Pedido al Centro Cultural de la PUCP: estreno de Misterios de Lisboa

Ayer se pasó una obra maestra absoluta, "Misterios de Lisboa", de Raúl Ruiz, en un horario muy difícil, a las nueve de la mañana. La película, de más de cuatro horas de duración, es una suma de la obra de su director y una reflexión sobre la vida como representación, como construccion, como gran juego de roles intercambiables. Pelicula testamentaria y apasionante, es clasica y experimental a la vez. Lo mejor no solo del Festival sino del cine visto en el país en mucho tiempo.

El mejor homenaje a Ruiz  del Festival de Cine de Lima debería ser estrenar esta pelicula. Mantenerla en la programación del Centro Cultural aunque sea por una semana.

Ricardo Bedoya

Festival de cine de Lima: dos descubrimientos, Los últimos cristeros y Los salvajes



Los salvajes

 Lo más estimulante ocurre cuando películas de las que no se tienen mayores referencias descubren mundos personales, estilos vigorosos y tratamientos apasionantes. Es decir, revelan directores de gran nivel.

Eso ocurrió no una, sino dos veces ayer. "Los últimos cristeros", de Matías Meyer, y "Los salvajes", de Alejandro Fadel, son, qué duda cabe, dos de las mejores películas latinoamericanas de los últimos años y, por coincidencia, tienen algunos puntos en común.

Ambas siguen a un grupo de personas en un viaje difícil, condenado, que los enfrenta a la naturaleza agreste y a una autoridad o un poder que los acosa o los persigue. Ambas tienen al western como inspiración y modelo. Ambas alternan la tensión por lo que ocurrirá y el lirismo que los reconcilia, aunque sea por un momento, con el lugar y la circunstancia que están viviendo. Ambas muestran a personajes obstinados en sus convicciones y su adhesión a la violencia, pero modelados en cierta rústica inocencia. Ambas son un tránsito hacia las zonas más primitivas de una sociedad que ha convertido a los cristeros en réprobos y a los adolescentes en "salvajes".

Las diferencias entre Meyer y Fadel radican en el tratamiento fílmico. "Los últimos cristeros" se apega al registro antropológico, a la observación de rostros, de lugares y de hechos con extrema austeridad. Nos deja escuchar canciones de la época y trabaja con maestría el fuera de campo. Es una película apegada a la tierra y a los lugares. Esos cristeros esperan el fin con la serena y escueta sensualidad de sus cuerpos al sol, luego de un baño al aire libre.

Fadel, en cambio, apuesta por la fábula y el simbolismo. Trabaja los espacios con formidable amplitud y los rostros cercanos de los personajes, filmados en toda su aspereza y en gran pantalla panorámica,  dan cuenta de su desesperación de perdedores. "Los salvajes" es nocturna, exasperada, nihilista, radical.

Ricardo Bedoya              

Festival de cine de Lima: Post Tenebras Lux

Algunos apuntes sobre “Post Tenebras Lux”


“Post Tenebras Lux” (2012) del realizador mexicano Carlos Reygadas es su película más extraña, y aparenta cierto hermetismo. Por ello, exige más de un visionado y lo que recojo en este texto son algunas impresiones iniciales.

El inicio de la película es hechizante. Una niña camina entre el lodo, rodeada por perros y caballos. La cinta nos absorbe en su mundo encantado, que se siente vivo por las palabras entrecortadas y melodiosas de la pequeña, que pregunta por su madre mientras se acerca a aquellos animales. Sus pisadas de tierra mojada, y los ruidos de los animales, adquieren una armonía sonora y mágica.

Hay, por eso, una sensibilidad zen en muchas de las imágenes que recorren el largometraje. Nos recuerda aquello que el budismo denomina como la doctrina de lo “Nonato”: dejarnos conducir por hechos de la experiencia cotidiana, escuchando el cantar de un pájaro o contemplando cómo brota una flor. La película de Reygadas desde el inicio nos invita a regresar a los placeres humanos más primarios, como volver a sentir, sorprendidos, el mundo desde el vientre de la madre, sin que la razón interceda.

Ello explica también la aparición posterior de un demonio rojo, sin mayores relieves visuales, al interior de una casa, y que solo puede ser percibido por niños. La cinta nos pide colocarnos en eso que Jean-Louis Baudry denominaba “regresión artificial”: aquel estado del espectador de cine que activa en él un deseo inconsciente de regresar a una etapa del desarrollo psíquico anterior a la formación del ego, en la que el divisionismo “yo/otro” o “interno/externo” aún no ha sido lo suficientemente estructurado. “Post Tenebras Lux”, en ese sentido, solicita, más que explicaciones, que nos dejemos atrapar por sus imágenes, que muestran la naturaleza como un bosque brumoso, que parece extraído de alguna fantasía mítica.

LO SIMBÓLICO/LO SEMIÓTICO

Julia Kristeva señaló en “La revolución del lenguaje poético” que el proceso de significación oscila entre “lo simbólico” y “lo semiótico”. Mientras que “lo simbólico” es la dimensión del lenguaje, del sentido; “lo semiótico”, para la intelectual búlgara, se asocia con lo que no significa, con el sinsentido, pero sobre todo con lo materno, con una etapa en la que el recién nacido se siente fusionado con el cuerpo de su madre y no capta divisiones entre lo masculino y lo femenino.

En “Post tenebras lux”, “lo simbólico” está próximo a lo masculino o patriarcal. Ello se refleja en personajes como Juan, el esposo que a pesar de estar en una relación de pareja disfuncional, cree que ésta debe mantenerse en nombre de los hijos y la institución familiar; en el hombre que hirió a Juan con el disparo de su pistola, y busca quitarle la vida a éste para que no lo señale como autor de dicho crimen; o en los jóvenes que juegan Rugby y pretenden ganar la partida. El terreno de “lo simbólico” es el de la estrategia, la lógica, la razón.

A diferencia, “lo semiótico” se acerca a lo femenino o matrístico, representado de forma acuosa, como si los personajes femeninos o infantiles jugaran con un líquido amniótico: la niña que camina sobre la tierra húmeda mientras pronuncia mamá, o la mujer que acude al sauna.

En la extraordinaria secuencia del sauna, dicho personaje, llamado Natalia, parece estar sumergido en un trance onírico. Deambula apenas tapada con una toalla, a través de salas con cuerpos jóvenes y envejecidos, esbeltos y deformes. Aparecen como anatomías de mirada gélida y postura quieta, como en una fotografía de Helmut Newton, ubicadas en espacios con nombres de artistas o filósofos (Duchamp, Hegel). De pronto, la mujer es elegida por dos hombres para ser fornicada. Se echa y apoya su cabeza sobre la pierna de una señora vieja y de senos robustos, mientras un hombre, casi en silencio, la penetra. Aquella mujer de edad avanzada le habla maternalmente a Natalia, le dice que ha sido elegida para el encuentro sexual por la juventud y belleza de su cuerpo. El erotismo de este fragmento de la película, por su aire surreal, su sensualidad animal, su clima enrarecido, nos conduce también hacia “lo semiótico”: la humedad que recorre el cuerpo de Natalia mientras es cogida, con su cabeza próxima al seno de la fémina madura, casi en posición lactante.

