fantasía espasmódica que nos lanza sin pausa por las galerías y laberintos de su escenografía expresionista (el juego simbólico del contraste entre la sombra y la luz es muy importante en el sentido apuntado por la película) para detenerse de improviso en cámaras lentas extáticas, acciones dilatadas, trances psicoactivos, volutas de humo coloreado que se expanden por el encuadre y nos llegan en tercera dimensión. Y, de pronto, todo retoma la velocidad del riesgo y se suceden los destellos luminosos de la hiperviolencia. Y la sangre es un trazo o un signo más en este universo referencial.

Pete Travis es un estilista. Filma la acción con sequedad, sin explicar nada. De modo lineal, vectorial. Y saca provecho de los espacios. Los muestra en toda la amplitud del campo visual y los convierte en problemas por vencer. Lo que sigue, sean tiroteos o enfrentamientos, es un asunto de coreografía: ahí está ese momento en que Dredd enfrenta a los “refuerzos”. Y las cámaras lentas, lejos de ser artificios estetizantes, tienen una función narrativa básica –una función sintáctica: le dan una respiración, un compás, a la acción- y una cualidad sensorial. Aportan la textura del sueño o el trance en medio de la pesadilla que encarna Dredd.

Ricardo Bedoya

Cinemark, el cine peruano y las redes sociales

Por Twitter y Facebook,  Cinemark promueve "Coliseo. Los campeones", con esta curiosa línea:

"@Cinemark_Peru: Superando el cliché del migrante andino, las calatas y lisuras... Coliseo de Campeones, una de película de... http://t.co/odIOcNZv"

Ya que no contiene vulgaridades ni lisuras, Cinemark debió darle a "Coliseo " un trato preferente (mejores salas y más funciones) que al relajado, faltoso, depravado y lisuriento "Ted".

Y si -como dice- supera al cliché del migrante andino (¿Se referirá a  los "cliches" difundidos por "La teta asustada", o por "Paraíso") bien pudo haberla estrenado en sus salas del Jockey Plaza o de Caminos del Inca.

Si ya quedó atrás  el cliché del "peruano oprimido"' y del migrante en penitencia que causaba rechazo entre los publicos de esas salas, esta era la oportunidad del encuentro. Oportunidad perdida. 

El cliché se habrá superado, pero el prejuicio, no.

Ricardo Bedoya

24 Festival de Cine Europeo

Empieza el vigésimo cuarto Festival de Cine Europeo, que organizan, como todos los años, la Delegación de los países miembros de la Unión Europea y la Filmoteca de la Pontificia Universidad Católica del Perú.


La proyecciones se realizarán entre los días 25 de octubre y el 20 de noviembre de 2011 en diversas sedes de Lima y ciudades como Trujillo, Arequipa, Piura, Cusco.

La programación comprende las siguientes películas:

ALEMANIA

NEUKÖLLN SIN LÍMITES - Neukölln unlimited de Agostino Imondi, Dietmar Ratsch. Alemania, 2009. Con Lial Akkouch, Hassan Akkouch, Maradona Akkouch. Premio Oso de Cristal a mejor documental en el Festival de Berlín. 96 min. (Digital)

SOUL KITCHEN de Fatih Akin. Alemania, 2009. Con Adam Bousdoukos, Moritz Bleibtreu, Birol Ünel, Anna Bederke. Premio León de Plata y Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia. 99 min. (Digital)

TORMENTA - Sturm de Hans-Christian Schmid. Alemania, 2009. Con Kerry Fox, Anamaria Marinca, Stephen Dillane, Drazen Kühn. 110 min. (Digital)

EN LAS NUBES - Wolke Neun de Andreas Dresen. Alemania, 2008. Con Ursula Werner, Horst Rehberg, Horst Westphal, Steffi Kühnert. Premio Coup de Coeur de Una cierta Mirada en el Festival de Cannes. 107 min. (Digital)

A MEDIA ESCALERA - Halbe Treppe de Andreas Dresen. Alemania, 2002. Con Steffi Kühnert, Gabriela Maria Schmeide, Thorsten Merten, Axel Prahl, Julia Ziesche, Jens Graßmehl. Premio del Jurado en el Festival de Berlín. 111 min. (Digital)


AUSTRIA

ZORROS BAR MIZWA de Ruth Beckermann. Austria, 2006. Documental. 90 min. (Digital)


BÉLGICA

PAULINE Y PAULETTE - Pauline & Paulette de Lieven Debrauwer. Bélgica-Francia-Noruega, 2001. Con Dora van der Groen, Ann Petersen, Rosemarie Bergmans, Julienne de Bruyn, François Beukelaers. Premio especial de jurado ecuménico y mención especial en el Festival de Cannes. Premio belga Joseph Plateau a mejor director, película, guión y actriz (D. van der Groen). 78 min. (35 mm.)

LO QUE NOS VUELVE FELIZ - Ça rend heureux de Joachim Lafosse. Bélgica, 2006. Con Fabrizio Rongione, Kris Cuppens, Catherine Salée. Mariet Eyckmans. Nominada al Leopardo de Oro en el Festival de Locarno. 85 min. (Digital)


ESLOVENIA

DULCES SUEÑOS - Sladke sanje de Sašo Podgoršek. Eslovenia, 2001. Con Janko Mandić, Veronika Drolc, Iva Zupančič, Josef Nadj, Marinka Štern. Premio Palmera de Oro en la Mostra de Valencia. Premio FIPRESCI en el Festival de Tróia, Portugal. 110 min. (Digital)


ESPAÑA

18 COMIDAS de Jorge Coira. España, 2010. Con Luis Tosar, Fede Pérez, Víctor Fábregas, Esperanza Pedreño. Premio del Público y Premio Especial del Jurado en el Festival de Ourense. Premio del Jurado y Premio del Público en el Festival de Cine Gastronómico, Tenerife. Ocho Premios Mestre Mateo de la Academia Galega do Audiovisual. 102 min. (Digital)

CHICO & RITA de Fernando Trueba, Javier Mariscal, Toño Errando. España, 2010. Animación. Premio Goya a mejor película de animación. Grand Prix en el Festival de Animación de Holanda. Premio Cineuropa 2010. 90 min. (Digital)

