Argo

"Argo" confirma a Ben Affleck como director a tener muy en cuenta.


Como ejercicio de suspenso es sólida y aplicada. Como película de género, apunta al thriller “documentado”, más que al docudrama. Como recreación del cine de los setenta, es meticulosa y evoca los thrillers paranoicos de Pollack y Pakula, a los que sigue hasta en sus estilemas (como algunos paneos aéreos, focales largas y zooms de acercamiento)

Como película de personajes, destaca los de John Goodman y Alan Arkin, formidables ambos con su humor de viejos desengañados.

El diálogo entre Affleck y Arkin sobre sus familias y las mentiras de la industria del cine que manchan la piel como carbón es de antología. Impone un sereno equilibrio en medio de la alucinada estrategia que se gesta. Ellos son, además, individualistas irreductibles. El que “ya fue” en Hollywood, y el que se enfrentará al sistema. El que cree que Groucho dijo que la historia se actúa como comedia y, luego, como tragedia. Y el que se encarga de representarla como las dos formas a la vez.

Pero lo más interesante de “Argo” es su elogio de la ficción. La narración más estrafalaria, el género más cutre, la serie B más barata, la representación más basta sale al atajo y cambia el estado de las cosas.

En un mundo de buenos y malos, de héroes y villanos, de fundamentalistas y agentes de la CIA, el pelotón de segunda línea de un Hollywood de cartón piedra y pura fachada convierte las mentiras en verdades.

Ricardo Bedoya

Atrapado en el infierno

Mel Gibson busca la redención en "Atrapado en el infierno”. Luego de la travesía por el desierto de sus demonios personales, aquí lo vemos sobreviviendo en una cárcel mexicana donde campea la violencia, el abuso y la corrupción. El hombre se castiga y se humilla en una escenografía que parece concebida durante una mala resaca con mezcal. Pero la película, pequeña y mugrienta, tiene energía. Parece un combinado de Robert Rodríguez con trivia de Peckinpah. Es decir, balaceras en cámara lenta, escapadas acezantes, algunos recuerdos de “La fuga”, sevicias y mil guiños a los estereotipos del cine carcelario más duro y brutal. El personaje de Gibson es un lobo solitario, protector y guía de un chico de 10 años que conoce muy bien las reglas de la supervivencia en ese campo de concentración donde conviven hombres, mujeres y niños y se trafican hasta órganos humanos. Lo mejor se concentra en la relación con el muchacho y en los colores ocres y marrones de la fotografía que apuntan la temporada en el infierno de Gibson. Dirige -en clave texmex- Adrian Grunberg, asistente en muchas películas y hombre de confianza de Gibson. No sería raro que el actor haya estado tras la cámara más de una vez. Se reconoce por ahí ese brutalismo que le va tan bien. Ricardo Bedoya

Una explicación

Tomado por una investigación académica larga y complicada, de la que no me puedo ni quiero distraer, me he desconectado del blog durante varias semanas. No creo que esta situación cambie en los próximos meses, lo que me impide postear artículos o comentarios largos. Una posibilidad es dejar congelado el blog. La otra, convertirlo en una bitácora: apuntes, comentarios breves, notas, links a lecturas. Prefiero esta alternativa. Por un tiempo, así será. Ricardo Bedoya

Octava edición de Ventana indiscreta

Ya está en circulación la octava edición de la revista de cine Ventana Indiscreta, de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Lima.


La nota de prensa dice lo siguiente:

"Esta edición se centra en el fenómeno del cine de culto. Al igual que el término “independiente”, el hecho de calificar a una película como “de culto” se presta muchas veces a ambigüedades y confusiones. El último número de Ventana Indiscreta justamente busca explicar cuáles son aquellas cintas que realmente pueden ser calificadas como filmes de culto. Algunas películas gore y trash lo son. También varias que transgreden las formas convencionales de narración. O aquellas que recogen la sensibilidad de alguna subcultura y terminan siendo adoradas por unos pocos. Están los largometrajes reverenciados después de décadas de oscuridad, o que le permitieron a algunos encontrar una nueva forma de ver la vida. Sin embargo, películas de sagas taquilleras como La guerra de las galaxias o Harry Potter son igualmente objeto de un culto impresionante.

Esta edición de Ventana Indiscreta además trae a la memoria o revela películas o directores que ahora, y a veces, son objeto de una devoción “en las sombras”. Las cintas de cineastas tan distintos entre sí como Abel Ferrara, Gaspar Noé, Mojica Marins o Alejandro Jodorowsky; el cine bizarro, que abarca filmes disímiles como Un perro andaluz de Buñuel y Dalí, Plan 9 del espacio exterior de Ed Wood, Tetsuo de Tsukamoto o Cabeza borradora de Lynch; el género mejicano de la lucha libre; el péplum italiano; los sphagetti western; las películas de realizadoras femeninas como Ida Lupino, Doris Wishman y Sara Driver; etcétera.

Ventana Indiscreta es una publicación semestral y monográfica, que contiene 80 páginas. Se puede encontrar en “El Virrey” de Miraflores y Centro de Lima, "La Familia" (Avenida Diagonal, Miraflores), "La Tertulia" (CCPUCP), "Ibero" de Comandante Espinar (Miraflores) y la librería de la PUCP (Av. Universitaria) a S/. 15, y en la librería Libún de la Universidad de Lima (Pabellón V) a S/. 11.90.
En esta edición de Ventana Indiscreta escriben colaboradores nacionales y extranjeros: Ricardo Bedoya, José Carlos Cabrejo, Isaac León Frías, Andrés Mego, Juan Armesto, Giancarlo Cappello, Óscar Contreras, Elder Cuevas, Eduardo A. Russo, Mónica Delgado, Martín Sánchez Padilla, Tessy Sobrevilla, Ana Carolina Quiñonez Salpietro, Gabriela Taipe y Eugenio Vidal."

Dredd

“Dredd”, de Pete Travis, es una película intensa y apasionante. Recuerda las concentradas cintas de acción del John Carpenter de los inicios, el de “Dark Star”, el de “Asalto al precinto 13”. Además, como adaptación al cine de un personaje de historieta es impecable y le lleva leguas de ventaja al último “Batman” de Nolan.


“Dredd” es un vigilante fascista. Lucha contra el caos en una sociedad post-apocalíptica. Tiene, en una sola mano, los papeles de centurión, procurador, juez y verdugo. En esta misión lo acompaña una novata que posee poderes psíquicos. Se enfrentan a una banda de fabricantes y distribuidores de una sustancia alucinógena que desacelera la percepción del tiempo. En la refriega, quedan encerrados en un inmenso edificio que tiene de babel y de Metrópolis. Se vuelven objetivos de una cacería humana. Pero ellos son también cazadores.

Para llegar a atrapar a la líder de la banda, una atractiva villana, deben superar niveles, como en un juego de vídeo. Porque de eso trata “Dredd”, de una fusión habilísima de narraciones provenientes de medios distintos: del comic y del videogame, de la instalación artística y del filme cutre de serie B, de la fantasía psicodélica y del western.

“Dredd” es una fantasía espasmódica que nos lanza sin pausa por las galerías y laberintos de su escenografía expresionista (el juego simbólico del contraste entre la sombra y la luz es muy importante en el sentido apuntado por la película) para detenerse de improviso en cámaras lentas extáticas, acciones dilatadas, trances psicoactivos, volutas de humo coloreado que se expanden por el encuadre y nos llegan en tercera dimensión. Y, de pronto, todo retoma la velocidad del riesgo y se suceden los destellos luminosos de la hiperviolencia. Y la sangre es un trazo o un signo más en este universo referencial.

Pete Travis es un estilista. Filma la acción con sequedad, sin explicar nada. De modo lineal, vectorial. Y saca provecho de los espacios. Los muestra en toda la amplitud del campo visual y los convierte en problemas por vencer. Lo que sigue, sean tiroteos o enfrentamientos, es un asunto de coreografía: ahí está ese momento en que Dredd enfrenta a los “refuerzos”. Y las cámaras lentas, lejos de ser artificios estetizantes, tienen una función narrativa básica –una función sintáctica: le dan una respiración, un compás, a la acción- y una cualidad sensorial. Aportan la textura del sueño o el trance en medio de la pesadilla que encarna Dredd.

Ricardo Bedoya

Cinemark, el cine peruano y las redes sociales

Por Twitter y Facebook,  Cinemark promueve "Coliseo. Los campeones", con esta curiosa línea:

"@Cinemark_Peru: Superando el cliché del migrante andino, las calatas y lisuras... Coliseo de Campeones, una de película de... http://t.co/odIOcNZv"

Ya que no contiene vulgaridades ni lisuras, Cinemark debió darle a "Coliseo " un trato preferente (mejores salas y más funciones) que al relajado, faltoso, depravado y lisuriento "Ted".

Y si -como dice- supera al cliché del migrante andino (¿Se referirá a  los "cliches" difundidos por "La teta asustada", o por "Paraíso") bien pudo haberla estrenado en sus salas del Jockey Plaza o de Caminos del Inca.

Si ya quedó atrás  el cliché del "peruano oprimido"' y del migrante en penitencia que causaba rechazo entre los publicos de esas salas, esta era la oportunidad del encuentro. Oportunidad perdida. 

El cliché se habrá superado, pero el prejuicio, no.

Ricardo Bedoya

24 Festival de Cine Europeo

Empieza el vigésimo cuarto Festival de Cine Europeo, que organizan, como todos los años, la Delegación de los países miembros de la Unión Europea y la Filmoteca de la Pontificia Universidad Católica del Perú.


La proyecciones se realizarán entre los días 25 de octubre y el 20 de noviembre de 2011 en diversas sedes de Lima y ciudades como Trujillo, Arequipa, Piura, Cusco.