El personaje de Natalia aparece en otra formidable escena: en la que interpreta la canción “It’s a dream” de Neil Young en un piano y con una voz melancólica y funeral. “Post Tenebras Lux” nos coloca cerca de la emoción matrística de “lo semiótico” y nos aleja de la insensibilidad patriarcal de “lo simbólico” (palpable, por ejemplo, en la salvaje golpiza que Juan, su esposo, le da a un can en una de las primeras escenas de la película).

EL CAMINO ZEN

Por ello, tanto Juan como el hombre que le disparó, dos emblemas de “lo simbólico” en la película, “mueren” abrazando “lo semiótico”. El primero, en la última escena en que aparece, dice que despertó amando todo: los ruidos a su alrededor, la música que escucha en los exteriores de su casa o el resplandor al nacer el día. Su ingreso a “lo semiótico” se manifiesta apreciando el mundo de una forma “zen”. El segundo personaje, al igual que Juan, deja a su esposa con sus hijos una vez que sabe que no necesitará arrebatarle la vida a quien baleó. En una zona de pasto y alejada, se arranca la cabeza. Aquello representa la muerte de la razón, mientras su cuerpo es mojado por otra figura líquida y por lo tanto (en el sentido que ya se ha explicado) matrística: la lluvia.

El Zen, precisamente, busca que el ser humano se libere de las irrupciones intelectuales conscientes, para alejarse así de emociones perturbadoras. La muerte “simbólica” de aquel hombre, desprendiéndose de su cabeza, recuerda un verso de Bunan, maestro zen del siglo XVII, que dice: “Mientras vivas sé un hombre muerto”.

“Post tenebras lux” termina con una secuencia que muestra nuevamente a los jóvenes del partido de Rugby. De esta forma, se revela la permanencia de “lo simbólico” en el mundo de la película, lo que queda como una clausura abrupta, tosca, poco convincente. La cinta se fue hilvanando de tal manera que nos hacía presagiar el clímax de “lo semiótico”.

José Carlos Cabrejo

Conversando con Carlos Reygadas

"Post tenebras lux" ha causado desconcierto y provocado polémica. Este sábado, a las 9 de la noche, conversamos con su director, Carlos Reygadas, que explica con amplitud detalles de su película. En "El placer de los ojos", por TVPerú.

Ricardo Bedoya

Post tenebras...pop corn

El domingo en la función de "Post tenebras lux"' en el Cineplanet Alcazar 6, los baldes de canchita, las gaseosas y otros, seguían siendo entregados cuando la pelicula ya había empezado.

Esa práctica común en la cadena Cineplanet, que convierte la sala en una feria, debe cambiar.

Si quieren vender dentro de la sala, que lo hagan, pero apagada la luz deben retirarse todos los vendedores y no debe entregarse ni un vuelto.

Ricardo Bedoya

Festival de cine de Lima: Los últimos cangaceiros

"Los últimos cangaceiros" retrata a una pareja de ancianos que participaron en la mítica banda de cangaceiros de Lampiao y Maria Bonita en el Serton brasileño de los años treinta. El testimonio de la pareja casi centenaria se alterna con extraordinarias imágenes de archivo de los bandoleros de hace casi ochenta años. Los asesinos y antisociales de entonces son ahora héroes de la cultura popular, que los celebra y los ha mitificado en decenas de películas, telenovelas, canciones y demás.

"Los ultimos cangaceiros" es atractiva al poner en primer plano algunas contradicciones: ese entrañable anciano que recibe homenajes y congratulaciones fue un feroz asesino, un sicario que degolló, castró y mutiló sin arrepentirse de sus crímenes. Pero el tiempo, la necesidad de construir leyendas populares y los afanes legendarios de la imaginación nacional lo han transformado todo. La película registra la exaltación del viejo bandido por sus antiguos enemigos, los policías, pero da cuenta de sus crímenes por boca de un estudioso que enumera los "trabajos sucios" que acometio.

Entre el júbilo por el hallazgo de personajes tan ricos y aprovechables por el cine y la necesidad de captar cada encuentro con viejos camaradas (la mejor secuencia de la pelicula es el reencuentro de las dos ancianas que se tocan los cuerpos y evocan sus bellezas idas) la pelicula olvida por ratos ubicarnos mejor en los tiempos, circunstancias y lugares donde actuaron los fieros cangaceiros. De todas formas, es el mejor documental en lo que va de la competencia.

Ricardo Bedoya

Festival de cine de Lima: El campo, de Hernán Belón

"El campo" es una película extraña, desconcertante, llena de pistas genéricas que se van descartando en el camino. Empieza como una película familiar, acaso un drama de pareja joven con niña a la que algo ocurrirá durante el viaje a su flamante casa de campo. Pero al instalarse en el lugar las claves se alteran y las expectativas se invierten. Aparecen indicios de un asunto pasional y, sobre todo, datos que indican que algo sobrenatural se está cocinando en ese lugar.

La sombra de "El resplandor" parece proyectarse sobre Dolores Fonzi, que luce un comportamiento agresivo, como poseída por algún espíritu maligno de la casa. Pero no sigo porque no vale la pena revelar más de la historia. Belón se descubre como un narrador hábil, un magnífico director de actores, un creador de atmósferas extrañas y, por ratos, inquietantes, y un técnico seguro. Logra dar cuenta del desequilibrio de la mujer a fuerza de mostrar su rostro desorbitado mirando hacia el fuera de campo, ese lugar invisible donde ocurre lo amenazador. Es decir, la crisis personal, el malestar más íntimo.

Ricardo Bedoya

Festival de cine de Lima: La sirga

“La sirga”, primera película de William Vega, es sin duda, una de las mejores películas del Festival.


Concentrada, sugestiva, precisa y hasta límpida en su puesta en escena. Una joven desplazada por la violencia llega, buscando refugio, al hostal de su tío, ubicado en una zona rural de Colombia al borde de un lago. El paisaje es agreste. La muchacha recibe la acogida esperada pero ella trae a cambio una tensión en sordina. La mujer reconstruye el lugar y los hombres del lugar la miran.