GUEST de José Luis Guerín. España, 2010. Documental. Nominado a mejor documental a los premios del Círculo de Críticos de Cine de España. 133 min. (Digital)

LA MITAD DE OSCAR de Manuel Martín Cuenca. España, 2010. Con Verónica Echegui, Rodrigo Sáenz de Heredia, Denis Eyriey, Antonio de la Torre. Mención Especial en el Festival de Miami. 82 min. 133 min. (Digital)

LA MOSQUITERA de Agustí Vila. España, 2010. Con Emma Suárez, Eduard Fernández, Martina García, Fermí Reixach, Geraldine Chaplin. Globo de Cristal en el Festival de Karlovy. Grand Prix a la Mejor Película y Premio “Don Quijote” del Jurado de La FICC. Espiga de plata a mejor película y mejor actriz (E. Suárez) en el Festival de Valladolid. Premio del Jurado en el Festival de Moscú. 95 min. (Digital)

TODO LO QUE TÚ QUIERAS de Achero Mañas. España, 2010. Con Juan Diego Botto, José Luis Gómez, Najwa Nimri, Ana Risueño. 98 min. (Digital)

PAISITO de Ana Díez. España, 2009. Con Mauricio Dayud, Emilio Gutiérrez Caba, Viviana Saccone, Nicolás Pauls. 83 min. (Digital)

El día de la bestia

MUESTRA ALEX DE LA IGLESIA

EL DÍA DE LA BESTIA de Alex de la Iglesia. España, 1995. Con Alex Angulo, Armando De Razza, Santiago Segura, Terele Pavez, Nathalie Seseña. 14 nominaciones 6 Premios Goya. Premio Melies de oro de Bruselas. 103 min. (Digital)

LA COMUNIDAD de Alex de la Iglesia. España, 2000. Con Carmen Maura, Eduardo Antuña, María Asquerino, Jesús Bonilla. Premio Goya a mejor actriz (C. Maura), actor sec. (G. Caba) y efectos especiales. Premio a mejor actriz (C. Maura) en el Festival de San Sebastián. Premios de la Unión de Actores de Madrid. Premios del CEC (Círculo de Escritores Cinematográficos). 107 min. (Digital)

CRIMEN FERPECTO de Alex de la Iglesia. España, 2004. Con Guillermo Toledo, Mónica Cervera, Luis Varela, Enrique Villén, Fernando Tejero. Premio a mejor actor (G. Toledo) en el Festival de Cine Español de Nantes. 106 min. (Digital)

BALADA TRISTE DE TROMPETA de Alex de la Iglesia. España, 2010. Con Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang, Manuel Tallafé. León de Plata en el Festival de Venecia. Premios Goya a mejor maquillaje y efectos especiales. 107 min. (Digital)



FINLANDIA

HERMANOS - Veljekset de Mika Kaurismäki. Finlandia, 2011. Con Kari Heiskanen, Pertti Sveholm, Timo Torikka, Liisa Mustonen, Mari Perankoski. 90 min. (35 mm)


FRANCIA

LA PEQUEÑA JERUSALÉN - La Petite Jérusalem de Karin Albou. Francia-Tunez, 2005. Con Elsa Zylberstein, Fanny Valette, Sonia Tahar, Hédi Tillette de Clermont Tonnerre, Bruno Todeschini. Premio Étoile d’Or, Francia. Premio Lumiere a major actriz (F. Valette). Premio SACD a mejor guión en la Semana de Crítica en el Festival de Cannes, y el premio a mejor Ópera Prima del Sindicato de Críticos de Cine de Francia. 96 min. (35 mm y Digital)

EL CANTO DE LAS NOVIAS – Le Chant des mariées de Karin Albou. Francia-Tunez, 2008. Con Lizzie Brocheré, Olympe Borval, Najib Oudghiri, Simon Abkarian, Karin Albou. 100 min. (35 mm y Digital)

ELLA SE LLAMA SABINE - Elle s'appelle Sabine de Sandrine Bonnaire. Francia, 2007. Documental. 85 min. (Digital)

JOUEUSE de Caroline Bottaro. Francia, 2009. Con Sandrine Bonnaire, Kevin Kline, Valérie Lagrange, Francis Renaud. 101 min. (Digital)


GRECIA

MATERIA PRIMA – Proti yli de Christos Karakepelis. Grecia, 2011. Documental. 78 min. (Digital)

MARIZA de Constantine Krystallis, Grecia, 2008. 5 min. (Digital)

HOMENAJE A THEODOROS ANGELOPOULOS

(Atenas, Grecia, 1935 – 2012)

PAISAJE EN LA NIEBLA – Topio stin omichli de Theo Angelopoulos. Grecia-Francia-Italia, 1988. Con Tania Palaiologou, Michalis Zeke, Stratos Tzortzoglou. Premio “Interfilm” en el Festival de Berlín. Ganadora del Premio a la mejor película europea. León de Plata en el Festival de Venecia. 127 min. (Digital)

EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA – To meteoro vima tou pelargou de Theo Angelopoulos. Grecia-Francia- Italia-Suiza, 1991. Con Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau, Vassillis Bouglouclakis, Gregory Patrikareas. 135 min. (Digital)


ITALIA

LA PASIÓN - La passione de Carlo Mazzacurati. Italia, 2010. Con Silvio Orlando, Giuseppe Battiston, Corrado Guzzanti, Cristiana Capotondi. Premio David di Donatello a mejor actor sec. (G. Battiston). 105 min. (Digital)

GIANNI Y SUS MUJERES - Gianni e le donne de Gianni Di Gregorio. Italia, 2011. Con Gianni Di Gregorio, Valeria De Franciscis, Alfonso Santagata, Elisabetta Piccolomini. Dos nominaciones y un Premio David di Donatello. 90 min. (Digital)

EL INDUSTRIAL - L’industriale de Giuliano Montaldo. Italia, 2011. Con Carolina Crescentini, Pierfrancesco Favino, Francesco Scianna, Eduard Gabia. 94 min. (Digital)

NADIE ME PUEDE JUZGAR - Nessuno mi può giudicare de Massimiliano Bruno. Italia, 2011. Con Paola Cortellesi, Raoul Bova, Rocco Papaleo, Anna Foglietta. Cinco nominaciones y un Premio David di Donatello a mejor actriz (P. Cortellesi). 95 min. (Digital)