La programación comprende las siguientes películas:

ALEMANIA

NEUKÖLLN SIN LÍMITES - Neukölln unlimited de Agostino Imondi, Dietmar Ratsch. Alemania, 2009. Con Lial Akkouch, Hassan Akkouch, Maradona Akkouch. Premio Oso de Cristal a mejor documental en el Festival de Berlín. 96 min. (Digital)

SOUL KITCHEN de Fatih Akin. Alemania, 2009. Con Adam Bousdoukos, Moritz Bleibtreu, Birol Ünel, Anna Bederke. Premio León de Plata y Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia. 99 min. (Digital)

TORMENTA - Sturm de Hans-Christian Schmid. Alemania, 2009. Con Kerry Fox, Anamaria Marinca, Stephen Dillane, Drazen Kühn. 110 min. (Digital)

EN LAS NUBES - Wolke Neun de Andreas Dresen. Alemania, 2008. Con Ursula Werner, Horst Rehberg, Horst Westphal, Steffi Kühnert. Premio Coup de Coeur de Una cierta Mirada en el Festival de Cannes. 107 min. (Digital)

A MEDIA ESCALERA - Halbe Treppe de Andreas Dresen. Alemania, 2002. Con Steffi Kühnert, Gabriela Maria Schmeide, Thorsten Merten, Axel Prahl, Julia Ziesche, Jens Graßmehl. Premio del Jurado en el Festival de Berlín. 111 min. (Digital)


AUSTRIA

ZORROS BAR MIZWA de Ruth Beckermann. Austria, 2006. Documental. 90 min. (Digital)


BÉLGICA

PAULINE Y PAULETTE - Pauline & Paulette de Lieven Debrauwer. Bélgica-Francia-Noruega, 2001. Con Dora van der Groen, Ann Petersen, Rosemarie Bergmans, Julienne de Bruyn, François Beukelaers. Premio especial de jurado ecuménico y mención especial en el Festival de Cannes. Premio belga Joseph Plateau a mejor director, película, guión y actriz (D. van der Groen). 78 min. (35 mm.)

LO QUE NOS VUELVE FELIZ - Ça rend heureux de Joachim Lafosse. Bélgica, 2006. Con Fabrizio Rongione, Kris Cuppens, Catherine Salée. Mariet Eyckmans. Nominada al Leopardo de Oro en el Festival de Locarno. 85 min. (Digital)


ESLOVENIA

DULCES SUEÑOS - Sladke sanje de Sašo Podgoršek. Eslovenia, 2001. Con Janko Mandić, Veronika Drolc, Iva Zupančič, Josef Nadj, Marinka Štern. Premio Palmera de Oro en la Mostra de Valencia. Premio FIPRESCI en el Festival de Tróia, Portugal. 110 min. (Digital)


ESPAÑA

18 COMIDAS de Jorge Coira. España, 2010. Con Luis Tosar, Fede Pérez, Víctor Fábregas, Esperanza Pedreño. Premio del Público y Premio Especial del Jurado en el Festival de Ourense. Premio del Jurado y Premio del Público en el Festival de Cine Gastronómico, Tenerife. Ocho Premios Mestre Mateo de la Academia Galega do Audiovisual. 102 min. (Digital)

CHICO & RITA de Fernando Trueba, Javier Mariscal, Toño Errando. España, 2010. Animación. Premio Goya a mejor película de animación. Grand Prix en el Festival de Animación de Holanda. Premio Cineuropa 2010. 90 min. (Digital)

GUEST de José Luis Guerín. España, 2010. Documental. Nominado a mejor documental a los premios del Círculo de Críticos de Cine de España. 133 min. (Digital)

LA MITAD DE OSCAR de Manuel Martín Cuenca. España, 2010. Con Verónica Echegui, Rodrigo Sáenz de Heredia, Denis Eyriey, Antonio de la Torre. Mención Especial en el Festival de Miami. 82 min. 133 min. (Digital)

LA MOSQUITERA de Agustí Vila. España, 2010. Con Emma Suárez, Eduard Fernández, Martina García, Fermí Reixach, Geraldine Chaplin. Globo de Cristal en el Festival de Karlovy. Grand Prix a la Mejor Película y Premio “Don Quijote” del Jurado de La FICC. Espiga de plata a mejor película y mejor actriz (E. Suárez) en el Festival de Valladolid. Premio del Jurado en el Festival de Moscú. 95 min. (Digital)

TODO LO QUE TÚ QUIERAS de Achero Mañas. España, 2010. Con Juan Diego Botto, José Luis Gómez, Najwa Nimri, Ana Risueño. 98 min. (Digital)

PAISITO de Ana Díez. España, 2009. Con Mauricio Dayud, Emilio Gutiérrez Caba, Viviana Saccone, Nicolás Pauls. 83 min. (Digital)

El día de la bestia

MUESTRA ALEX DE LA IGLESIA

EL DÍA DE LA BESTIA de Alex de la Iglesia. España, 1995. Con Alex Angulo, Armando De Razza, Santiago Segura, Terele Pavez, Nathalie Seseña. 14 nominaciones 6 Premios Goya. Premio Melies de oro de Bruselas. 103 min. (Digital)

LA COMUNIDAD de Alex de la Iglesia. España, 2000. Con Carmen Maura, Eduardo Antuña, María Asquerino, Jesús Bonilla. Premio Goya a mejor actriz (C. Maura), actor sec. (G. Caba) y efectos especiales. Premio a mejor actriz (C. Maura) en el Festival de San Sebastián. Premios de la Unión de Actores de Madrid. Premios del CEC (Círculo de Escritores Cinematográficos). 107 min. (Digital)

CRIMEN FERPECTO de Alex de la Iglesia. España, 2004. Con Guillermo Toledo, Mónica Cervera, Luis Varela, Enrique Villén, Fernando Tejero. Premio a mejor actor (G. Toledo) en el Festival de Cine Español de Nantes. 106 min. (Digital)

BALADA TRISTE DE TROMPETA de Alex de la Iglesia. España, 2010. Con Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang, Manuel Tallafé. León de Plata en el Festival de Venecia. Premios Goya a mejor maquillaje y efectos especiales. 107 min. (Digital)



FINLANDIA

HERMANOS - Veljekset de Mika Kaurismäki. Finlandia, 2011. Con Kari Heiskanen, Pertti Sveholm, Timo Torikka, Liisa Mustonen, Mari Perankoski. 90 min. (35 mm)


FRANCIA

LA PEQUEÑA JERUSALÉN - La Petite Jérusalem de Karin Albou. Francia-Tunez, 2005. Con Elsa Zylberstein, Fanny Valette, Sonia Tahar, Hédi Tillette de Clermont Tonnerre, Bruno Todeschini. Premio Étoile d’Or, Francia. Premio Lumiere a major actriz (F. Valette). Premio SACD a mejor guión en la Semana de Crítica en el Festival de Cannes, y el premio a mejor Ópera Prima del Sindicato de Críticos de Cine de Francia. 96 min. (35 mm y Digital)

EL CANTO DE LAS NOVIAS – Le Chant des mariées de Karin Albou. Francia-Tunez, 2008. Con Lizzie Brocheré, Olympe Borval, Najib Oudghiri, Simon Abkarian, Karin Albou. 100 min. (35 mm y Digital)

ELLA SE LLAMA SABINE - Elle s'appelle Sabine de Sandrine Bonnaire. Francia, 2007. Documental. 85 min. (Digital)

JOUEUSE de Caroline Bottaro. Francia, 2009. Con Sandrine Bonnaire, Kevin Kline, Valérie Lagrange, Francis Renaud. 101 min. (Digital)


GRECIA

MATERIA PRIMA – Proti yli de Christos Karakepelis. Grecia, 2011. Documental. 78 min. (Digital)

MARIZA de Constantine Krystallis, Grecia, 2008. 5 min. (Digital)

HOMENAJE A THEODOROS ANGELOPOULOS

(Atenas, Grecia, 1935 – 2012)

PAISAJE EN LA NIEBLA – Topio stin omichli de Theo Angelopoulos. Grecia-Francia-Italia, 1988. Con Tania Palaiologou, Michalis Zeke, Stratos Tzortzoglou. Premio “Interfilm” en el Festival de Berlín. Ganadora del Premio a la mejor película europea. León de Plata en el Festival de Venecia. 127 min. (Digital)

EL PASO SUSPENDIDO DE LA CIGÜEÑA – To meteoro vima tou pelargou de Theo Angelopoulos. Grecia-Francia- Italia-Suiza, 1991. Con Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau, Vassillis Bouglouclakis, Gregory Patrikareas. 135 min. (Digital)


ITALIA

LA PASIÓN - La passione de Carlo Mazzacurati. Italia, 2010. Con Silvio Orlando, Giuseppe Battiston, Corrado Guzzanti, Cristiana Capotondi. Premio David di Donatello a mejor actor sec. (G. Battiston). 105 min. (Digital)

GIANNI Y SUS MUJERES - Gianni e le donne de Gianni Di Gregorio. Italia, 2011. Con Gianni Di Gregorio, Valeria De Franciscis, Alfonso Santagata, Elisabetta Piccolomini. Dos nominaciones y un Premio David di Donatello. 90 min. (Digital)

EL INDUSTRIAL - L’industriale de Giuliano Montaldo. Italia, 2011. Con Carolina Crescentini, Pierfrancesco Favino, Francesco Scianna, Eduard Gabia. 94 min. (Digital)

NADIE ME PUEDE JUZGAR - Nessuno mi può giudicare de Massimiliano Bruno. Italia, 2011. Con Paola Cortellesi, Raoul Bova, Rocco Papaleo, Anna Foglietta. Cinco nominaciones y un Premio David di Donatello a mejor actriz (P. Cortellesi). 95 min. (Digital)

EL PRIMER ENCARGO – Il primo incarico de Giorgia Cecere. Italia, 2011. Con Isabella Ragonese, Francesco Chiarello, Alberto Boll, Miriana Protopapa, Rita Schirinzi. 90 min. (Digital)

SCIALLA! de Francesco Bruni. Italia, 2011. Con Fabrizio Bentivoglio, Barbora Bobulova, Filippo Scicchitano, Vinicio Marchioni, Giuseppe Guarino. Premio Controcampo en el Festival de Venecia. 95 min. (Digital)

LA DESAPARICIÓN DE PATÒ - La scomparsa di Patò de Rocco Mortelliti. Italia, 2011. Con Neri Marcorè, Nino Frassica, Maurizio Casagrande, Alessandra Mortelliti. 98 min. (Digital)

BAR SPORT de Massimo Martelli. Italia, 2011. Con Claudio Bisio, Giuseppe Battiston, Antonio Catania, Bob Messini. 94 min.