Esas acciones son detonantes. En el pequeño mundo de la sirga se reproduce la violencia que ha incendiado el poblado de la joven y que conmociona el país. Pero ella nos llega filtrada a través de sonidos que llegan desde más allá del campo visual, o confundida con un erotismo que se disfraza de dolores físicos o malestares corporales aliviados con una frotación, o con la agresividad de las miradas cruzadas ante la rutina del desvestirse de la muchacha. O aparece en la naturaleza, en el barro, con los gusanos sobre el pie enfangado. Es como si la violencia lo abarcara todo y tuviera una presencia invasiva, total.

“La sirga” descubre, poco a poco, un mundo de instintos primarios y pulsiones elementales que remiten al primer Kim Ki-duk, el de “La isla”, y conforma avanza la proyección es imposible dejar de pensar en “La joven”, de Buñuel.

Ricardo Bedoya

Festival de cine de Lima: Marker 72 y Un retrato de Diego

En el Espacio Filmoteca, la Filmoteca de la PUCP presenta tres documentales. He visto dos de ellos y son muy interesantes, sobre todo por el material informativo que descubren más que por su tratamiento cinematográfico, que resulta más bien convencional.


“Marker 72” narra las circunstancias de la visita del cineasta Chris Marker a Chile durante el primer semestre de 1972, en pleno gobierno de la Unidad Popular, cuando los días aún eran esperanzados. Marker llega “colado” con el equipo de Costa Gavras que se apresta a filmar “Estado de sitio”. Quiere ver el país y conocer la situación política en directo. Años antes se había vinculado con Chile de modo oblicuo, escribiendo el texto de “Valparaiso”, de Joris Ivens, un documental de acentos resnaisianos.

La película muestra el clima del Chile de la época y los testigos narran la furtiva presencia de Marker, ese hombre alto, flaco, esquivo, de apariencia extraña. Marker no se dejaba entrevistar ni fotografiar y no asistía a festivales o actos públicos. Era un solitario y así lo recuerdan los que lo conocieron en el Santiago militante de entonces.

Se suceden los testimonios, todos fragmentarios, inseguros, borrosos. Como si Marker hubiera sido un fantasma o una aparición. Hay un lado “Rashomon” en ese cúmulo de manifestaciones que van construyendo un recuerdo que es evanescente para todos. Hablan, entre otros, José “Pepe” Román, gran cinéfilo; Pedro Chaskel y Patricio Guzmán, que ancla el testimonio porque él sí trató, trabajó y recibió ayuda y colaboración de Marker.

La otra película que presenta Espacio Filmoteca es "Un retrato de Diego", de Gabriel Figueroa y Diego López Rivera. Los realizadores son el hijo del fotógrafo mexicano Gabriel Figueroa y el nieto del pintor Diego Rivera, respectivamente. La película se construye en torno del descubrimiento de un cortometraje filmado por el fotógrafo Manuel Álvarez Bravo que muestra a Diego Rivera preparando y haciendo esbozos para su obra. Es el testimonio de un pintor haciendo su trabajo. Rivera posa y dirige al gran fotógrafo Álvarez Bravo, su amigo cercano.

Pero las imágenes del corto hallado son el pretexto para hacer una incursión en el análisis de los estilos visuales de los artistas involucrados en el proyecto: Rivera, Álvarez, Figueroa. Es decir, tres maestros que dan cuenta de un México que, a fines de los años cuarenta, ve el paso de la exaltación nacionalista a la modernidad, del muralismo exaltado a las tendencias artísticas que lo cuestionan, del agrarismo idealizado a la preocupación por los asuntos de las ciudades que se desbordan. José Luis Cuevas, Carlos Monsiváis, entre otros, van interviniendo y anotando los rasgos estilísticos y sus transformaciones. Monsiváis tiene un par de comentarios brillantes sobre una secuencia de “Río escondido” y sobre el estilo fotográfico de Gabriel Figueroa en “Los olvidados” de Buñuel. Esos comentarios de Monsiváis-y una escena en la que vemos a Rivera pintando a Dolores del Río, que posa con gesto de diva- valen toda la película.

Ricardo Bedoya

Festival de cine de Lima: Danzantes de tijeras restaurada

La Filmoteca de la PUCP anuncia la restauración del corto "Danzantes de tijeras". Se proyectará dentro del homenaje a Jorge Vignati. Sobre este corto, en el libro "100 años de cine en el Perú. Una historia crítica", escribí lo siguiente:

" (...) Jorge Vignati, participó en el frustrado proyecto de Manuel Chambi de rodar un filme adaptado de "La agonía de Rasu Ñiti'', el notable relato de José María Arguedas. Un día, observando los ensayos de los grupos de danzantes de tijeras ayacuchanos qué participaban en la cinta, decidió que podía convertir el vistoso baile que practicaban en asunto de un cortometraje. Tomó en préstamo un rollo de película y filmó la danza --que es una competencia entre dos danzantes que van trazando una coreografía de pasos y gestos, mientras suena la música acompañada por el sonido metálico del golpe de las tijeras que llevan en las manos los contrincantes - en un plano secuencia concebido como un cerco trazado por la cámara en tono a los danzarines, gracias a un ininterrumpido movimiento circular que constreñía el espacio y a los ejecutantes de la danza.


Ejemplar en su concepción e impecable en su ejecución - un nítido y fluido trabajo de cámara en mano -, Danzantes de tijeras (1974) llamaba la atención a la vez sobre la virtualidad ritual de la danza y sobre la coherencia y economía del procedimiento casi geométrico empleado para mostrarla. COPROCI dictaminó que la película era enojosa y aburrida y que le hacía falta un nuevo montaje, una estructura más tradicional o la inclusión en la banda sonora de un texto explicativo sobre los orígenes o sentido de esta tradicional danza de las tijeras. Una agria y lamentable disputa sobre la autoría del filme, que filmó Vignati pero pretendió reivindicar Chambi, completó la mala fortuna del corto, considerado por muchos como uno de los más logrados de entre los que se han hecho en el Perú."

Ricardo Bedoya

Festival de cine de Lima: Yo recibiría las peores noticias de sus lindos labios, de Beto Brant y Renato Ciasca

“Yo recibiría las peores noticias de sus lindos labios”, de Beto Brant y Renato Ciasca, es un cóctel indigesto de relamido erotismo, paisajismo exótico, “brazil for export", encuadres flotantes, remilgados y compuestos sin ton ni son y una historia pasional impuesta con calzador. ¿Qué hace una película así en la competencia de ficción?    

Ricardo Bedoya   

El caballero de la noche asciende

“El caballero de la noche asciende” es una película atractiva, pero decepcionante. Tiene el nivel de la primera, “Batman inicia”, pero está por debajo de “El caballero de la noche”, la más lograda de las tres. A pesar de eso, el capítulo de cierre mantiene el tono, clima y espíritu de las precedentes. Es más, vistas en conjunto, se las puede ligar en un ciclo, el de la historia de Ciudad Gótica y sus grandes y pequeños dramas sociales. En ese contexto, aparece el héroe, se enfrenta a sus antagonistas -que son también los enemigos de la ciudad-, sobrevienen las crisis, se producen las sanciones y reparaciones y todo se cierra con un reajuste. Es decir, la saga remite a los episodios de ruptura, crisis, acción reparativa y reintegración que, según Turner y Schechner, articulan los procesos sociales y los dramas escénicos.