EL PRIMER ENCARGO – Il primo incarico de Giorgia Cecere. Italia, 2011. Con Isabella Ragonese, Francesco Chiarello, Alberto Boll, Miriana Protopapa, Rita Schirinzi. 90 min. (Digital)

SCIALLA! de Francesco Bruni. Italia, 2011. Con Fabrizio Bentivoglio, Barbora Bobulova, Filippo Scicchitano, Vinicio Marchioni, Giuseppe Guarino. Premio Controcampo en el Festival de Venecia. 95 min. (Digital)

LA DESAPARICIÓN DE PATÒ - La scomparsa di Patò de Rocco Mortelliti. Italia, 2011. Con Neri Marcorè, Nino Frassica, Maurizio Casagrande, Alessandra Mortelliti. 98 min. (Digital)

BAR SPORT de Massimo Martelli. Italia, 2011. Con Claudio Bisio, Giuseppe Battiston, Antonio Catania, Bob Messini. 94 min.


MALTA

MAGDALENA – Magdelene de Rebecca Cremona. Malta, 2009. 26 min. (Digital)


PAISES BAJOS

BON VOYAGE de Margien Rogaar. Países Bajos, 2010. Con Anneke Blok, Hans Croiset, Reinout Bussemaker. Nominada a major programa de ficción de los Premios Fotografía y Sonido Holandés. 82 min. (Digital)

SONNY BOY de Maria Peters. Países Bajos, 2010. Con Ricky Koole, Sergio Hasselbank, Marcel Hensema, Micha Hulshof. Especial Reconocimiento a Maria Peters en el Festival Stony Brook, New York. Premios Golden Film y Platin Films del Cine Holandés. 131 min. (Digital)

Puente – Brug de Gerben Agterberg. Países Bajos, 2009. animación Stop-motion 6 min.

El bosque - In a Forest de Fons Schiedon. Países Bajos, 2010. Animación. 3 min.

In Other Words de Joost Bakker. Países Bajos, 2010. Animación. 3 min.

Pecker de Erik van Schaaik. Países Bajos, 2010. Animación. 3 min.


POLONIA

EL JARDÍN DE LUISA – Ogród Luizy de Maciej Wojtyszko. Polonia, 2007. Con: Patrycja Soliman, Marcin Dorocinski, Krzysztof Stroinski, Kinga Preis. Premio Especial del Jurado en el Festival de Gdynia. 105 min.

33 ESCENAS DE UNA VIDA – 33 sceny z zycia de Malgorzata Szumowska. Polonia, 2008. Con: Julia Jentsch, Peter Gantzler, Maciej Stuhr. Premio Leopardo de Plata Especial del Jurado en el Festival de Locarno. 100 min.

LEYDIS - Lejdis de Tomasz Konecki. Polonia, 2008. Con: Edyta Olszówka, Anna Dereszowska, Izabela Kuna. 134 min.


PORTUGAL

SINGULARIDADES DE UNA CHICA RUBIA - Singularidades de uma rapariga loura de Manoel de Oliveira, Portugal, 2009. Con Ricardo Trepa, Catarina Wallenstein, Diogo Dória, Júlia Buisel, Leonor Silveira, Maria-João Pires. 64 min. (Digital)

LOS MISTERIOS DE LISBOA - Os Mistérios de Lisboa de José Fonseca e Costa. Portugal. 2009. Documental. 69 min. (Digital)

AGUA – Aqua de Leonardo António. Portugal, 2008. Con José Wallenstein,
Inês Castel-Branco
Paulo Silva. 20 min.


REPÚBLICA CHECA

LA RETIRADA - Odcházení de Václav Havel. Rep. Checa, 2011. Con Josef Abrahám, Dagmar Havlová, Jiří Bartoška, Jaroslav Dušek. Diez nominaciones y dos Premios León Checo a mejor guión y edición. Nominada al Premio Golden St. George a mejor director en el Festival de Moscú. 95 min. (Digital)

LIDICE de Petr Nikolaev. República Checa, 2011. Con Karel Roden, Zuzana Fialová, Zuzana Bydžovská, Jan Budař. León Checo 2007 a mejor guión. Cinco nominaciones al León Checo 2011 a mejor cinematografía, edición, guión, sonido y actor (K. Roden). Premio de la audiencia en el Festival de Phoenix. Premio del público a mejor película en el Festival de Cine Europeo en Buenos Aires. 123 min. (Digital)

KOOKY REGRESA - Kuky se vrací de Jan Svěrák. República Checa, 2010. Con Zdeněk Svěrák, Ondřej Svěrák, Jiří Macháček, Petr Čtvrtníček, Jiří Lábus, Ondřej Vetchý. Premio Leon Checo a mejor montaje, póster, música y sonido. Premio Especial del Jurado del Festival de Karlovy Vary. Nominada al Crystal Globe. 95 min. (Digital)


RUMANIA

ADELA de Mircea Veroiu. Rumanía, 1985. Con Marina Procopie, George Motoi, Valeria Seciu, Stefan Sileanue. Gran Premio en el Festival de Remo. Gran Premio del Festiva Remo. 85 min. (Digital)

CIULEANDRA de Sergiu Nicolaescu. Rumanía, 1985. Con Stefan Iordache, Gheorghe Cozorici,Ion Ritiu, Anca Nicola. 112 min. (Digital)


SUECIA

AMADA, PURA - Till det som är Vackert de Lisa Langseth. Suecia, 2010. Con Elenco: Alicia Vikander, Samuel Fröler, Josephine Bauer, Doris Funcke, Ylva Gallon. Premio Guldbagge, el Oscar del cine sueco a mejor actriz (A. Vikander). 97 min. (35 mm)


SUIZA

DÉCHAÎNÉES de Raymond Vouillamoz. Suiza, 2009. Con Irène Jacob, Adèle Haenel, Paolina Biguine, Yvette Théraulaz. 90 min.