MALTA

MAGDALENA – Magdelene de Rebecca Cremona. Malta, 2009. 26 min. (Digital)


PAISES BAJOS

BON VOYAGE de Margien Rogaar. Países Bajos, 2010. Con Anneke Blok, Hans Croiset, Reinout Bussemaker. Nominada a major programa de ficción de los Premios Fotografía y Sonido Holandés. 82 min. (Digital)

SONNY BOY de Maria Peters. Países Bajos, 2010. Con Ricky Koole, Sergio Hasselbank, Marcel Hensema, Micha Hulshof. Especial Reconocimiento a Maria Peters en el Festival Stony Brook, New York. Premios Golden Film y Platin Films del Cine Holandés. 131 min. (Digital)

Puente – Brug de Gerben Agterberg. Países Bajos, 2009. animación Stop-motion 6 min.

El bosque - In a Forest de Fons Schiedon. Países Bajos, 2010. Animación. 3 min.

In Other Words de Joost Bakker. Países Bajos, 2010. Animación. 3 min.

Pecker de Erik van Schaaik. Países Bajos, 2010. Animación. 3 min.


POLONIA

EL JARDÍN DE LUISA – Ogród Luizy de Maciej Wojtyszko. Polonia, 2007. Con: Patrycja Soliman, Marcin Dorocinski, Krzysztof Stroinski, Kinga Preis. Premio Especial del Jurado en el Festival de Gdynia. 105 min.

33 ESCENAS DE UNA VIDA – 33 sceny z zycia de Malgorzata Szumowska. Polonia, 2008. Con: Julia Jentsch, Peter Gantzler, Maciej Stuhr. Premio Leopardo de Plata Especial del Jurado en el Festival de Locarno. 100 min.

LEYDIS - Lejdis de Tomasz Konecki. Polonia, 2008. Con: Edyta Olszówka, Anna Dereszowska, Izabela Kuna. 134 min.


PORTUGAL

SINGULARIDADES DE UNA CHICA RUBIA - Singularidades de uma rapariga loura de Manoel de Oliveira, Portugal, 2009. Con Ricardo Trepa, Catarina Wallenstein, Diogo Dória, Júlia Buisel, Leonor Silveira, Maria-João Pires. 64 min. (Digital)

LOS MISTERIOS DE LISBOA - Os Mistérios de Lisboa de José Fonseca e Costa. Portugal. 2009. Documental. 69 min. (Digital)

AGUA – Aqua de Leonardo António. Portugal, 2008. Con José Wallenstein,
Inês Castel-Branco
Paulo Silva. 20 min.


REPÚBLICA CHECA

LA RETIRADA - Odcházení de Václav Havel. Rep. Checa, 2011. Con Josef Abrahám, Dagmar Havlová, Jiří Bartoška, Jaroslav Dušek. Diez nominaciones y dos Premios León Checo a mejor guión y edición. Nominada al Premio Golden St. George a mejor director en el Festival de Moscú. 95 min. (Digital)

LIDICE de Petr Nikolaev. República Checa, 2011. Con Karel Roden, Zuzana Fialová, Zuzana Bydžovská, Jan Budař. León Checo 2007 a mejor guión. Cinco nominaciones al León Checo 2011 a mejor cinematografía, edición, guión, sonido y actor (K. Roden). Premio de la audiencia en el Festival de Phoenix. Premio del público a mejor película en el Festival de Cine Europeo en Buenos Aires. 123 min. (Digital)

KOOKY REGRESA - Kuky se vrací de Jan Svěrák. República Checa, 2010. Con Zdeněk Svěrák, Ondřej Svěrák, Jiří Macháček, Petr Čtvrtníček, Jiří Lábus, Ondřej Vetchý. Premio Leon Checo a mejor montaje, póster, música y sonido. Premio Especial del Jurado del Festival de Karlovy Vary. Nominada al Crystal Globe. 95 min. (Digital)


RUMANIA

ADELA de Mircea Veroiu. Rumanía, 1985. Con Marina Procopie, George Motoi, Valeria Seciu, Stefan Sileanue. Gran Premio en el Festival de Remo. Gran Premio del Festiva Remo. 85 min. (Digital)

CIULEANDRA de Sergiu Nicolaescu. Rumanía, 1985. Con Stefan Iordache, Gheorghe Cozorici,Ion Ritiu, Anca Nicola. 112 min. (Digital)


SUECIA

AMADA, PURA - Till det som är Vackert de Lisa Langseth. Suecia, 2010. Con Elenco: Alicia Vikander, Samuel Fröler, Josephine Bauer, Doris Funcke, Ylva Gallon. Premio Guldbagge, el Oscar del cine sueco a mejor actriz (A. Vikander). 97 min. (35 mm)


SUIZA

DÉCHAÎNÉES de Raymond Vouillamoz. Suiza, 2009. Con Irène Jacob, Adèle Haenel, Paolina Biguine, Yvette Théraulaz. 90 min.

MADLY IN LOVE de Anna Luif. Suiza, 2009. Con Laura Tonke, Murali Perumal, Sugeetha Srividdunapathy, Anton Ponraja. 85 min. (Digital)


NORUEGA

LIMBO de Maria Sødahl. Noruega, 2010. Con Line Verndal, Henrik Rafaelsen, Lena Endre, Bryan Brown. Premio Amanda, el Oscar del cine noruego a mejor actriz (Line Verndal), actriz sec. (L. Endre), dirección, fotografía, producción y sonido. 110 min. (35 mm)


INVITADOS ESPECIALES:

Karin Albou (1968), realizadora de La pequeña Jerusalén y de El canto de las novias.

Anna Luif (Zürich, Suiza, 1972), realizadora de Madly in Love (2010).

Antonio Santamarina, crítico de cine, autor del libro: Álex de la Iglesia. La pasión de rodar (2011).


CORTOS PORTUGUESES

La Herida - A Ferida de Margarida Leitão. 2003. Premio a mejor actriz en el Festival Internacional de Villa de Conde.

Río Rojo - Rio Vermelho de Raquel Freire. 2007. 16 min.

14 Febrero - 14 Fevereiro de Fernando Vendrell. 2007. 5 min.

Todo continúa hasta el día en que para - Tudo continua até ao dia em que pára de Elsa Bruxelas. 2007. 23 min.

Cuando el Sol Toca la Luna - Quando o Sol Toca na Lua de Pedro Palma. 2004. 21 min.

El Nombre y el N.I.M. - O Nome e o N.I.M. de Inês Oliveira. 2004. 25 min.

Una Comedia Infeliz - Uma Comédia Infeliz de Artur Serra Araújo. 2004. 20 min.

Almirante Reis de Fernando Vendrell. 2004. 17 min.

Día de Feria - Dia de Feira de Marta Pessoa. 2004. 28 min.

Habla Conmigo - Fala Comigo de Francisco Bravo Ferreira. 2004. 13 min.

El número que ha marcado no se encuentra atribuído - O Número que marcou não se encontra atribuído de António Duarte. 2004. 24 min

Tomá y el Alma - Tomá e a Alma de António Duarte. 2004. 31 min.

En Aquel Barrio - Naquele Bairro de Madalena Miranda. 2002. 26 min.

Undo de José Felipe Costa. 2004. 31 min

Crónica feminina - Crônica Feminina de Gonçalo C. Luz. 2002. 26 min

No me cortes el cabelo que mi padre me peinó - Não me cortes o cabelo que meu pai me penteou de Margarida Gil. 2002. 31 min.

La Casa de las Historias - A Casa das Histórias de Carmen Castello-Branco. 2005. 11 min

Boris e Jeremias de Pedro Caldas. 2005. 15 min.

Por Encanto Notas de Otoño - Por Encanto Notas de Outono de Carmen Castello-Branco. 2005. 5 min.

Que Tengas todo lo Que Deseas - Que Tenhas Tudo o Que Desejas de Pedro Caldas. 2005. 12 min

De Alguidar hasta el Mar - De Alguidar até ao Mar de João Fonseca. 2002. 17 min

Lluvia, Chuva de Luis Fonseca. 1999. 15 min.

Arcádia de Francisco Villa-Lobos. 2002. 9 min

La Costurera que Tragó Un Alfiler - A Costureira que Engoliu Um Alfinete de Rita Palma. 2002. 28 min.

Alguien mirará por Tí - Alguem olhará por ti de Marta Pessoa. 2005. 14 min

Cowboys en la António María Cardoso - Cowboys na António Maria Cardoso de Joao Pinto Nogueira. 2004.

Fotocuic de Arlindo Horta. 2005. 24 min. (Volumen 7)

Retrato de la Vieja mientras Señora - Retrato da Velha enquanto senhora de Rita Palma 2005 / 40 min

Adiós, Adeus de Luis Vieira Campos. 2000. 10 min.

Mariposas, Borboletas de Pedro Rocha Nogueira 2001 / 11:30 min

Hoy fue mañana - Hoje foi Amanhã de Ricardo Quaresma Vieiria. 2003. 12 min.

Los últimos Dos Sueños - Os Últimos dos Sonhos de Luis Miranda. 17 min

Paño Crudo - Pano Cru de Pedro Caiano. 33 min.

Rupofobia de Telmo Martins. 2005. 15 min.

Who's There de Pedro Azevedo. 10 min.