“Batman inicia” es la película de la ruptura, la que marca el trauma de Bruce Wayne y señala el principio de la crisis de la ciudad y la del personaje. Gótica podrá ser centro de la más desafiante modernidad pero está sometida al poder de lo primario, de lo que viene de abajo y de adentro: una delincuencia que desafía a las instituciones. El personaje de Batman se modela respondiendo a llamados contradictorios, los de la legalidad y el exterminio mondo y lirondo. Su estatuto como vigilante es ambiguo y lo pone en cuestión ante sí mismo. ¿Su figura encarna el orden o lo excede?

“El caballero de la noche” somete a Gótica a una amenaza mayor: la del caos. La ciudad debe enfrentar a un ser irracional, el formidable Joker de Heath Ledger, un villano de la era “post”: síntetiza a los asesinos gratuitos, los aristócratas del crimen, los genios perversos del mal que ha dado el cine. A aquellos que matan por placer, refinamiento y con hedonismo ritual. La amenaza que se cierne sobre Ciudad Gótica se agrava cuando el irreprochable fiscal Harvey Dent se trasforma en Dos Caras. Hasta la representación de la ley y el orden se contamina. El segundo episodio es, por eso, el de la acción reparativa o del reajuste.

¿Qué se reordena frente al impulso extraordinario de Guasón? Pues el papel del mismo Batman, sacrificado en aras del sistema y de sus representantes. El crimen de Harvey Dent queda oculto. La acción reparativa es la que mantiene el estatus y se imprime la leyenda del fiscal incorruptible, el dador de la ley: la verdad oficial impuesta en desmedro de la verdad a secas.

Con “El caballero de la noche asciende” llega la reintegración. Bane, el villano de voz inquietante, quiebra la falsa paz de Gótica, sustentada en una mentira. Bruce Wayne, luego de varios años de retiro, se ha convertido en una suerte de recluso Howard Hughes. Enfrentarse con Bane, arrebatado psicópata con ínfulas de indignado revolucionario, es un deber cívico para el heredero Wayne. Recuperada la forma física, el enmascarado, más que nunca, encuentra la razón para defender el orden, restaurar su imagen mancillada y, por qué no, acuñar la marca que transferirá a un tercero.

Porque de eso trata la serie de películas del caballero de la noche: de la administración de un patrimonio. La saga de los Wayne es la historia de una trasmisión hereditaria y de sus tropiezos. Es el tránsito de la fortuna del patriarca, su administración y su entrega final. En “Batman inicia”, Bruce debe decidir si asume el legado dinerario y cívico del magnate Thomas Wayne, su padre, o los consejos de Ra’s al Ghoul, amo de la Liga de las Sombras, que enfrenta al crimen por la vía expeditiva del exterminio, como ejercicio de la venganza. Luego de algunas peripecias, Bruce-Batman asume la ley del padre biológico, acepta su legado ético y económico, emprende el camino del héroe enmascarado y se convierte en la gárgola que espanta a los enemigos de Ciudad Gótica.

En “El caballero de la noche”, el héroe se encuentra en el umbral. Duda de su estatus y su condición. No forma parte del sistema, pero tampoco está enfrentado a él. En todo caso, es una figura vigilante o un garante de la seguridad de Gótica. Usa el poder y patrimonio legados para acomodar y arbitrar asuntos institucionales, enfrentando a policías y autoridades corruptas. Algunos representantes del sistema confían en él, como el fiscal Dent, pero otros no. En la trama, libra un conflicto que lo enfrenta ya no ante dos figuras mayores de autoridad, sino a dos contemporáneos. Pese a su éxito, termina convertido en chivo expiatorio.

En “El caballero de la noche asciende” el millonario remeda a Hughes –ya lo dijimos- pero sale del marasmo cuando una atrevida ladrona le hinca en lo más íntimo del Edipo: le roba el collar de perlas que le dejó mamá. Lo que sigue, más allá de los golpes y luchas con Bane, es el esfuerzo desesperado por defender un patrimonio que las fuerzas oscuras atacan en el corazón mismo de la City. Patrimonio que legitima todo: la reivindicación del nombre, la restauración de la leyenda, el establecimiento de un vínculo de filiación (el huérfano beneficiado con las donaciones de la Fundación será el que continúe la “tradición”) y el establecimiento del verdadero sustento de la legitimidad social. Después de todo, las masas insatisfechas podrán tener alguna razón en su protesta, pero sus líderes no son más que peligrosos psicópatas que cabalgan sobre la bomba atómica como Slim Pickens en “Doctor Insólito”. Como alguien ha dicho: “las revoluciones son buenas, pero los revolucionarios siempre son malos”. No queda otra, entonces, que el salvador del orden amenazado sea el mismo que logra restaurar su patrimonio y su imagen.

A propósito de la ladrona. Lástima que Nolan carezca de humor y desaproveche al personaje de Anne Hathaway, que se ofrece maliciosa y chispeante, lista para un desarrollo mayor, pero eso no ocurre. El concepto de Gatúbela parece extraído de una comedia sofisticada del Hollywood clásico, lista para emprender un juego peligroso de sexo y latrocinio, pero resuelto a punta de guiños y malentendidos. Guapa, desafiante, dispuesta para golpear donde más duele. Solo cabe imaginar lo que Blake Edwards hubiera hecha con un personaje así. Nolan se limita a mostrarla haciendo piruetas con su artilugio motorizado y siendo Anne Hathaway, lo que no es poca cosa y se agradece, pero nada más.

Algo similar ocurre con Bane. Su voz impresiona y es inquietante, pero es un personaje de una pieza. Estólido, monolítico, ajeno al carisma perverso del Guasón. Resopla durante dos horas y media para salir de escena de modo indecoroso, de un solo plumazo y gracias a un efecto de guión que parece un truco de ilusionismo para sacar de la manga a una villana que parecía inocua y que en verdad es perfectamente anodina hasta el final.

Es curioso lo que ocurre con esta película que resuelve a trompicones las situaciones álgidas y se detiene hasta la morosidad en lo obvio, como el rollo sobre los miedos íntimos y el dominio del propio yo que se echan en la prisión antes de los saltos salvadores. Ahí le sale a Nolan la entonación grave y la solemnidad que estaban contenidas en la primera hora de proyección, más bien pletórica de acción y secuencias fuertes y notables, como la del avión.