MADLY IN LOVE de Anna Luif. Suiza, 2009. Con Laura Tonke, Murali Perumal, Sugeetha Srividdunapathy, Anton Ponraja. 85 min. (Digital)


NORUEGA

LIMBO de Maria Sødahl. Noruega, 2010. Con Line Verndal, Henrik Rafaelsen, Lena Endre, Bryan Brown. Premio Amanda, el Oscar del cine noruego a mejor actriz (Line Verndal), actriz sec. (L. Endre), dirección, fotografía, producción y sonido. 110 min. (35 mm)


INVITADOS ESPECIALES:

Karin Albou (1968), realizadora de La pequeña Jerusalén y de El canto de las novias.

Anna Luif (Zürich, Suiza, 1972), realizadora de Madly in Love (2010).

Antonio Santamarina, crítico de cine, autor del libro: Álex de la Iglesia. La pasión de rodar (2011).


CORTOS PORTUGUESES

La Herida - A Ferida de Margarida Leitão. 2003. Premio a mejor actriz en el Festival Internacional de Villa de Conde.

Río Rojo - Rio Vermelho de Raquel Freire. 2007. 16 min.

14 Febrero - 14 Fevereiro de Fernando Vendrell. 2007. 5 min.

Todo continúa hasta el día en que para - Tudo continua até ao dia em que pára de Elsa Bruxelas. 2007. 23 min.

Cuando el Sol Toca la Luna - Quando o Sol Toca na Lua de Pedro Palma. 2004. 21 min.

El Nombre y el N.I.M. - O Nome e o N.I.M. de Inês Oliveira. 2004. 25 min.

Una Comedia Infeliz - Uma Comédia Infeliz de Artur Serra Araújo. 2004. 20 min.

Almirante Reis de Fernando Vendrell. 2004. 17 min.

Día de Feria - Dia de Feira de Marta Pessoa. 2004. 28 min.

Habla Conmigo - Fala Comigo de Francisco Bravo Ferreira. 2004. 13 min.

El número que ha marcado no se encuentra atribuído - O Número que marcou não se encontra atribuído de António Duarte. 2004. 24 min

Tomá y el Alma - Tomá e a Alma de António Duarte. 2004. 31 min.

En Aquel Barrio - Naquele Bairro de Madalena Miranda. 2002. 26 min.

Undo de José Felipe Costa. 2004. 31 min

Crónica feminina - Crônica Feminina de Gonçalo C. Luz. 2002. 26 min

No me cortes el cabelo que mi padre me peinó - Não me cortes o cabelo que meu pai me penteou de Margarida Gil. 2002. 31 min.

La Casa de las Historias - A Casa das Histórias de Carmen Castello-Branco. 2005. 11 min

Boris e Jeremias de Pedro Caldas. 2005. 15 min.

Por Encanto Notas de Otoño - Por Encanto Notas de Outono de Carmen Castello-Branco. 2005. 5 min.

Que Tengas todo lo Que Deseas - Que Tenhas Tudo o Que Desejas de Pedro Caldas. 2005. 12 min

De Alguidar hasta el Mar - De Alguidar até ao Mar de João Fonseca. 2002. 17 min

Lluvia, Chuva de Luis Fonseca. 1999. 15 min.

Arcádia de Francisco Villa-Lobos. 2002. 9 min

La Costurera que Tragó Un Alfiler - A Costureira que Engoliu Um Alfinete de Rita Palma. 2002. 28 min.

Alguien mirará por Tí - Alguem olhará por ti de Marta Pessoa. 2005. 14 min

Cowboys en la António María Cardoso - Cowboys na António Maria Cardoso de Joao Pinto Nogueira. 2004.

Fotocuic de Arlindo Horta. 2005. 24 min. (Volumen 7)

Retrato de la Vieja mientras Señora - Retrato da Velha enquanto senhora de Rita Palma 2005 / 40 min

Adiós, Adeus de Luis Vieira Campos. 2000. 10 min.

Mariposas, Borboletas de Pedro Rocha Nogueira 2001 / 11:30 min

Hoy fue mañana - Hoje foi Amanhã de Ricardo Quaresma Vieiria. 2003. 12 min.

Los últimos Dos Sueños - Os Últimos dos Sonhos de Luis Miranda. 17 min

Paño Crudo - Pano Cru de Pedro Caiano. 33 min.

Rupofobia de Telmo Martins. 2005. 15 min.

Who's There de Pedro Azevedo. 10 min.

El Grito de los Muertos - O Grito dos Mortos de Pedro Azevedo. 14 min.

Portalinho de Paulo Guiherme. 2005. 23 min.

Ángel Negro - Anjo Negro de Carlos Braga. 1999. 17 min

Lastro de Carlos Braga. 2005. 27 min.

¿Qué fue? - O Que Foi? de Ivo M. Ferreira. 1999. 13 min.

Por qué no dije nada? - Porque é que eu não disse nada? de Miguel Seabra Lopes y Miguel Lopes, 1999. 7 min.

Frío - Frio de Artur Serra Araújo. 14 min.

Piso Bajo - Rés-do-Chao de Pedro Cruz. 14 min.


CUARTO TOUR EUROCHANNEL DE CORTOMETRAJES

REÍR EN EUROPA

Programa 1 - La vida es sueño

AlpTraum de This Lüscher. Suiza-Alemana, 2008. 3 min.

Edina de Nóra Lakos. Bosnia-Herzegovina, 2010. 18 min.

Corazón de payaso - Cuore di Clown de Paolo Zucca. Italia, Puglia, 2010. 13 min.

La teoría del anillo - Ring Theory de Joseph Campo. Reino Unido-Irlanda del Norte, 2010. 7 min.

Nenúfares en flor - Vannliljer i blomst de Emil Stang Lund. Noruega, 2010. 15 min.

Bastagon de Marc Schlegel. Austria, 2010. 20 min.

Querido Sr. Starr - Dear Mr. Starr de Denniss Kacs. Alemania-Turingia, 2010. 13 min.

Programa 2 - Sonría, Cámara, Acción

El bebé - O bebe de Mohammad Reza Hajipour. Portugal, 2009. 12 min.

Barracuda de Nicola Martini. Italia, Lombardía, 2009. 15 min.

Me toca a mí - Bende Sira de Ismet Ergün. Turquía, 2007. 11 min.

Bukowski de Daan Bakker. Países Bajos, Ámsterdam, 2010. 9 min.