El Grito de los Muertos - O Grito dos Mortos de Pedro Azevedo. 14 min.

Portalinho de Paulo Guiherme. 2005. 23 min.

Ángel Negro - Anjo Negro de Carlos Braga. 1999. 17 min

Lastro de Carlos Braga. 2005. 27 min.

¿Qué fue? - O Que Foi? de Ivo M. Ferreira. 1999. 13 min.

Por qué no dije nada? - Porque é que eu não disse nada? de Miguel Seabra Lopes y Miguel Lopes, 1999. 7 min.

Frío - Frio de Artur Serra Araújo. 14 min.

Piso Bajo - Rés-do-Chao de Pedro Cruz. 14 min.


CUARTO TOUR EUROCHANNEL DE CORTOMETRAJES

REÍR EN EUROPA

Programa 1 - La vida es sueño

AlpTraum de This Lüscher. Suiza-Alemana, 2008. 3 min.

Edina de Nóra Lakos. Bosnia-Herzegovina, 2010. 18 min.

Corazón de payaso - Cuore di Clown de Paolo Zucca. Italia, Puglia, 2010. 13 min.

La teoría del anillo - Ring Theory de Joseph Campo. Reino Unido-Irlanda del Norte, 2010. 7 min.

Nenúfares en flor - Vannliljer i blomst de Emil Stang Lund. Noruega, 2010. 15 min.

Bastagon de Marc Schlegel. Austria, 2010. 20 min.

Querido Sr. Starr - Dear Mr. Starr de Denniss Kacs. Alemania-Turingia, 2010. 13 min.

Programa 2 - Sonría, Cámara, Acción

El bebé - O bebe de Mohammad Reza Hajipour. Portugal, 2009. 12 min.

Barracuda de Nicola Martini. Italia, Lombardía, 2009. 15 min.

Me toca a mí - Bende Sira de Ismet Ergün. Turquía, 2007. 11 min.

Bukowski de Daan Bakker. Países Bajos, Ámsterdam, 2010. 9 min.

Despedida parte 2 - Rastanak de Irena Škorić. Croacia, 2011. 12 min.

Danzantes de Liz Lobato. España, Castilla La Mancha, 2011. 12 min.

Mi vida como un tráiler - Mitt liv som tráiler de Andreas Öhman. Suecia, 2011. 15 min.

Programa 3 - Negocios de familia

Adiós papa, adiós mamá de Luis Soravilla Hernandez. España, Madrid, 2010
. 10 min.

Lena y yo - Lena dhe Unë de Blerta Basholli. Kosovo, 2010. 15 min.

Jugando con la muerte de Paul Urkijo. España, País Vasco, 2010. 18 min.

La corrida del molino – Run of the Mill de Börge Ring. Dinamarca, 2010. 8 min.

Guerra - Urrea de Paolo Sassanelli. Italia, Lazio, 2010. 16 min.

Soy gay – Eimai omofylofilos de Nicolas Kolovos. Suecia-Grecia, 2008. 15 min.

Portador de hombres - Porteur d’Hommes de Antarès Bassis. Francia, 2010. 30 min.

Programa 4 - La vida es dulce

Postre - Dessert de Ana Mastnikova. República Checa, 2008.

Edward en el país de las maravillas - Heureux qui comme Edouard de Vincent Burgevin, Franck Lebon. Francia, Borgoña, 2010.

Azúcar - Suiker de Jeroen Annokkeé. Países Bajos, Holanda del Norte, 2010.

Sal y Vinagre – Salt and Vinegar de Cameron Fraser. Reino Unido-Escocia-Alemania, 2011. 4 min.

Maria Paraguas - Marie Parapluie de Lucile Le Marchand, Armand Lenta. Luxembugo, 2010.

Grandes expectativas – Great Expectations de Alexei Gubenco. Rumania, 2011. 

Corazones de azúcar de Nerea Marcén. España, Alicante, 2011. 18 min.

Él que había inventado todo esto - Vin gamoigona es khvelaferi de Yuri Chirkovskiy. Georgia, 2011
.

Persiguiendo su sombra de Brune Charvin. Reino Unido, Inglaterra, 2011.

Programa 5 - Perdidos en Europa

Pruébatelos de Aleksandrs Rusevics. Letonia, 2010.

Milagros en Armenia de Laurent Firode. Armenia, 2011.

Seamos Bielorrusos - Budzma Belarusami de Yulia Ruditskaya. Bielorrusia, 2011.

Bibendum de Augustas Liiv. Estonia, 2011. 17 min.

El último tour de Wille Hyvönen. Finlandia, 2010.

Detalles insignificantes de un episodio accidental – Insignificant Details of the Accidental de Mestetskiy Mikhail. Rusia, 2010. 29 min.

Inspiración (Plictis) si Inspiratie de Igor Cobileanski. Moldavia, 2010. 11 min.

Programa 6 – Negocios Riesgosos

Milímetros - Millimetri de Sean Aquilina. Malta, 2010.

Colgado de Phil Traill. Alemania, Berlín, 2010.

Detrás del muro – Behind the Wall de Elbe Stevens. Países Bajos-Limburgo, 2010. 5 min.

Fautom de Miroslav Jovic. Serbia, 2011.

Matagatos de José Luis Montesinos. España, Cataluña, 2010. 3 min.

La camisa de Cristiano - Le Maillot de Cristiano de Vincent Bruno. Bélgica, Valonia, 2011. 17 min.

Peor imposible de Israel Millán. España, Sevilla, 2010.

Agárralo! - Chytte Ho! de Boris Sima. Eslovaquia, 2010.

El astronauta en el techo – The Astronaut on the Roof de Sergi Portabella. Alemania, 2010. 13 min.

Programa 7 - Todo lo que siempre quiso saber sobre Europa pero nunca se atrevió a preguntar

Y ahora adiós – Bye Bye Now de Aideen O'Sullivan, Ross Whitakera. Irlanda, 2009. 15 min.

El zapatero - Stivania de Viktoria Vellopoulou. Grecia, Creta, 2011.

Rítmo robado - Lopott Ritmus de Martin Szecsanov. Hungría, 2008. 12 min.

20 años de Leka Borin. Albania, 2011.

La forma de ser eslovena - Slovenci de Haidy Kancler. Slovenia, 2011.

¿Realmente me amas? – Do You Really Love Me? de Alastair Cole. Reino Unido-Francia, 2010. 12 min.

Programa 8 - ¡Qué bello es vivir!

El cazador de 'Hola' y el paracampanas de Yavor Gigov. Bulgaria, 2011.

Clase de natación – La leçon de natation de Danny De Vent. Bélgica, Flandes, 2009. 8 min.

Instrucciones – Odigies Chriseos de Costas Yiallourides. Chipre, 2008. 27 min.

Los miércoles – On Wednesdays de Ieva Javaitylé. Lituania, 2011.

Gravedad de Logi Hilmarsson. Islandia, 2010. 19 min.

Dowid y Dominik – Dawid and Dominik de Andy Salamonczyk. Polonia-Reino Unido, 2012. 7 min.

Los ladrones de herramientas de Rhys Davies. Gales, 2008.

Dickens en el cine

Hoy, a las 7.30  de la noche, conversaremos sobre Dickens en el cine. Lugar: Centro Cultural de la PUCP
Sala de conferencias (quinto piso)

Están invitados.

Ricardo Bedoya

desistfilm: segunda entrega

Mónica Delgado anuncia la aparición de la segunda edición de la revista virtual desistfilm, que trae un especial sobre la "nueva ola" del cine japon´ñes de los años sesenta, lista de películas preferidas por los miembros de la redacción, entre otros artículos. La pueden leer aquí

desistfilm

¿Frankenweenie en español?

Un comentario a propósito de la preocupación expresada por Raúl Lizarzaburu en el post anterior: ¿Se estrenará "Frankenweenie", de Tim Burton, solo con copias dobladas?

Ricardo Bedoya

Como en señal abierta

Ted

Ya es sabido que nuestra cartelera es pobrísima, y que está dominada por el mainstream. Pero no solo eso. Las pocas películas interesantes o ajenas al promedio de lo que viene de Hollywood (sin excluir a las peruanas), si llegan a la segunda semana, son enviadas a horarios infames, sea a la hora del almuerzo o a las diez de la noche, y en un número reducido de salas. O a algunas se les ponen títulos de lo más antojadizos, como Un novio para tres esposas (Barney’s version, Richard J. Lewis) o Un papa en apuros (Habemus Papam, Nanni Moretti)


Balada triste de trompeta, de Alex de la Iglesia, ha ingresado en estos días con el insólito nombre de El circo maldito, lo que es imperdonable por tratarse de una producción española.

Otro problema es el número cada vez mayor de filmes que se estrenan doblados al castellano (sin una sola copia subtitulada en algunos casos), y no necesariamente para niños.

Pero que una película como Ted, de Seth MacFarlane, se exhiba doblada en algunas salas es ya el colmo. El afiche advierte su calificación, 18+ (en Estados Unidos es R) e incluye el rótulo “esta película tiene contenido sexual, uso de drogas y lenguaje obsceno y vulgar”. El solo hecho que un filme de contenido estrictamente adulto sea exhibido doblado (por más que también se pueda ver en su versión original) ya es discutible, teniendo en cuenta al público al que va dirigido, pero esa es la otra parte del asunto: el público se está malacostumbrando a no leer subtítulos, pese a que un púber puede hacerlo sin dificultad. Y la tendencia parece ser creciente: cada vez más películas, sobre todo de entretenimiento, se estrenan con doblaje.

Algunos podrán decir que uno es libre de verlas en el idioma que mejor le parezca, otros que es decisión de las distribuidoras, pero estas contribuyen a ese fenómeno.

Lo peor es que a veces no nos dan otra opción, como en la anunciada versión de Los Tres Chiflados de los Farrelly, cuyas copias se verán, tenemos entendido, íntegramente dobladas. En esos casos uno recurre, sencillamente, al DVD, y no hay queja que valga.