Lo mejor de la película: Hathaway (no Gatúbela) y el inmenso Michael Caine. Tal vez también Tom Hardy, pero la máscara lo oculta.

Ricardo Bedoya

Festival de cine de Lima: Abrir puertas y ventanas, de Milagros Mumenthaler

Todo en “Abrir puertas y ventanas” hace alusión a su título. Es decir, juega a la sutil dialéctica de lo cerrado y lo abierto, lo clausurado y lo que se renueva, lo estanco y lo que se despereza y vuelve a moverse. A lo que parece fijo pero se abre, repentinamente, al cambio imprevisto, a una ausencia que no se espera y que altera todos los planes, a una sospecha insidiosa, a las discrepancias soterradas que salen a flote en la relación consolidada de tres hermanas que viven en la casa de la abuela recién muerta.


La película se construye laboriosamente como un “huis clos” que jamás es crispado, ni agresivo. La casa de la abuela, siendo un ambiente luminoso, encierra a las protagonistas, les impone rutinas y un sentimiento de duelo. Los objetos, desde la cama vibradora hasta el corsé, adquieren la calidad de rastros de un pasado que, poco a poco, y no sin conflictos, se va a adaptar al imaginario de las muchachas que imponen sus reglas de vida y su deseo. Y lo hacen en silencio, con una lasitud y una sensualidad que se imprime como la atmósfera dominante de la película.

Los espacios de la casa cumplen un papel semejante al del mobiliario: primero son recorridos y habitados por las muchachas y luego se convierten en sitios de confrontación de las diferencias personales. El transcurso narrativo de la película corresponde al de la transformación de un espacio físico. La escenografía se torna distinta y todo sucede entre dos melodías y dos estados de ánimo.

Las personalidades de las hermanas las distinguen. Marina es hacendosa y preocupada por la disciplina y la cohesión del grupo. Es también obsesiva y posesiva. Sofía es rebelde, se enfrenta al pasado, duda de la filiación legítima de Marina y guarda una faceta oscura. Violeta, la menor, es la más sensual y sentimental. Quiere ser compositora. Esas diferencias se atenúan pero a la vez se evidencian en sus rostros y sus gestos en la formidable escena que las muestra escuchando un disco. Episodio que va encontrar un eco notable en la secuencia final.

Dos elementos recorren la película. Uno: el erotismo natural de los gestos y poses relajadas de Violeta, pero también de las otras dos hermanas que van descubriendo su cuerpo al contacto de las viejas prendas y los ambientes de la casa de la abuela. El otro: la referencia a los temas de la orfandad, la ilegitimidad, la filiación incierta, los padres de los que no se habla, recurrentes en el cine argentino desde mediados de los años ochenta.

Ricardo Bedoya

Festival de cine de Lima: Historias que solo existen cuando son recordadas, de Julia Murat

En un pequeño poblado del campo brasileño, sus habitantes “han olvidado morir”, según dice uno de ellos. O acaso no mueren porque el cementerio está cerrado. Aislados, envejecidos, silenciosos, viven sus rutinas inalterables iluminados por lámparas. Su vida social se limita a la asistencia a la iglesia porque a ese lugar ya ni los trenes llegan.


Todo ahí tiene un aire fantasmal, de ultratumba. La directora, Julia Murat, filma los interiores nocturnos con la luz focalizada en los rostros de los personajes que se mueven en la oscuridad absoluta. El claroscuro remite a la tradición del fantástico clásico –la bella foto de Nick Musuraca para los filmes de la R.K.O.- o a los contrastes de John Alton, con sus luces contrapicadas. Murat logra un estilizado trabajo de color que luce, por momentos, la distinción del blanco y negro.

Un día, a ese pueblo llega Rita, una joven fotógrafa, que planea estar tres días allí. Se aloja en la casa de una vieja pareja. Es el hogar de la anciana que hace los panes. La mujer descubre la cámara de Rita y la ve tomar fotos. Una técnica que la anciana asocia con la muerte (un hijo suyo murió posando para una foto) pero que, paradójicamente, resulta vivificante y para toda la comunidad.

Entre Rita y los habitantes del pueblo se pacta un contrato tácito, suscrito con la mediación de la fotografía. Las imágenes van a abrir el imaginario y el recuerdo de la anciana anfitriona, pero también la memoria de los pobladores del lugar, modelos oficiosos, que empiezan a elaborar esas historias que existen al ser recordadas: la novia que terminó siendo cuñada; el matrimonio con el italiano; la muerte del hijo, entre otras.

También se convierte en historia –ancestral historia- la elaboración de la masa del pan, una de las mejores secuencias de la película. Escena de intercambio y entrega de una tradición. “Tú me das las imágenes –es decir, transformas mi manera de ver el entorno y lo cotidiano y me enseñas su belleza- y yo te doy el secreto de mi arte del pan”, bien le puede decir la vieja a Rita.

Es la primera y prometedora película de la realizadora Julia Murat, hija de Lucía Murat, de la que veremos el documental “Un largo viaje”, en la competencia respectiva. Hay en “Historias que solo existen cuando son recordadas” un costado documental que roza lo etnográfico, pero que está trasformado por la capacidad de la realizadora para adentrarse en los terrenos del cuento de estirpe intemporal y repercusiones fantásticas.

Ricardo Bedoya

Festival de cine de Lima. Elefante blanco, de Pablo Trapero

Empezamos a comentar algunas de las películas que se verán en el 16 Festival de Lima.  "Elefante blanco", de Pablo Trapero, es una de las mejores de la competencia de ficción.

De una selva se pasa a otra de modo brusco y cortante. Una es la jungla amazónica; la otra, es la jungla urbana, en un barrio marginal de Buenos Aires. En ambos lugares campea la violencia. Y en ambos está el cura belga Nicolás (notable Jérémie Renier), llegado a la Argentina para asistir a su colega Julián (Ricardo Darín), “cura villero” que asiste una parroquia asentada en los alrededores de un “elefante blanco”, la carcasa de un hospital inmenso y abandonado, centro neurálgico de un barrio asolado por la delincuencia y el tráfico de drogas, y símbolo de un Estado negligente y ausente.


Lo que interesa aquí es alternar, sin pausa, los mundos de lo privado y de lo social. Por un lado, el trabajo de los curas comprometidos con las penurias de la gente del lugar; por el otro, los conflictos que estallan en la intimidad. Darín y Renier están insuperables en la expresión de esos sentimientos provocados por lo que la situación les pone al frente como trabas o tentaciones. Por una vez, un actor, Renier, está mejor que Darín. Tal vez porque su personaje es menos esquemático. La culpa del cura joven, su pasión reprimida (aun cuando las escenas amorosas con Martina Gusmán sean previsibles y poco inspiradas) y su silenciosa auto punición resultan más persuasivas que la mirada hagiográfica que se reserva para el cura Julián, casi un mártir.