Despedida parte 2 - Rastanak de Irena Škorić. Croacia, 2011. 12 min.

Danzantes de Liz Lobato. España, Castilla La Mancha, 2011. 12 min.

Mi vida como un tráiler - Mitt liv som tráiler de Andreas Öhman. Suecia, 2011. 15 min.

Programa 3 - Negocios de familia

Adiós papa, adiós mamá de Luis Soravilla Hernandez. España, Madrid, 2010
. 10 min.

Lena y yo - Lena dhe Unë de Blerta Basholli. Kosovo, 2010. 15 min.

Jugando con la muerte de Paul Urkijo. España, País Vasco, 2010. 18 min.

La corrida del molino – Run of the Mill de Börge Ring. Dinamarca, 2010. 8 min.

Guerra - Urrea de Paolo Sassanelli. Italia, Lazio, 2010. 16 min.

Soy gay – Eimai omofylofilos de Nicolas Kolovos. Suecia-Grecia, 2008. 15 min.

Portador de hombres - Porteur d’Hommes de Antarès Bassis. Francia, 2010. 30 min.

Programa 4 - La vida es dulce

Postre - Dessert de Ana Mastnikova. República Checa, 2008.

Edward en el país de las maravillas - Heureux qui comme Edouard de Vincent Burgevin, Franck Lebon. Francia, Borgoña, 2010.

Azúcar - Suiker de Jeroen Annokkeé. Países Bajos, Holanda del Norte, 2010.

Sal y Vinagre – Salt and Vinegar de Cameron Fraser. Reino Unido-Escocia-Alemania, 2011. 4 min.

Maria Paraguas - Marie Parapluie de Lucile Le Marchand, Armand Lenta. Luxembugo, 2010.

Grandes expectativas – Great Expectations de Alexei Gubenco. Rumania, 2011. 

Corazones de azúcar de Nerea Marcén. España, Alicante, 2011. 18 min.

Él que había inventado todo esto - Vin gamoigona es khvelaferi de Yuri Chirkovskiy. Georgia, 2011
.

Persiguiendo su sombra de Brune Charvin. Reino Unido, Inglaterra, 2011.

Programa 5 - Perdidos en Europa

Pruébatelos de Aleksandrs Rusevics. Letonia, 2010.

Milagros en Armenia de Laurent Firode. Armenia, 2011.

Seamos Bielorrusos - Budzma Belarusami de Yulia Ruditskaya. Bielorrusia, 2011.

Bibendum de Augustas Liiv. Estonia, 2011. 17 min.

El último tour de Wille Hyvönen. Finlandia, 2010.

Detalles insignificantes de un episodio accidental – Insignificant Details of the Accidental de Mestetskiy Mikhail. Rusia, 2010. 29 min.

Inspiración (Plictis) si Inspiratie de Igor Cobileanski. Moldavia, 2010. 11 min.

Programa 6 – Negocios Riesgosos

Milímetros - Millimetri de Sean Aquilina. Malta, 2010.

Colgado de Phil Traill. Alemania, Berlín, 2010.

Detrás del muro – Behind the Wall de Elbe Stevens. Países Bajos-Limburgo, 2010. 5 min.

Fautom de Miroslav Jovic. Serbia, 2011.

Matagatos de José Luis Montesinos. España, Cataluña, 2010. 3 min.

La camisa de Cristiano - Le Maillot de Cristiano de Vincent Bruno. Bélgica, Valonia, 2011. 17 min.

Peor imposible de Israel Millán. España, Sevilla, 2010.

Agárralo! - Chytte Ho! de Boris Sima. Eslovaquia, 2010.

El astronauta en el techo – The Astronaut on the Roof de Sergi Portabella. Alemania, 2010. 13 min.

Programa 7 - Todo lo que siempre quiso saber sobre Europa pero nunca se atrevió a preguntar

Y ahora adiós – Bye Bye Now de Aideen O'Sullivan, Ross Whitakera. Irlanda, 2009. 15 min.

El zapatero - Stivania de Viktoria Vellopoulou. Grecia, Creta, 2011.

Rítmo robado - Lopott Ritmus de Martin Szecsanov. Hungría, 2008. 12 min.

20 años de Leka Borin. Albania, 2011.

La forma de ser eslovena - Slovenci de Haidy Kancler. Slovenia, 2011.

¿Realmente me amas? – Do You Really Love Me? de Alastair Cole. Reino Unido-Francia, 2010. 12 min.

Programa 8 - ¡Qué bello es vivir!

El cazador de 'Hola' y el paracampanas de Yavor Gigov. Bulgaria, 2011.

Clase de natación – La leçon de natation de Danny De Vent. Bélgica, Flandes, 2009. 8 min.

Instrucciones – Odigies Chriseos de Costas Yiallourides. Chipre, 2008. 27 min.

Los miércoles – On Wednesdays de Ieva Javaitylé. Lituania, 2011.

Gravedad de Logi Hilmarsson. Islandia, 2010. 19 min.

Dowid y Dominik – Dawid and Dominik de Andy Salamonczyk. Polonia-Reino Unido, 2012. 7 min.

Los ladrones de herramientas de Rhys Davies. Gales, 2008.

Dickens en el cine

Hoy, a las 7.30  de la noche, conversaremos sobre Dickens en el cine. Lugar: Centro Cultural de la PUCP
Sala de conferencias (quinto piso)

Están invitados.

Ricardo Bedoya

desistfilm: segunda entrega

Mónica Delgado anuncia la aparición de la segunda edición de la revista virtual desistfilm, que trae un especial sobre la "nueva ola" del cine japon´ñes de los años sesenta, lista de películas preferidas por los miembros de la redacción, entre otros artículos. La pueden leer aquí

desistfilm

¿Frankenweenie en español?

Un comentario a propósito de la preocupación expresada por Raúl Lizarzaburu en el post anterior: ¿Se estrenará "Frankenweenie", de Tim Burton, solo con copias dobladas?