Raúl Lizarzaburu

Octavio Getino: un testimonio personal

Conocí a Getino en el célebre Festival de Cine de Viña del Mar de 1969, en el que La hora de los hornos produjo una verdadera conmoción y en el que se instaló la noción del nuevo cine latinoamericano, muy ligada ya no a un cine de denuncia, sino a uno de lucha y confrontación políticas.


Junto a Fernando Solanas, con quien co-realizó ese film emblemático de lo que parecía ser un movimiento a nivel continental, Getino fue una de las figuras más notorias y aplaudidas en ese encuentro, de una efervescencia que probablemente no se ha repetido nunca.

Luego de los dos largos documentales centrados en el peronismo y en su gestor histórico, el general Juan Domingo Perón, Getino, responsable del Ente de Calificación Cinematográfica durante el gobierno peronista, permitió que se exhibieran comercialmente varios títulos valiosos antes prohibidos por la censura argentina. El golpe militar de 1976 lo forzó al exilio, así como a otros cineastas, entre ellos, claro, Fernando Solanas. Aunque me parece recordar que no fue su primera parada, Octavio, junto con su esposa Susana Velleggia, se instaló en Lima, donde trabajó en el Centro de Teleducación de la Universidad Católica y en la Universidad de Lima durante unos cuatro años.

Coincidimos en la docencia de la Facultad de Comunicación, donde se ganó el aprecio de colegas y alumnos. Cierto, entre el primer Getino que conocí en 1969 y el que traté con cierta frecuencia y de manera muy amistosa en Lima había una notoria diferencia. Las posiciones radicales de los tiempos de La hora de los hornos no podían ya sostenerse y, sin duda, los golpes y los reveses políticos modificaron su perspectiva.

La hora de los hornos

Por cierto, se mantuvo fiel a sus principios justicialistas, a la defensa de un latinoamericanismo activo y, en consecuencia, de espacios cinematográficos y audiovisuales propios y no atados a los intereses transnacionales. Dejó de hacer cine pero, en cambio, investigó y escribió mucho. Es verdad que sus preocupaciones centrales apuntaban a los procesos de producción, distribución y exhibición, y no tanto a las películas como tales. Getino era un hombre que manejaba cifras, que apelaba a los cuadros y a las estadísticas, así como a los aspectos infraestructurales del cine y del audiovisual, temas, sin duda importantes, que a muchos nos comprometen menos que otros, aquellos que un blog como Páginas del diario de Satán pone en evidencia. A propósito, casi hasta el final, Getino escribió para su blog, en la misma línea en que orientó sus pesquisas en las últimas décadas.

Por esas circunstancias de la vida, a comienzos de este año terminé de escribir un libro que tenía planeado hacer desde hace mucho y que se titula Entre el mito político y la modernidad fílmica. El nuevo cine latinoamericano de los años sesenta. El libro está actualmente en proceso de edición y será objeto de una mesa de debate en el próximo BAFICI, el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires. Yo tenía el deseo de queOctavio asistiera a esa mesa porque el libro es muy crítico de las tesis del Tercer cine y la ausencia de una autocrítica que nunca le leí o le escuché formular. La muerte arrebata la posibilidad de ese encuentro que, estoy seguro, no hubiese salido de los cauces de la amistad franca y directa que tuve con Octavio, a pesar de las diferencias que allí se iban a exponer. Lamento enormemente que así sea, como lamento aún más, desde luego, su partida. Ignoraba su enfermedad y, no sé por qué, siempre imaginé, tal vez por un físico que lo hacía parecer por debajo de los años que contaba y su actitud jovial, que Octavio tenía mucho tiempo por delante.

No ha sido así. De cualquier manera, el nombre de Getino queda para siempre ligado a una de las etapas más tempestuosos del cine y de la historia socio-política de nuestros países.

Isaac León Frías

Getino en el Perú: La familia Pichilín

Hay que recordar que Octavio Getino radicó en Perú hacia 1977 y 1978. Realizó documentales para el Centro de Teleducación de la Pontificia Universidad Catolica del Peru (CETUC) así como un largometraje de ficcion llamado "La familia Pichilín".

¿Existirá una copia en los archivos de la PUCP?

Ricardo Bedoya

Octavio Getino

Muere Octavio Getino, corealizador de "La hora de los hornos" , uno de los documentales políticos canónicos, y estudioso de los medios de comunicación en América Latina.

Semana de cine del Brasil

El viernes 12 de octubre se inicia la “VI Semana de Cine Brasileño”, organizada por el Ministerio de Relaciones Exteriores del Brasil.

Los siete largometrajes de la muestra se proyectarán en el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Se contará con la participación de la actriz Karine Teles (Madame Satã, Riscado)

Las películas programadas son:

"Riscado" / "Oficio", de Gustavo Pizzi. Protagonizada y escrita por Karina Teles.

"Palavra (en)Cantada" / "Palabra (en)Cantada", de Helena Solberg

"Heleno", de José Henrique Fonseca
"O samba que mora em mim" / "La samba que vive en mí", de Georgia Guerra

"O palhaço" / "El payaso", de Selton Mello
"Além da estrada" / "Por el camino", de Charly Braun
La entrada a todas las películas es libre.

Balada triste en el circo maldito...o lo que sea

La película que se exhibe en los cines con el título "El circo maldito" es "Balada triste de trompeta", de Alex de la Iglesia. Una más para la antología del disparate.

Toda una vida

“Toda una vida”, de Mike Leigh, es un retrato de grupo que mezcla el humor, la melancolía, la observación social, la congoja por el paso del tiempo y el inevitable envejecer, la aflicción por los afectos que no se llegan a consolidar, entre otros sentimientos que se apuntan y se desvanecen en el año cubierto por el arco narrativo del filme.

La puesta en escena de Leigh está al servicio de sus actores. Ellos encarnan las expectativas y las decepciones que movilizan la acción. Aunque decir acción es, tal vez, usar un vocablo equívoco. La fluencia dramática de “Toda una vida” no está determinada por giros ni sucesos extraordinarios. El episodio más “intenso” que ocurre es la muerte de un personaje al que nunca conocimos. Asistimos, más bien, a escenas de la vida familiar de Tom y Gerri, a episodios cotidianos, a retratos de interiores, a una suma de encuentros domésticos, cenas, conversaciones, cuidados del jardín, juegos, que se suceden al ritmo de las estaciones del año. Y con cada estación llegan nuevos personajes. Y con cada personaje, aparecen nuevos talantes y asuntos de conversación.

Y se van trazando curiosas simetrías y oposiciones, todas teniendo como eje a Mary (la formidable Lesley Manville), el personaje omnipresente: ella habla de más, mientras el invernal Ronnie, hermano de Tom, casi no habla; Mary desea a Joe, el hijo de la pareja, mientras que Katie, posee a Joe; Mary siente que ha dilapidado su vida; Ken, el amigo alcohólico de Tom, que desea –sin ser correspondido- a Mary, siente lo mismo de su propia vida.

Otra simetría, la de la desesperanza. La película se abre y se cierra con un gesto de escepticismo frente a la posibilidad de ser felices. El personaje de Imelda Staunton, al que no volvemos a ver, es el equivalente perfecto de la Mary desolada del plano final.

Tal vez “Toda una vida” resulte demasiado “escrita”, casi ejemplar en su perfecta división en “actos” y en su didáctica presentación de la idealizada tolerancia de Tom y Gerri, siempre dispuestos a la comprensión de todos y de todo, pero no cabe duda que Leigh es un maestro creando personajes, momentos, tensiones, atmósferas. En una palabra, situaciones a las que asistimos para escuchar las confidencias de Mary mientras la acompañamos con un vino en la mano.

Ricardo Bedoya

Revisionismo y memoria selectiva

La teta asustada

Creo que los argumentos de Emilio desbaratan el intento "revisionista" de negar lo que es patente. Los títulos de las películas realizadas en las décadas de los años ochenta y noventa hablan por sí solas.

Pero lo que llama la atención en el artículo de Martha Meier no solo es su flagrante desconocimiento del pasado, sino algunos sintomáticos silencios de ese presente del cine peruano que dice valorar.

Silencios llamativos en un artículo que destaca los méritos de una nueva generación que "está completando el canon cinematográfico nacional con obras que tienden finalmente un pùente entre la cinematografía, la memoria del terrorismo y cómo afectó al Perú...", según escribe.

Silencio absoluto sobre dos películas que, tratando el asunto, de modo directo o indirecto, mayor relieve han tenido en festivales internacionales.

Ni palabra sobre "La teta asustada", de Claudia Llosa, que describe la trayectoria de una joven que hereda una patología singular producto de la violencia a la que fue sometida su madre por un destacamento militar.

Ni una mención a "Días de santiago", retrato de un licenciado del Ejército, veterano de la lucha contra Sendero y en el Cenepa, abandonado a su suerte en una ciudad que ve como prolongación del campo de batalla.

De esas películas, que ofrecen visiones complejas, críticas, poco institucionales, que propician también el debate sobre los derechos humanos, entre muchos otros... nada, ni una palabra.

Omisiones selectivas y oportunas.


Ricardo Bedoya

Emilio Bustamante responde a Martha Meier

Emilio Bustamante responde al artículo publicado por Martha Meier MQ. en El Dominical de El Comercio de ayer.

"El último número de El Dominical de El Comercio está dedicado al arte y la violencia a veinte años de la captura de Abimael Guzmán. La directora Martha Meier publica allí un texto titulado “Terrorismo en pantalla”. En la nube del texto se lee: “La creación cinematográfica sobre la violencia desatada por Sendero Luminoso ha sido escasa. Es la valentía de una nueva generación que narra lo que los mayores olvidaron contar”.