Pero las fragilidades del guión, o las intenciones didacticas que a veces se asoman, son  superadas por la capacidad narrativa y el oficio cinematográfico de Trapero. El suyo, es un cine de pura garra. La secuencia de la incursión de Nicolás en la guarida del capo narcotraficante para rescatar el cadáver, es notable.

Y es que Pablo Trapero es un realizador de nervio y filma con una cámara inquieta que aprovecha cada recodo de la escenografía. Y se pega a los actores. Los sigue en planos secuencias prolongados y en movimiento; los observa en sus sobresaltos y estallidos; los acosa en los planos cercanos; inscribe sus cuerpos, presencias y gestos en los espacios más amplios y desbordados de ese barrio caótico y peligroso, de ambientes abiertos pero, a la vez, de callejuelas estrechas donde puede estallar una balacera en cualquier momento. De esa precariedad da cuenta el tratamiento de la película, su montaje seco, sus diálogos que se encabalgan de una escena a la siguiente, su foto de colores en matices netos.

Ricardo Bedoya

Kim Novak y Scorsese hablan sobre Vértigo

Lo tienen aqui

Chris Marker sobre Vértigo

El recientemente fallecido Chris Marker tenía a Vértigo como un filme de cabecera. Lo citó más de una vez en sus películas, hizo un ensayo filmado sobre él y escribió este ensayo brillante. Lo tienen aquí

El triunfo del aburrimiento y la basura fílmica

Lean este articulo sobre las mejores de la encuesta de Sight and Sound. Muy divertido.

Vértigo, la mejor de la historia

El British Film Institute y la revista Sight and Sound dieron a conocer, hoy, el resultado de su encuesta sobre las mejores películas de la historia del cine.

"Vértigo", de Alfred Hitchcock, resultó ganadora, desplazando a "Ciudadano Kane" al segundo lugar de las preferencias.

El tercer lugar lo ocupa "Historia de Tokio", de Yazujiro Ozu. Le sigue "La regla del juego" de Jean Renoir en el cuarto lugar.

Más información, aquí.

Festival de Lima: El último Elvis

Este dato es importante. El Festival de Lima ha anunciado que la argentina "El último Elvis" se pasará en reemplazo de "Clean", de Olivier Assayas. Va en las salas y funciones en las que aparece programada la película de Assayas. 

Memory Lane

Corre el riesgo de pasar desapercibida y de ser oscurecida por la sombra del murciélago que truena y asciende.

Está en la sala de arte de Larcomar y prolonga el Festival de Cine Francés, aunque sin publicidad alguna.

"Memory Lane", de Mikhaël Hers, es una película pequeña, frágil y apreciable. Un gupo de amigos se reune en Hauts de Seine. Pasan ahí los días del verano. Algunos retornan; otros llevan ahí màs tiempo. Son jóvenes, pero no tanto. Están como suspendidos en el tiempo, con sus rutinas postergadas y pasando esos días de calor y modorra. Conversan, deambulan, cantan, atan pequeñas relaciones. La película se contagia de ese relajamiento y acompaña a sus personajes en sus trayectorias más bien erráticas. La pasan bien, pero nunca tan bien. Siempre se asoma la sombra de algo penoso, inminente, inevitable. La enfermedad del padre ensombrece las vacaciones de las dos hermanas. La violencia de un robo frustrado rompe el reposo de una librería. Unos cabezas rapadas amenazan la armonía de una pareja que acaba de hacer el amor. Pero nada de eso aporta dramatismo o patetismo a la acción. Son toques, trazos, resueltos con la misma discreción que domina el tratamiento de toda la película. 

"Memory Lane" es episódica. Una escena sucede a otra y ninguna parece tener una resolución clara. Todas se ligan teniendo el elemento común de lo indeterminado. La precariedad es la regla. Y la melancolía también. Una melancolía que se acentúa en el tramo final de la película, con la evocación de lo que pasó ese verano.

Ricardo Bedoya       

Chris Marker (1921-2012)

La jetée

Sans soleil

Muere Chris Marker, el misterioso y solitario realizador francés, autor de películas formidables como "La jetée", "Sans soleil", "Le fond de l'air est rouge", "A.K.". Gran admirador de "Vértigo", la película de Hitchcock irriga y vitaliza una parte de su obra: "La jetée", por ejemplo (que Terry Gilliam usó como base para "12 monos") 

"Le Tombeau d'Alexandre", sobre el cineasta soviético Aleksandr Medvedkin, es una película extraordinaria y uno de los títulos clave del cine documental. "Un día en la vida de Andrei Arsenevich" no solo es un registro de los momentos finales de Andrei Tarkovski, sino también un ensayo sobre los grandes temas de su cine. El de Marker es un cine-ensayo.  

En el próximo Festival de Lima, dentro del Espacio Filmoteca, veremos un documental sobre su estadía en Chile, en 1972: "Marker 72".

Ricardo Bedoya

Gleiberman sobre James Holmes

Una lectura de la tragedia de Aurora, Colorado: aquí

¿Vértigo en la cúspide?

La próxima semana la revista "Sight and Sound" publicará el resultado de la encuesta que realiza cada diez años sobre las mejores películas de la historia del cine. El "canon" de Sight and Sound se publica desde 1952. Pueden revisar las películas ganadoras en cada una de las encuestas previas aquí.

La vecedora de 2002 fue "Citizen Kane". Rumores crecientes afirman que será destronada. ¿Qué título ocupará ese lugar? Eso es lo que no se sabe, pero todo indica que "Vértigo" -ya ubicada en una posición expectante en la encuesta de hace diez años- puede dar una sorpresa.

Miguel Marías  nos habla en este apasionante artículo sobre las múltiples puestas en escena de esa película infinita que es "Vértigo". 

Festival de Cine de Lima: las películas y algunos títulos destacados

El próximo viernes 3 de agosto se inicia el Festival de Cine de Lima.

La selección de películas es atractiva, aunque este año hay notorias ausencias: “No”, de Pablo Larraín; “Canciones”, de Eduardo Coutinho; “Fogo”, de Yulene Olaizola; “La noche de enfrente”, de Raúl Ruiz; “El último Elvis”, de Armando Bo, entre otras.

Aquí va la lista de películas programadas en las diferentes secciones. Las que aparecen marcadas con tres asteriscos (***) son películas de especial interés. Algunas de ellas se comentarán en posts sucesivos. Solo llamo la atención sobre las películas que he visto o que vienen precedidas por opiniones críticas favorables y confiables. Por cierto, hay otros títulos por descubrir y entre ellos puede encontrarse sorpresas.