Ricardo Bedoya

Como en señal abierta

Ted

Ya es sabido que nuestra cartelera es pobrísima, y que está dominada por el mainstream. Pero no solo eso. Las pocas películas interesantes o ajenas al promedio de lo que viene de Hollywood (sin excluir a las peruanas), si llegan a la segunda semana, son enviadas a horarios infames, sea a la hora del almuerzo o a las diez de la noche, y en un número reducido de salas. O a algunas se les ponen títulos de lo más antojadizos, como Un novio para tres esposas (Barney’s version, Richard J. Lewis) o Un papa en apuros (Habemus Papam, Nanni Moretti)


Balada triste de trompeta, de Alex de la Iglesia, ha ingresado en estos días con el insólito nombre de El circo maldito, lo que es imperdonable por tratarse de una producción española.

Otro problema es el número cada vez mayor de filmes que se estrenan doblados al castellano (sin una sola copia subtitulada en algunos casos), y no necesariamente para niños.

Pero que una película como Ted, de Seth MacFarlane, se exhiba doblada en algunas salas es ya el colmo. El afiche advierte su calificación, 18+ (en Estados Unidos es R) e incluye el rótulo “esta película tiene contenido sexual, uso de drogas y lenguaje obsceno y vulgar”. El solo hecho que un filme de contenido estrictamente adulto sea exhibido doblado (por más que también se pueda ver en su versión original) ya es discutible, teniendo en cuenta al público al que va dirigido, pero esa es la otra parte del asunto: el público se está malacostumbrando a no leer subtítulos, pese a que un púber puede hacerlo sin dificultad. Y la tendencia parece ser creciente: cada vez más películas, sobre todo de entretenimiento, se estrenan con doblaje.

Algunos podrán decir que uno es libre de verlas en el idioma que mejor le parezca, otros que es decisión de las distribuidoras, pero estas contribuyen a ese fenómeno.

Lo peor es que a veces no nos dan otra opción, como en la anunciada versión de Los Tres Chiflados de los Farrelly, cuyas copias se verán, tenemos entendido, íntegramente dobladas. En esos casos uno recurre, sencillamente, al DVD, y no hay queja que valga.

Raúl Lizarzaburu

Octavio Getino: un testimonio personal

Conocí a Getino en el célebre Festival de Cine de Viña del Mar de 1969, en el que La hora de los hornos produjo una verdadera conmoción y en el que se instaló la noción del nuevo cine latinoamericano, muy ligada ya no a un cine de denuncia, sino a uno de lucha y confrontación políticas.


Junto a Fernando Solanas, con quien co-realizó ese film emblemático de lo que parecía ser un movimiento a nivel continental, Getino fue una de las figuras más notorias y aplaudidas en ese encuentro, de una efervescencia que probablemente no se ha repetido nunca.

Luego de los dos largos documentales centrados en el peronismo y en su gestor histórico, el general Juan Domingo Perón, Getino, responsable del Ente de Calificación Cinematográfica durante el gobierno peronista, permitió que se exhibieran comercialmente varios títulos valiosos antes prohibidos por la censura argentina. El golpe militar de 1976 lo forzó al exilio, así como a otros cineastas, entre ellos, claro, Fernando Solanas. Aunque me parece recordar que no fue su primera parada, Octavio, junto con su esposa Susana Velleggia, se instaló en Lima, donde trabajó en el Centro de Teleducación de la Universidad Católica y en la Universidad de Lima durante unos cuatro años.

Coincidimos en la docencia de la Facultad de Comunicación, donde se ganó el aprecio de colegas y alumnos. Cierto, entre el primer Getino que conocí en 1969 y el que traté con cierta frecuencia y de manera muy amistosa en Lima había una notoria diferencia. Las posiciones radicales de los tiempos de La hora de los hornos no podían ya sostenerse y, sin duda, los golpes y los reveses políticos modificaron su perspectiva.

La hora de los hornos

Por cierto, se mantuvo fiel a sus principios justicialistas, a la defensa de un latinoamericanismo activo y, en consecuencia, de espacios cinematográficos y audiovisuales propios y no atados a los intereses transnacionales. Dejó de hacer cine pero, en cambio, investigó y escribió mucho. Es verdad que sus preocupaciones centrales apuntaban a los procesos de producción, distribución y exhibición, y no tanto a las películas como tales. Getino era un hombre que manejaba cifras, que apelaba a los cuadros y a las estadísticas, así como a los aspectos infraestructurales del cine y del audiovisual, temas, sin duda importantes, que a muchos nos comprometen menos que otros, aquellos que un blog como Páginas del diario de Satán pone en evidencia. A propósito, casi hasta el final, Getino escribió para su blog, en la misma línea en que orientó sus pesquisas en las últimas décadas.

Por esas circunstancias de la vida, a comienzos de este año terminé de escribir un libro que tenía planeado hacer desde hace mucho y que se titula Entre el mito político y la modernidad fílmica. El nuevo cine latinoamericano de los años sesenta. El libro está actualmente en proceso de edición y será objeto de una mesa de debate en el próximo BAFICI, el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires. Yo tenía el deseo de queOctavio asistiera a esa mesa porque el libro es muy crítico de las tesis del Tercer cine y la ausencia de una autocrítica que nunca le leí o le escuché formular. La muerte arrebata la posibilidad de ese encuentro que, estoy seguro, no hubiese salido de los cauces de la amistad franca y directa que tuve con Octavio, a pesar de las diferencias que allí se iban a exponer. Lamento enormemente que así sea, como lamento aún más, desde luego, su partida. Ignoraba su enfermedad y, no sé por qué, siempre imaginé, tal vez por un físico que lo hacía parecer por debajo de los años que contaba y su actitud jovial, que Octavio tenía mucho tiempo por delante.

No ha sido así. De cualquier manera, el nombre de Getino queda para siempre ligado a una de las etapas más tempestuosos del cine y de la historia socio-política de nuestros países.

Isaac León Frías

Getino en el Perú: La familia Pichilín

Hay que recordar que Octavio Getino radicó en Perú hacia 1977 y 1978. Realizó documentales para el Centro de Teleducación de la Pontificia Universidad Catolica del Peru (CETUC) así como un largometraje de ficcion llamado "La familia Pichilín".

¿Existirá una copia en los archivos de la PUCP?

Ricardo Bedoya

Octavio Getino

Muere Octavio Getino, corealizador de "La hora de los hornos" , uno de los documentales políticos canónicos, y estudioso de los medios de comunicación en América Latina.