Meier reafirma en el cuerpo de artículo que son las nuevas generaciones de cineastas “quienes empiezan a narrar con valentía los impactos del senderismo en la vida nacional”, y menciona a tres cineastas representativos de estas nuevas generaciones: Fabrizio Aguilar (Paloma de papel, Tarata), Rosario García Montero (Las malas intenciones) y Héctor Gálvez (Lucanamarca, Paraíso). Señala:

“A diferencia de otros países desangrados por la violencia, en el Perú no se generó en este arte -básicamente monopolizado por una élite afincada en Lima- una tradición que recogiera ese terror. Si uno se basara en la producción cinematográfica parece que nada pasó, es como si se hubiera tratado de imponer el olvido y la desmemoria, ya sea por falta de perspectiva histórica, de coraje, o por intereses subalternos.”

Añade Meier que cuando los cineastas “mayores” trataron la violencia terrorista lo hicieron “superficial y aisladamente”, y menciona a Francisco Lombardi quien en La boca del lobo habría hecho “de las Fuerzas Armadas los villanos”, y a Chicho Durant, quien en Coraje habría narrado “anecdóticamente los últimos días de la lideresa popular María Elena Moyano”.

Las causas de esta supuesta ausencia del tema del terrorismo serían, según Meier: 1. Lo complicado y oneroso que es producir una película en el Perú, lo que habría llevado a los cineasta peruanos “a desarrollar una perversa dependencia de fondos estatales e internacionales -altamente ideologizadas- que, en no pocos casos, han terminado por moldear sus propuestas”; y 2. La tardía asunción de la perversidad de Sendero Luminoso por los “cineastas provenientes de las canteras de la izquierda”.


La primera impresión que se tiene al leer el artículo es que Meier está mal informada. Desde mediados de la década de 1980 hasta el año 2000 fueron numerosas las producciones nacionales que se ocuparon de la violencia desatada por Sendero Luminoso, de manera directa o indirecta. Recordemos a los largos: Malabrigo (1986) de Alberto Chicho Durant, La boca del lobo (1988) de Francisco J. Lombardi, Juliana (1989) del Grupo Chaski, Ni con Dios ni con el diablo (1990) de Nilo Pereira, Caídos del cielo (1990) de Francisco J. Lombardi, Alias La Gringa (1991) de Alberto Chicho Durant, La vida es una sola (1993) de Marianne Eyde, Sin Compasión (1994) de Francisco J. Lombardi, Anda, corre, vuela (1995) de Augusto Tamayo, Bajo la piel (1996) de Francisco J. Lombardi, Coraje (1998) de Alberto Chicho Durant, Mártires del periodismo: Uchuraccay (1999) de Luis E. Berrocal, Dios tarda pero no olvida (1997), Dios tarda pero no olvida II (1999), y Sangre inocente (2000) de Palito Ortega Matute. Recordemos a los cortometrajes: Una pequeña mirada (1992) de Dany Gavidia, Enigma de Santos (1992) de Edgardo Guerra, La misma carne, la misma sangre (1992) y Kentishani y Shaavaja (1995) de Aldo Salvini. (...)


El artículo sigue aquí: http://apreci.org/

Kenji Misumi: un ciclo indispensable

El lunes 17 empieza un ciclo dedicado a Kenji Misumi, al que algunos recuerdan por sus películas sobre Zatoichi, el espadachín ciego, personaje retomado por la película de Kitano.

Pero Misumi transitó por muchos otros géneros y eso es lo que comprobaremos con esta muestra de 5 películas que presenta la Embajada del Japón, con el auspicio de la Fundación Japón y el apoyo del Centro Cultural Peruano Japonés.
Se proyectarán en copias en 35 milímetros:

Lunes 17 de septiembre: Cuento de fantasmas (Yotsuya Kwaidan)  1959, 84 minutos

Martes 18 de septiembre: Hijo del destino (Kiru)  1962, 71 minutos

Miércoles 19 de septiembre: En el camino por siempre (Mushuku Mono)  1964, 89 minutos

Jueves 20 de septiembre: La espada  (Ken) 1964, 94 minutos

Viernes 21 de septiembre: Río de lágrimas (Namida Gawa) 1967, 79 minutos

Lugar: Auditorio Dai Hall, Centro Cultural Peruano Japonés (Av. Gregorio Escobedo 803, Residencial San Felipe, Jesús María – teléfono 5187450), a las 19:30 horas.

El cuervo

“El cuervo” es una fantasía de misterio que tiene al escritor Edgar Allan Poe como personaje principal. Poe, mejor dicho John Cusack, se convierte aquí en la clave para desentrañar una serie de asesinatos basados en cuentos como La fosa y el péndulo, La barrica de amontillado, La máscara de la muerte roja, entre otros.


El modelo mayor de una historia así pudo haber sido Eco y sus novelas, pero la referencia queda un poco ancha. Aquí estamos más bien en los dominios de un Dan Brown que cambia a los templarios por Poe. Y piensa en “Se7en, pecados capitales” para condimentarlo con el clima de algunas películas de la Hammer y, claro, del propio Roger Corman, aunque sin los delirios visuales ni cromáticos del veterano director de “El entierro prematuro”.

El director de “V de venganza”, James Mc Teigue, ilustra con claridad didáctica dos líneas dramáticas: una de horror y otra de amor. Ambas están entrelazadas por la pesquisa que llevan a cabo el jefe de la policía y el escritor para atrapar a un asesino en serie que es además un lector escrupuloso. En el camino, se van repartiendo los lugares comunes esperables: las escenas con la fosa y el péndulo actuando de la manera en que no lo pudo mostrar Corman; la persecución por las alcantarillas; las secuencias de morgue; las falsas pistas sembradas por el responsable; el inesperado culpable; el baile de disfraces, filmado con desgano y a la carrera, muy por debajo del exaltado frenesí del Corman estilista de “La máscara de la muerte roja”.

Algunos momentos, por aislado, funcionan, porque tienen atmósfera, pero el conjunto deja la impresión de un desarrollo mecánico y aplicado. La secuencia final, en París, es un añadido absurdo.

Ricardo Bedoya

Los indestructibles 2

Parecen salidos de un viejo VHS grabado en velocidad EP, con varias horas de escenas de una antología de "Rambo” y similares.


“Los indestructibles 2” pone a los héroes de la imagen analógica de los ochenta arruinando cachivaches de verdad y no figuritas digitales. Las primeras secuencias, en Nepal, con los retocados dinosaurios al rescate del multimillonario, son una apoteosis de la destrucción de hojalata. Aviones, tanques, vehículos marítimos, cualquier objeto es bueno mientras sea macheteado y permita a los mastodontes llegar a su objetivo.

De allí en adelante, se suceden las escenas de la película como si fueran trailers de secuelas inexistentes de “Desaparecido en acción”. Y las apariciones de Arnold, Norris, Willis, entre otros, tienen al aire de ser “cameos” narcisistas, no por previsibles menos divertidos. “Los indestructibles 2” tiene tanta coherencia como las frases que balbucea Stallone, pero resulta desfachatada, enérgica, festiva.

Ricardo Bedoya

Una separación, de Asghar Farhadi, y Tournée, de Mathieu Amalric

El Centro Cultural de la PUCP está exhibiendo dos películas que no se deben perder, la iraní “Una separación”, de Asghar Farhadi, y la francesa “Tournée”, de Mathieu Amalric.

“Una separación” se sustenta en actuaciones admirables y en un guión que logra construir un juego de apariencias intrincado pero que se expone con perfecta claridad. Farhadi inicia la película con afanes descriptivos. Una pareja de esposos discute y no logra ponerse de acuerdo. Ella quiere partir al extranjero con la familia, pero él se resiste al viaje porque debe cuidar a su padre que padece Alzheimer. Esta diferencia es, en verdad, una brecha que marca la película, marcando su filiación al drama familiar. Pero no solo eso. La discrepancia conyugal es la “falla” que va a desencadenar una cascada de desplazamientos dramáticos invisibles, pero cuyas consecuencias descubriremos de a pocos.

Y es que la diferencia de la pareja está siendo registrada por el ojo de un juez invisible que se identifica con la mirada de todos nosotros, los espectadores. Una observación incorpórea, ubicua, de la que somos conscientes desde que se inicia la película.

Un ojo que no prejuzga, ni sanciona, ni moraliza, pero que se convierte en una suerte de guía e hilo conductor por los vericuetos de la acción. A través de su campo de observación, de naturaleza casi documental, conocemos las “justas” razones de cada uno de los personajes para actuar como lo hacen, pero también asistimos a una crónica de la vida cotidiana en el Irán actual, con sus diferencias sociales y culturales marcadas, y a una historia sustentada en el juego de la mentira y de la verdad como un laberinto de las apariencias.

Por ratos, todo en la película parece cotidiano, ordinario y hasta banal. Son escenas de la vida doméstica en un hogar de la clase media en el Teherán de hoy. Pero un hogar en el que estalla una crisis. La cámara registra las trayectorias de los personajes con una cámara en mano muy precisa, nada ostentosa. A veces, el seguimiento de las acciones se interrumpe, la mirada se torna púdica, se escamotean algunos hechos y las elipsis se imponen; en otros momentos, los sucesos se muestran con la velocidad de lo intempestivo.

La estrategia de la película se basa en un principio: algunos hechos deben quedar en la sombra y la duda se siembra sobre su naturaleza y alcances. La incertidumbre es el resultado de la supresión de un eslabón narrativo que obliga a preguntarnos una y otra vez por el sentido de las acciones de los personajes. Todos ellos están en tela de juicio. Sobre todo Nader, el marido, y la mujer que es contratada para cuidar al anciano. ¿Mienten? ¿Son víctimas de las circunstancias? ¿Están siendo manipulados? ¿Dicen toda la verdad? ¿La sofocante presencia de la religión influye en las acusaciones de la mujer? ¿Son víctimas de sus impresiones o de sus férreas convicciones?

Pero ese cuestionamiento a los personajes alcanza también a nuestra posición como espectadores ¿Vimos efectivamente aquello que se afirma que ocurrió ante nuestros ojos?