Competencia oficial de ficción


ARGENTINA

*** El estudiante de Santiago Mitre.

*** Abrir puertas y ventanas de Milagros Mumenthaler

*** Elefante blanco de Pablo Trapero


BRASIL

Heleno de José Henrique Fonseca

*** Historias que solo existen cuando son recordadas de Julia Murat

Yo recibiría las peores noticias de sus lindos labios de Beto Brant y Renato Ciasca


CHILE

Joven y alocada

*** Violeta se fue a los cielos de Andrés Wood (esta biografía de Violeta Parra es más bien irregular, pero no deja de tener interés y la señalo por esa razón)

*** El año del tigre de Sebastián Lelio

*** Joven y alocada de Marialy Rivas


COLOMBIA

*** La Sirga de William Vega

***La playa DC de Juan Andrés Arango


ECUADOR

Pescador de Sebastián Cordero


MÉXICO

La cebra de Fernando J. León

*** Post tenebras lux de Carlos Reygadas


PERU

Cuchillos en el cielo de Alberto Chicho Durant

Casadentro de Joanna Lombardi

Chicama de Omar Forero

Cielo oscuro de Joel Calero

(Los cuatro títulos peruanos ofrecen un interés potencial. Hay dos primeras películas -Lombardi y Calero- y la esperada “Chicama”, del trujillano Omar Forero, director de “Los actores” y “El ordenador”)


URUGUAY

*** La demora de Rodrigo Pla

*** 3 de Pablo Stoll


Jurado de la competencia de ficción: Ana Katz, José Carlos Avellar, Angélica Aragón, Salvador del Solar y Fina Torres, presidenta del jurado


Competencia oficial documental

ARGENTINA

*** Escuela normal de Celina Murga

Confesiones de Gualberto Ferrari


BRASIL

*** Los últimos cangaceiros de Wolney Olivera

*** Un largo viaje de Lucía Murat


CHILE

El huaso de Carlos Guillermo Proto

*** Hija de María Paz González


COLOMBIA

Neonato de Juan Camilo Ramírez y Nicna Camargo


ECUADOR

Con mi corazón en Yambo de María Fernanda Restrepo


ESTADOS UNIDOS
Unfinished spaces de Alysa Nahmias y Benjamín Murray


MÉXICO

*** Cuates de Australia de Everardo Gonzales

Palabras mágicas de Mercedes Moncada


PERÚ

*** Cuéntame de Bia de Andrea Franco


Jurado de la competencia documental: Annouchka de Andrade, Tatiana Huezo, José Balado.


Jurado de la crítica internacional: Sergio Wolf, Juan José Beteta, Juan Carlos Arciniegas.




Sección La otra orilla



El payaso de Selton Mello

*** Ulises de Oscar Godoy

Zoológico de Rodrigo Marín

Habanastation de Ian Padrón

Fábula de Lester Hamlet

*** En el nombre de la hija de Tania Hermida

Mi universo en minúsculas de Hatuey Viveros

*** Los últimos cristeros de Matías Meyer

Alguien ha visto a Lupita de Gonzalo Justiniano

***Con nervios de toro de Nilo Inga

La culpa del cordero de Gabriel Drak


Galas

*** Los Marziano de Ana Katz

Paisajes devorados de Eliseo Subiela

***El gato desaparece de Carlos Sorín

***A música segundo Tom Jobim de Nelson Pereira Dos Santos y Dora Jobim

***Secretos de Valeria Sarmiento

***Evelyn de Isabel Ocampo

***Carriere, 250 metros de Juan Carlos Rulfo y Natalia Gil


Sección La vuelta al mundo en 8 días

***¡Viva las antípodas! de Victor Kossakosvky

Una loca y divertida boda de Stephan Elliot

03:34 Terremoto en Chile de Juan Pablo Ternicier

Gordo, calvo y bajito de Carlos Osuna

Sofía y el terco de Andrés Burgos

Juan de los muertos de Alejandro Brugues

***La voz dormida de Benito Zambrano

*** A Roma con amor de Woody Allen

*** Le Havre de Aki Kaurismaki

*** Tournée de Mathieu Amalric

The Lady de Luc Besson

Las mujeres del sexto piso de Philippe Le Guay

Juegos de seducción de Gilles Marchand

*** Una separación de Asghar Farhadi

Fecha de caducidad de Kenya Márquez

*** Toda una vida de Mike Leigh

Albert Nobbs de Rodrigo García

Perfect sense de David Mackenzie


Muestra de la Semana de la crítica del Festival de Cannes

Los salvajes

***Los Salvajes de Alejandro Fadel

Pourquoi tu pleures? de Katia Lewkowicz

*** 17 girls de Delphine y Muriel Coulin

Au Galop de Louis Do de Lencqesaing

Peddlers de Vasan Bala

God’s neighbors de Meni Yaesh

*** Aquí y allá de Antonio Méndez Esparza



Muestra Olivier Assayas

Irma Vep

***Irma Vep

***Demonlover

***La hora del verano

***Clean



Cine argentino



***Un amor de Paula Hernández

*** Medianeras de Gustavo Taretto

*** El campo de Hernán Belón


Homenaje a Raúl Ruiz

*** Misterios de Lisboa

*** Tres tristes tigres

*** La comedia de la inocencia

*** Cofralandes 1: Rapsodia chilena

*** Cofralandes 2: Rostros y rincones

*** Cofralandes 3: Museos y clubes en la región antártica

*** Cofralandes 4: Evocaciones y valses

*** Litoral, cuentos del mar

*** La maleta

*** Las tres coronas del marinero

*** El tiempo recobrado

*** La hipótesis del cuadro robado


Espacio Filmoteca

***Marker 72 de Miguel Ángel Vidaurre

***Un retrato de Diego de Gabriel Figueroa y Diego López Rivera

***La maleta mexicana de Trisha Ziff


Muestra Documental Mexicano Contemporáneo

*** Un día menos de Dariela Ludlow

Nadie es inocente, 20 años después de Sarah Minter

Tijuaneados anónimos (una lágrima, una vida) de José Luis Figueroa

Vuelve a la vida de Carlos Hagerman

Lecciones de una guerra de Juan Manuel Sepúlveda

*** Morir de pie de Jacarandá Correa


Ricardo Bedoya

La exhibición de películas en Argentina

El diario argentino "Página 12" en su edición de hoy, martes 24 de julio, publica un artículo de Oscar Ranzani que plantea los problemas de la exhibición de películas en Argentina. El título del artículo es "Caminos posibles para que los tanques no arrasen con todo" y aquí está:

"En lo que va del año, los estrenos extranjeros y nacionales llevan recaudados alrededor de 750 millones de pesos, con 28 millones de espectadores. Pero esas buenas cifras son sólo la punta de un iceberg que exige un análisis profundo.