Semana de cine del Brasil

El viernes 12 de octubre se inicia la “VI Semana de Cine Brasileño”, organizada por el Ministerio de Relaciones Exteriores del Brasil.

Los siete largometrajes de la muestra se proyectarán en el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Se contará con la participación de la actriz Karine Teles (Madame Satã, Riscado)

Las películas programadas son:

"Riscado" / "Oficio", de Gustavo Pizzi. Protagonizada y escrita por Karina Teles.

"Palavra (en)Cantada" / "Palabra (en)Cantada", de Helena Solberg

"Heleno", de José Henrique Fonseca
"O samba que mora em mim" / "La samba que vive en mí", de Georgia Guerra

"O palhaço" / "El payaso", de Selton Mello
"Além da estrada" / "Por el camino", de Charly Braun
La entrada a todas las películas es libre.

Balada triste en el circo maldito...o lo que sea

La película que se exhibe en los cines con el título "El circo maldito" es "Balada triste de trompeta", de Alex de la Iglesia. Una más para la antología del disparate.

Toda una vida

“Toda una vida”, de Mike Leigh, es un retrato de grupo que mezcla el humor, la melancolía, la observación social, la congoja por el paso del tiempo y el inevitable envejecer, la aflicción por los afectos que no se llegan a consolidar, entre otros sentimientos que se apuntan y se desvanecen en el año cubierto por el arco narrativo del filme.

La puesta en escena de Leigh está al servicio de sus actores. Ellos encarnan las expectativas y las decepciones que movilizan la acción. Aunque decir acción es, tal vez, usar un vocablo equívoco. La fluencia dramática de “Toda una vida” no está determinada por giros ni sucesos extraordinarios. El episodio más “intenso” que ocurre es la muerte de un personaje al que nunca conocimos. Asistimos, más bien, a escenas de la vida familiar de Tom y Gerri, a episodios cotidianos, a retratos de interiores, a una suma de encuentros domésticos, cenas, conversaciones, cuidados del jardín, juegos, que se suceden al ritmo de las estaciones del año. Y con cada estación llegan nuevos personajes. Y con cada personaje, aparecen nuevos talantes y asuntos de conversación.

Y se van trazando curiosas simetrías y oposiciones, todas teniendo como eje a Mary (la formidable Lesley Manville), el personaje omnipresente: ella habla de más, mientras el invernal Ronnie, hermano de Tom, casi no habla; Mary desea a Joe, el hijo de la pareja, mientras que Katie, posee a Joe; Mary siente que ha dilapidado su vida; Ken, el amigo alcohólico de Tom, que desea –sin ser correspondido- a Mary, siente lo mismo de su propia vida.

Otra simetría, la de la desesperanza. La película se abre y se cierra con un gesto de escepticismo frente a la posibilidad de ser felices. El personaje de Imelda Staunton, al que no volvemos a ver, es el equivalente perfecto de la Mary desolada del plano final.

Tal vez “Toda una vida” resulte demasiado “escrita”, casi ejemplar en su perfecta división en “actos” y en su didáctica presentación de la idealizada tolerancia de Tom y Gerri, siempre dispuestos a la comprensión de todos y de todo, pero no cabe duda que Leigh es un maestro creando personajes, momentos, tensiones, atmósferas. En una palabra, situaciones a las que asistimos para escuchar las confidencias de Mary mientras la acompañamos con un vino en la mano.

Ricardo Bedoya

Revisionismo y memoria selectiva

La teta asustada

Creo que los argumentos de Emilio desbaratan el intento "revisionista" de negar lo que es patente. Los títulos de las películas realizadas en las décadas de los años ochenta y noventa hablan por sí solas.

Pero lo que llama la atención en el artículo de Martha Meier no solo es su flagrante desconocimiento del pasado, sino algunos sintomáticos silencios de ese presente del cine peruano que dice valorar.

Silencios llamativos en un artículo que destaca los méritos de una nueva generación que "está completando el canon cinematográfico nacional con obras que tienden finalmente un pùente entre la cinematografía, la memoria del terrorismo y cómo afectó al Perú...", según escribe.

Silencio absoluto sobre dos películas que, tratando el asunto, de modo directo o indirecto, mayor relieve han tenido en festivales internacionales.

Ni palabra sobre "La teta asustada", de Claudia Llosa, que describe la trayectoria de una joven que hereda una patología singular producto de la violencia a la que fue sometida su madre por un destacamento militar.

Ni una mención a "Días de santiago", retrato de un licenciado del Ejército, veterano de la lucha contra Sendero y en el Cenepa, abandonado a su suerte en una ciudad que ve como prolongación del campo de batalla.

De esas películas, que ofrecen visiones complejas, críticas, poco institucionales, que propician también el debate sobre los derechos humanos, entre muchos otros... nada, ni una palabra.

Omisiones selectivas y oportunas.


Ricardo Bedoya

Emilio Bustamante responde a Martha Meier

Emilio Bustamante responde al artículo publicado por Martha Meier MQ. en El Dominical de El Comercio de ayer.

"El último número de El Dominical de El Comercio está dedicado al arte y la violencia a veinte años de la captura de Abimael Guzmán. La directora Martha Meier publica allí un texto titulado “Terrorismo en pantalla”. En la nube del texto se lee: “La creación cinematográfica sobre la violencia desatada por Sendero Luminoso ha sido escasa. Es la valentía de una nueva generación que narra lo que los mayores olvidaron contar”.


Meier reafirma en el cuerpo de artículo que son las nuevas generaciones de cineastas “quienes empiezan a narrar con valentía los impactos del senderismo en la vida nacional”, y menciona a tres cineastas representativos de estas nuevas generaciones: Fabrizio Aguilar (Paloma de papel, Tarata), Rosario García Montero (Las malas intenciones) y Héctor Gálvez (Lucanamarca, Paraíso). Señala:

“A diferencia de otros países desangrados por la violencia, en el Perú no se generó en este arte -básicamente monopolizado por una élite afincada en Lima- una tradición que recogiera ese terror. Si uno se basara en la producción cinematográfica parece que nada pasó, es como si se hubiera tratado de imponer el olvido y la desmemoria, ya sea por falta de perspectiva histórica, de coraje, o por intereses subalternos.”