Es decir, la película nos interpela. Lo más interesante de “Una separación” ocurre cuando las acciones nos conducen a un limbo, a una tierra de nadie, a una zona en la que no podemos darle la razón ni identificarnos con ninguno de los personajes porque sentimos que todos ocultan algo. Entramos en un estado de confusión, de incomprensión de los hechos o de desconfianza en las propias percepciones. Sí, tal vez sea una argucia del guión, pero está muy bien encarnada y puesta en escena gracias al dominio de las elipsis.

“Tournée” es, en cambio, una película de derivas. Descentrada, desordenada, en tránsito, casi tan errática como el recorrido que siguen Joachim Zand (encarnado por el propio Amalric), el empresario de burlesque que la protagoniza, y su felliniano grupo de bailarinas. Nunca vemos el espectáculo encuadrado de frente, y en todo su desarrollo. Lo entrevemos, nos acercamos a él desde los márgenes, acaso un tanto cegados por los reflectores o por el polvo de estrellas, y desde el punto de vista siempre angustiado de Joachim, ese emocionante perdedor.

Seguimos al grupo de new burlesque entre bambalinas cuando ensayan sus coreografías más grotescas que eróticas, mezclando lo kitsch y lo trash, como queda bien definido en cada uno de los movimientos de Dirty Martiny y las otras bailarinas. Pero también por camerinos, hoteles, salas de espera, estaciones de tren. Lugares de paso que van marcando la trayectoria hacia la derrota absoluta de Joachim, acosado por obligaciones, incumplimientos de contratos, facturas del pasado, requerimientos de sus artistas. Es incapaz de reconquistar su propio país y de gobernarse a sí mismo. En su actitud y sus gestos, en su crispada intimidad, en sus decisiones súbitas, en su mirada oblicua, en el modo en que contempla la actividad de los otros, en su vocación de perdedor, Amalric evoca a dos personajes de Ben Gazzara: el de “Asesinato de un apostador chino”, y el de “Saint Jack”.

Amalric es un actor extraordinario y pasa de la melancolía al desencanto, y luego a la decepción, al hartazgo y la furia. Dos secuencias dan cuenta del cambio progresivo del temperamento del personaje y del talante del actor: su encuentro seductor y triste a la vez con la cajera nocturna y, luego, el diálogo exasperado con la segunda cajera, la del supermercado, que insiste en mostrarle el pecho y lucirse como estrella de burlesque. Esos encuentros describen los cambios de humor que sufre la película: relajada en su primera parte; amarga y hasta desesperada en el segmento final.

Ricardo Bedoya

Agentes secretos y Presas del diablo

Verlas una tras otra, como en un programa doble, me retrotrajo a los años setenta: a la matinée del Azul y a la vermouth del Independencia o del Olllanta. “Agentes secretos”, de Steven Soderbergh, y “Presas del diablo”, de John Carpenter, remiten a un cine de acción hecho sin mayores pretensiones. Son filmes al estilo de la serie B, pero realizados con recursos más o menos holgados en el caso de Soderbergh, o más o menos ajustados en lo que le toca a Carpenter. Las dos, además, muestran a heroínas agresivas y con iniciativa; guerreras de verdad.


Ni una ni otra película aspira a mostrar mayor coherencia narrativa ni afanes de verosimilitud. Soderbergh aprovecha el intrincado juego de traiciones que sustenta el argumento para insertar cada quince minutos un combate de Gina Carano con el rival que le pongan al frente. Y ahí es que se luce su garra y pegada. Soderbergh filma los movimientos del cuerpo de Gina en acción (y la destrucción que provoca) con la misma sensualidad fascinada con que en otras películas despliega filtros cromáticos, cámaras vertiginosas o chiches tecnológicos para provocar admiración masiva. “Agentes secretos” es un vehículo al servicio de Gina Carano. Ella es contundente, tanto como una chica Grindhouse de Tarantino.

“Presas del diablo” es un divertido disparate. Mezcla con toda conciencia los tópicos de las películas de manicomios con los de prisiones femeninas y les agrega cuotas de terror espectral con una aparecida que provoca sacudones inesperados mientras se acumulan evocaciones de “Psicosis” y decenas de otras referencias a Hitchcock. Pero no solo eso. Carpenter ambienta su historia en los años sesenta, lo que le da pie para incluir apuntes “retro” pero sin pizca de nostalgia porque en su mundo no hay lugar para la aflicción, el quebranto o la memoria afectiva del pasado. Las películas de Carpenter son tensas, lineales, prospectivas y avanzan hacia su objetivo con toda velocidad. “Presas del diablo” es un encargo que apela a algunos recursos gruesos que parecen tomados de un manual de sustos del tren fantasma o del teatro del gran guiñol, pero resulta atractiva por su energía narrativa, su gracia desprejuiciada, su aire de juego burlón.

Ricardo Bedoya

A pedido...

A pedido del público, aquí van las listas de Tarantino y de Scorsese.

Tarantino pone "Lo bueno, lo malo y lo feo", "Apocalypse Now", "The Bad New Bears", "Carrie", de Brian de Palma, "Dazed and Confused", "El gran escape", "His Girl Friday", "Tiburón", "Pretty Maids All in Row", "Rolling Thunder", "Sorcerer", de Friedkin, y "Taxi Driver",

Scorsese: "8 1/2", "2001: Odisea del espacio", "Cenizas y diamantes", Ciudadano Kane", "El Gatopardo", "Paisá", "Las zapatillas rojas", "The River", de Jean Renoir, "Salvatore Giuliano", "The Searchers, "Ugetsu Monogatari", "Vertigo".

Las listas completas de las elecciones de los directores podrán ser consultadas hacia fines de agosto en:
 http://explore.bfi.org.uk/sightandsoundpolls/2012

Preferidas de Tarr, Tsai, Reygadas, de Oliveira, Kaurismaki, Guerín, Allen

El número impreso de "Sight and Sound", correspondiente a setiembre, adelanta algunas de las listas de las películas preferidas de los directores cinematográficos. Son muy interesantes de leer. Aquí van algunas:

Frenesí

Béla Tarr elige como sus diez preferidas a "El hombre de la cámara", "La pasión de Juana de Arco", Alexander Nevski", "M", Al azar Baltazar", "Vivir su vida", Frenesí", de Hitchcock, "Historia de Tokio", "Los sin esperanza", de Jancsó, y "Berlín Alexanderplatz".

Goodbye Dragon Inn

Tsai Ming-liang elige "Sunrise", "La pasión de Juana de Arco", "El hijo único", de Ozu, "Primavera en el pequeño pueblo", de Fei; "La noche del cazador", "Los 400 golpes", "El eclipse", "Mouchette", "El miedo corroe el alma" y "Goodbye Dragon Inn (Tsai Ming-liang)

Carlos Reygadas vota por "Gummo", "Madre e hijo", "Werckmeister Harmonies", "Andrei Rublev, "Persona", "Los olvidados", "El intendente Sansho", "Distant Voices, Still Lives", "Un condenado a muerte se escapa", de Bresson, "El verdugo", de Berlanga.

Play Time

Manoel de Oliveira lista los filmes que "llegan primero a mi mente. En otro momento, podrían ser reemplazados por otros, pero no todos", según anota en su comentario: "Gertrud", "Mouchette", "La pasión de Juana de Arco", "El delator", de Ford, "El acorazado Potemkin", "Iván el terrible", "Play Time", "Ugetsu Monogatari", "La quimera del oro", "Viaje a Italia".

Aki Kaurismaki: "L'Atalante", "La edad de oro", "Sunrise", "Historia de Tokyo", "Z", "Boudu salvado de las aguas", Nanouk el esquimal", "Ladrones de bicicletas", "La quimera del oro", "Mi tío".

La pasión de los fuertes (My Darling Clementine)

José Luis Guerín: "Una mujer de París", "Luces de la ciudad", "Candilejas", "Ordet", "Gertrud", "Historia de Tokio", "Ukigusa", de Ozu,  "La pasión de los fuertes", de Ford, "Carta de una desconocida", "La mamá y la puta".

Woody Allen: "Ladrones de bicicletas", El séptimo sello", "Ciudadano Kane", Amarcord", "8 1/2", "Los 400 golpes", "Rashomon", "La gran ilusión", "El discreto encanto de la burguesía", "Paths of Glory".

Las listas completas de los directores y sus votos van a salir hacia fines de este mes en la página web de Sight and Sound.

La nacionalidad de Fitzcarraldo

En la encuesta de Sight and Sound, con el puesto 588, aparece "Fitzcarraldo". Se consigna su nacionalidad: peruana. Asunto más que discutible. Mejor, dudoso.

Todos los votantes

Aquí tienen el enlace donde pueden explorar todos los votos: http://explore.bfi.org.uk/sightandsoundpolls/2012/voter

Las mejores películas de la historia en la encuesta de Sight and Sound: nuestras listas

Hoy, la revista "Sight and Sound" publicó la lista de los participantes en su encuesta sobre las películas más grandes de la historia. En la lista de votantes figuramos Isaac León Frías,  Emilio Bustamante y Ricardo Bedoya.

La revista solicitó que se eligiera diez títulos. Las reglas del juego quedaron fijadas en los términos redactados por el editor de la revista, Nick James:

 "I would like to invite you to take part in the 2012 poll. We realise that this is not the easiest of tasks, but we want you to know that this is a major worldwide endeavour that will help us all to remind people of film’s rich history and to refine what we mean by the best of cinema.
Please draw up a list of ten films only, in order of preference or, if you’d rather, alphabetically. The order does not matter to the voting system – we will allot one vote only to each of your ten films. We also invite you to add a short commentary after the list explaining why you have chosen the films in your top ten.
As for what we mean by ‘Greatest’, we leave that open to your interpretation. You might choose the ten films you feel are most important to film history, or the ten that represent the aesthetic pinnacles of achievement, or indeed the ten films that have had the biggest impact on your own view of cinema.
When it comes to grouped films, such as the Godfather series, please choose by individual film alone (The Godfather or Godfather II etc.) You cannot vote for, say, the Three Colours Trilogy unless you want to use up three choices out of ten (...)"

Las listas enviadas fueron las siguientes:


Isaac León Frías

Greed

Greed (Eric Von Stroheim)

Los olvidados (Luis Buñuel)

Make Way for Tomorrow (Leo McCarey)

Persona (Ingmar Bergman)

Pierrot le fou (Jean-Luc Godard)

The Man Who Shot liberty Valance (John Ford)

Touch of Evil (Orson Welles)

Ugetsu Monogatari (Kenji Mizoguchi)

Vertigo (Alfred Hitchcock)

Viaggio un Italia (Roberto Rossellini)



Emilio Bustamante

Al azar Baltazar

Au hasard Balthazar (Bresson)

Death in Venice (Visconti)

Histoire (s) du cinema (Godard)

Ivan the Terrible, Part One (Eisenstein)

La commune (Paris, 1871) (Watkins)

Ordet (Dreyer)

The Gold Rush (Chaplin)

The Grapes of Wrath (Ford)

Tokyo Story (Ozu)

Un chien andalou (Buñuel)

Commentary: Really, who can say: these are the best films? Only my favorites at this moment of my life.



Ricardo Bedoya

El salón de música

Vertigo, de Alfred Hitchcock

The River, de Jean Renoir

Jalsāghar (El salón de música), de Satyajit Ray

Ugetsu Monogatari, de Kenji Mizoguchi

Rio Bravo, de Howard Hawks

Madame de..., de Max Ophüls

Los olvidados, de Luis Buñuel

The Quiet Man, de John Ford

Viaggio in Italia, de Roberto Rossellini

The Dead, de John Huston

NOTA: no añadí comentario a mi lista, pero lo hago ahora. Es una lista que no expresa otra cosa que mis preferencias en el momento en que la hice. No tuve en cuenta ningún cálculo proporcional ni de cuotas. Ni me interesó poner representaciones del cine silente, ni del cine contemporáneo, ni de este movimiento o de aquél. Las diez películas que están allí son películas de cabecera, como también lo son "Sunrise", "El intendente Sansho" o "La historia de los crisantemos tardíos" o "La calle de la verguenza", de Mizoguchi, "Nubes flotantes", "Historia de Tokio",  "Notorious", "El abanico de Lady Windermere" o "El príncipe estudiante en Old Heidelberg", o "Trouble in Paradise" o "El cielo puede esperar", de Lubitsch, "Vivir su vida" o "Pierrot el loco" o "Prenom Carmen", de Godard, "El profesor chiflado" o "El terror de las chicas" o "El ingenuo", de Lewis, "The Searchers" o "Fuimos los sacrificados", de Ford, "Flores de Shangai", "El río", de Tsai Ming-liang, "La vida criminal de Archibaldo de la Cruz" o "El" de Buñuel, "Estación Comanche", "Colorado Territory", "Caminé con un Zombie" o "Cat People", de Tourneur, "Anatomía de un asesinato" o "Angel Face" o El cardenal" de Preminger, "Winchester 73" o "Bend of the River" o "El Cid, de Mann, "El vuelo de la flecha" o "Corredor sin retorno" o "El kimono escarlata" o "Más allá de la gloria", de Fuller, y tantas películas de Ray, Gremillon, Matarazzo, Guitry, entre otros. Cualquiera de ellas pudo estar. Ya me estoy arrepintiendo de no haberlas incluido. Para otra vez será.

Ricardo Bedoya 

"Imitación de la vida", un libro de Isaac León Frías, por Giovanna Pollarolo

En el pasado Festival de cine de Lima se realizó una presentación del libro "Imitación de la vida", de Isaac León Frías. Este es el texto expuesto por una de las presentadoras, Giovanna Pollarolo, que lo ha cedido para la publicación en el blog.

“Este no es un libro orgánico, sino una selección de textos escritos en la década de 1990 en una columna publicada en la revista TV+, del diario "El Comercio”, explica Isaac León en la introducción que ha llamado “Agregado inicial” porque quiere que sea leído o “visto” como se ve en el cine el material previo a la exhibición de la película. Antes, los agregados eran como el aperitivo de una cena: noticieros, comerciales, en los 80s el infaltable corto peruano. Había un intermedio, y luego ya, la película, el plato fuerte. La gente aplaudía antes de que empezara la película. Viejos tiempos.


Y sí, en un sentido digamos académico, "Imitación de la vida. Crónicas de cine", no es un libro orgánico en el sentido en que no se propone como un Panorama o una Historia del cine, un diccionario de películas, una selección que funcione como guía para el espectador desorientado. O un libro sobre cine que aborde aspectos específicos referidos ya sea al lenguaje cinematográfico, a una determinada corriente o director, etcétera. Sin embargo, tampoco es lo contrario: o sea, un libro desorganizado y caótico que se limita a reunir los comentarios de las películas que semana a semana trasmitía la TV local y por lo tanto el programador del canal, su buen o mal gusto para elegir, las exigencias de los auspiciadores, el rating, en fin, serían quienes determinaron su contenido. Si bien es cierto que hay razones para pensar que "Imitación..." es una arbitraria reunión de crónicas, pues Isaac León recibía semanalmente la programación de películas de los diferentes canales para que las comentara, basta mirar el índice o leer un par de columnas para descartar tal presunción. En cuanto al índice, este no es cronológico; es decir, las crónicas no están ordenadas de acuerdo con la fecha en que fueron escritas, semana a semana, año tras año, sino empleando criterios ya sea genéricos (melodrama, terror, comedias, etcétera) como nacionales (cine peruano), autores, actores, actrices. El hecho de que haya sido posible reunirlas bajo criterios establecidos años después de su escritura revela desde ya una sistematicidad implícita. Es evidente que desde un inicio el autor impuso un estilo; o, mejor, construyó su propia organicidad: en primer lugar, elegía una película (eventualmente dos o tres que tenían alguna vinculación temática, de autor o lo que fuere) interesante ya sea por su inscripción en un género determinado, una corriente estilística o temática, un director –autor, y a partir de alguno, o de varios de estos aspectos, escribía una muy documentada reseña valiosa por la información, por la atención que le prestaba al contexto de producción, a su relación con otras películas y también por sus propios juicios críticos. Así, y tal vez, como decía el chavo del 8, “sin querer queriendo”, Isaac León fue escribiendo un “libro orgánico” en el sentido más preciso del término “orgánico” según el Diccionario de la Lengua Española: “que tiene armonía y consonancia”

Pienso que esta organicidad solo podía conseguirla un cinéfilo como León cuya desbordante información le permitió no solo detectar películas de interés, que hubieran pasado desapercibidas a la mayoría de espectadores, en una programación errática, diversa y desarticulada, sino encontrar vínculos y relaciones entre las seleccionadas las semanas anteriores. Sobre este punto específico, es importante anotar que cuando estas columnas fueron escritas, nadie gozaba de la facilidad del acceso a internet y a su infinita e inabarcable “biblioteca de babel” de la que disfrutamos hoy en día. Quizás a los jóvenes les resulte difícil o imposible imaginar el tiempo aquel cuando era necesario investigar en diccionarios y manuales de cine para obtener datos tan simples pero entonces tan inaccesibles como el año de producción de una película, su ficha técnica y demás información a la que hoy ahora accedemos entrando a Google o a cualquier buscador. Las reseñas de "Imitación..." escritas en la década de los noventa revelan un conocimiento de la producción fílmica y de la historia del cine que solo un espectador atento, concentrado y acucioso puede ostentar.

Y es que Isaac León pertenece a esa generación de cinéfilos que antes de internet lo sabían todo. Sabían y saben del viejo cine y del nuevo, quién es quién en cada ficha técnica. Esos cinéfilos que han visto todas las películas, leído todas las críticas, atentos a hallazgos de películas antiguas nunca vistas, descubrimientos de directores ignorados, películas de culto, así como de nuevos nombres, jóvenes promesas, genios. Y estas columnas, léanlas teniendo en mente que fueron escritas antes de internet, dan cuenta de este enorme y valioso bagaje que León comparte con sus compañeros fundadores de la mítica "Hablemos de cine".

La amplia información así como los datos puntuales que nos ofrecen estas crónicas no son sin embargo lo más valioso, que desde ya lo es, de Imitación de la vida. Pienso que el conjunto de estas reseñas se constituye en un texto que informa no solo sobre las películas en sí mismas y su valoración crítica sino también de una postura crítica, una manera de mirar y de juzgar el cine. En este sentido, Isaac León, como crítico, es un “autor” en tanto que expresa, a partir de sus comentarios, de la manera de organizar el libro, de sus criterios de selección, una “poética” personal que da cuenta de su relación con el cine y de una coherencia a carta cabal.

Escritas a lo largo de una década, semana a semana, en medio de la vida diaria y de la caprichosa selección de los programadores de la televisión de señal abierta, estas crónicas revelan un punto de vista sólido y coherente a partir de unos principios estéticos e ideológicos que dan cuenta de una postura crítica afirmada en el amor por el cine, la cinefilia, la reflexión y el estudio.

Leyendo "Imitación de la vida", es imposible no pensar en las muchas declaraciones de Mario Vargas LLosa sobre la pasión por la literatura: “La relación con la literatura es una relación de tipo pasional, igual a la que se tiene con una mujer, una relación excluyente, algo enloquecedora y ambiciosa”, o la sugerente analogía con la solitaria: “Decidir ser fiel a la vocación literaria es como tragarse una solitaria. Una vez instalada en el organismo se consubstancia con él, se alimenta de él, y es dificilísimo expulsarla de ese cuerpo”. Las crónicas de "Imitación de la vida" revelan ese amor por el cine, obsesivo y excluyente; ese amor que exige una entrega absoluta y al que Isaac León le ha sido y seguirá siendo absolutamente fiel.

Giovanna Pollarolo