Añade Meier que cuando los cineastas “mayores” trataron la violencia terrorista lo hicieron “superficial y aisladamente”, y menciona a Francisco Lombardi quien en La boca del lobo habría hecho “de las Fuerzas Armadas los villanos”, y a Chicho Durant, quien en Coraje habría narrado “anecdóticamente los últimos días de la lideresa popular María Elena Moyano”.

Las causas de esta supuesta ausencia del tema del terrorismo serían, según Meier: 1. Lo complicado y oneroso que es producir una película en el Perú, lo que habría llevado a los cineasta peruanos “a desarrollar una perversa dependencia de fondos estatales e internacionales -altamente ideologizadas- que, en no pocos casos, han terminado por moldear sus propuestas”; y 2. La tardía asunción de la perversidad de Sendero Luminoso por los “cineastas provenientes de las canteras de la izquierda”.


La primera impresión que se tiene al leer el artículo es que Meier está mal informada. Desde mediados de la década de 1980 hasta el año 2000 fueron numerosas las producciones nacionales que se ocuparon de la violencia desatada por Sendero Luminoso, de manera directa o indirecta. Recordemos a los largos: Malabrigo (1986) de Alberto Chicho Durant, La boca del lobo (1988) de Francisco J. Lombardi, Juliana (1989) del Grupo Chaski, Ni con Dios ni con el diablo (1990) de Nilo Pereira, Caídos del cielo (1990) de Francisco J. Lombardi, Alias La Gringa (1991) de Alberto Chicho Durant, La vida es una sola (1993) de Marianne Eyde, Sin Compasión (1994) de Francisco J. Lombardi, Anda, corre, vuela (1995) de Augusto Tamayo, Bajo la piel (1996) de Francisco J. Lombardi, Coraje (1998) de Alberto Chicho Durant, Mártires del periodismo: Uchuraccay (1999) de Luis E. Berrocal, Dios tarda pero no olvida (1997), Dios tarda pero no olvida II (1999), y Sangre inocente (2000) de Palito Ortega Matute. Recordemos a los cortometrajes: Una pequeña mirada (1992) de Dany Gavidia, Enigma de Santos (1992) de Edgardo Guerra, La misma carne, la misma sangre (1992) y Kentishani y Shaavaja (1995) de Aldo Salvini. (...)


El artículo sigue aquí: http://apreci.org/

Kenji Misumi: un ciclo indispensable

El lunes 17 empieza un ciclo dedicado a Kenji Misumi, al que algunos recuerdan por sus películas sobre Zatoichi, el espadachín ciego, personaje retomado por la película de Kitano.

Pero Misumi transitó por muchos otros géneros y eso es lo que comprobaremos con esta muestra de 5 películas que presenta la Embajada del Japón, con el auspicio de la Fundación Japón y el apoyo del Centro Cultural Peruano Japonés.
Se proyectarán en copias en 35 milímetros:

Lunes 17 de septiembre: Cuento de fantasmas (Yotsuya Kwaidan)  1959, 84 minutos

Martes 18 de septiembre: Hijo del destino (Kiru)  1962, 71 minutos

Miércoles 19 de septiembre: En el camino por siempre (Mushuku Mono)  1964, 89 minutos

Jueves 20 de septiembre: La espada  (Ken) 1964, 94 minutos

Viernes 21 de septiembre: Río de lágrimas (Namida Gawa) 1967, 79 minutos

Lugar: Auditorio Dai Hall, Centro Cultural Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Residencial San Felipe, Jesús María – teléfono 5187450), a las 19:30 horas.

El cuervo

“El cuervo” es una fantasía de misterio que tiene al escritor Edgar Allan Poe como personaje principal. Poe, mejor dicho John Cusack, se convierte aquí en la clave para desentrañar una serie de asesinatos basados en cuentos como La fosa y el péndulo, La barrica de amontillado, La máscara de la muerte roja, entre otros.


El modelo mayor de una historia así pudo haber sido Eco y sus novelas, pero la referencia queda un poco ancha. Aquí estamos más bien en los dominios de un Dan Brown que cambia a los templarios por Poe. Y piensa en “Se7en, pecados capitales” para condimentarlo con el clima de algunas películas de la Hammer y, claro, del propio Roger Corman, aunque sin los delirios visuales ni cromáticos del veterano director de “El entierro prematuro”.

El director de “V de venganza”, James Mc Teigue, ilustra con claridad didáctica dos líneas dramáticas: una de horror y otra de amor. Ambas están entrelazadas por la pesquisa que llevan a cabo el jefe de la policía y el escritor para atrapar a un asesino en serie que es además un lector escrupuloso. En el camino, se van repartiendo los lugares comunes esperables: las escenas con la fosa y el péndulo actuando de la manera en que no lo pudo mostrar Corman; la persecución por las alcantarillas; las secuencias de morgue; las falsas pistas sembradas por el responsable; el inesperado culpable; el baile de disfraces, filmado con desgano y a la carrera, muy por debajo del exaltado frenesí del Corman estilista de “La máscara de la muerte roja”.

Algunos momentos, por aislado, funcionan, porque tienen atmósfera, pero el conjunto deja la impresión de un desarrollo mecánico y aplicado. La secuencia final, en París, es un añadido absurdo.

Ricardo Bedoya

Los indestructibles 2

Parecen salidos de un viejo VHS grabado en velocidad EP, con varias horas de escenas de una antología de "Rambo” y similares.


“Los indestructibles 2” pone a los héroes de la imagen analógica de los ochenta arruinando cachivaches de verdad y no figuritas digitales. Las primeras secuencias, en Nepal, con los retocados dinosaurios al rescate del multimillonario, son una apoteosis de la destrucción de hojalata. Aviones, tanques, vehículos marítimos, cualquier objeto es bueno mientras sea macheteado y permita a los mastodontes llegar a su objetivo.

De allí en adelante, se suceden las escenas de la película como si fueran trailers de secuelas inexistentes de “Desaparecido en acción”. Y las apariciones de Arnold, Norris, Willis, entre otros, tienen al aire de ser “cameos” narcisistas, no por previsibles menos divertidos. “Los indestructibles 2” tiene tanta coherencia como las frases que balbucea Stallone, pero resulta desfachatada, enérgica, festiva.

Ricardo Bedoya