Si se tienen en cuenta algunos números, el mercado cinematográfico de la Argentina está pasando por un gran momento: contando estrenos extranjeros y nacionales ya se llevan recaudados alrededor de 750 millones de pesos en las boleterías de todo el país y la cifra de espectadores trepó durante 2012 hasta 28 millones. Pero no hay que dejar de lado la concentración del mercado cinematográfico para establecer un análisis completo. Y entonces, en esta época de vacaciones de invierno, es donde más se nota cómo los tanques hollywoodenses arrasan en las boleterías y asfixian a las películas argentinas hasta quitarles bocas de salida. Basta recordar que de las 760 pantallas que operan actualmente en todo el país, La era de hielo 4 –que este fin de semana superó los tres millones de espectadores– y Valiente estrenaron con 284 y con 233 copias, respectivamente. Si el análisis se circunscribe exclusivamente a la ciudad de Buenos Aires, se estrenaron 51 largometrajes nacionales, de los cuales sólo 23 lo hicieron en cinco o más salas, es decir, menos del 50 por ciento. A estas cifras brindadas gentilmente a este diario por la consultora especializada en estadísticas cinematográficas Ultracine, hay que sumarles algunos que esta empresa no computa: el Cine Cosmos-UBA estrenó sólo en su pantalla cinco películas argentinas y la Sala Lugones del Teatro San Martín, una: Tierra de los padres, de Nicolás Prividera. La cifra total, entonces, son 57 estrenos argentinos, de los cuales 34 no alcanzaron las cinco salas al momento del estreno. Como no sólo los números hablan, Página/12 consultó a directores, productores y distribuidores para que tracen un panorama de la exhibición de acuerdo con sus miradas, pero para que también aporten y sumen una solución factible para mejorar el circuito cinematográfico argentino.


Las condiciones de exhibición

Un cineasta experimentado en el campo del documental como Andrés Di Tella, fundador del Bafici, compara el fenómeno de aquel momento iniciático de 1999 con el actual del cine argentino. “Cuando lo creamos, de alguna manera, fue pensando en darle un marco a un cine que no tenía donde encontrar al público”, explica el director de Fotografías y Montoneros, una historia. Y la gran sorpresa para Di Tella que le dio el Bafici –y que ahora parece evidente– fue que “encontró al público”. Desde el primer momento, “fue un éxito extraordinario de convocatoria para un tipo de cine que, según decían los distribuidores, los exhibidores y todo el mundo, no tenía público. Entonces, me hace pensar que quizás el sueño no sea tan utópico. Y como la gente realmente se mata para ver películas argentinas en el Bafici, que después se estrenan y no va ni el loro ni la tía del realizador, pienso que el problema no está en las películas, sino en el contexto”, razona Di Tella. Como solución al problema de exhibición de cine nacional, este cineasta cree que tanto el Instituto de Cine como la ciudad de Buenos Aires y las distintas ciudades importantes del interior “pueden jugarse a crear espacios que sean tan atractivos para la gente como ir al Bafici”. ¿Cómo se los imagina? “Se puede generar una sala donde haya buena calidad de proyección, de sonido, que sea un lugar lindo, que haya un bar, una programación, una movida, invitados, ciclos. Y sobre todo, publicidad y difusión de eso”, explica.

En cuanto a la necesidad de mejorar las condiciones de exhibición coincide Agustina Llambi Campbell, productora de El estudiante, de Santiago Mitre. “Algo básico para atraer público es que las películas se vean y se escuchen bien. Hoy por hoy, eso sólo pasa en los grandes complejos que, por supuesto, no programan películas argentinas que no sean grandes bombas comerciales. Entonces, me parece que debería haber una política muy clara, enérgica y efectiva, más allá de que el 35 mm está dejando de existir en el mundo y si la Argentina no empieza a equipar salas nos vamos a quedar sin cine.” El director y productor Horacio Maldonado –secretario de Directores Argentinos Cinematográficos– sostiene que otra medida posible de la que se ha hablado muchas veces en las asociaciones de directores y productores “es que si tenés un complejo de dieciocho cines que dispongas como mínimo de una o dos salas para la exhibición del cine nacional”. Uno de los mayores distribuidores de cine nacional, Pascual Condito, titular de Primer Plano, no coincide con esta mirada: “Al contrario, hay salas que tienen que dar una película por trimestre y casos como las de Recoleta, Palermo y Caballito dieron algunas de más. Tenían que dar diez y, a lo mejor, dieron doce”, señala.

La documentalista Carmen Guarini sostiene que si el análisis se limita a la ciudad de Buenos Aires el tema “es complejo”. Y lo argumenta de la siguiente manera para el caso de los documentales: “Hay una sola pantalla importante, interesante y con un público cautivo: el Gaumont. Pero al ser la única, se produce un cuello de botella”, afirma Guarini, quien admite que el Instituto “tendrá que apoyar otras salas como el Gaumont y, al mismo tiempo, mejorar también las condiciones de exhibición porque, a nivel técnico, son bastante deficientes. Quiero dejar constancia de que existe apoyo por parte del Instituto, lo que sucede es que en este momento es tanta la producción que es inabarcable”, comenta Guarini.

Soluciones alternativas

El productor Juan Pablo Gugliotta aporta una posible solución al respecto: “Hay algo que siempre se dice desde la teoría que es la creación de un circuito alternativo. Sé que el Incaa está trabajando en eso y me parece que el circuito alternativo es una urgencia”, considera. “Me lo imagino amplio y federal. No me imagino un circuito que quiera competir con las salas comerciales ya establecidas, sino un circuito en salas nuevas, en espacios alternativos y por todo el país, buscando el público de todo el territorio y no sólo al de cierto sector de la ciudad como Palermo, Barrio Norte, Recoleta o Abasto”.

El productor Diego Dubcovsky también cree que la solución al problema de la falta de pantallas para el cine argentino podría ser la creación de un circuito alternativo “más ligado al tipo de cine que hacemos nosotros”. Dubcovsky comenta que “la experiencia del Gaumont es superexitosa” y que en la actualidad “el del Gaumont es un fenómeno aislado relativamente porque cuando el Incaa tomó Arte Cinema, bajó el valor de la entrada y le dio una programación más atractiva, estando en una zona que a la gente mucho no le gusta ir, el público se duplicó y hubo meses en que se triplicó”, explica uno de los titulares de BD Cine. Este productor cree que para sostener cierto tipo de cine argentino “sería genial”, por ejemplo, que el Arteplex Belgrano y los Atlas Santa Fe que cerraron sean ahora Espacios Incaa..."

El artículo sigue aquí:

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/5-25935-2012-07-24.html

Premios en festivales: ¿veneno en taquilla?

El diario chileno "La Tercera" publica un interesante artículo de J. Letelier y F. Zúñiga sobre el "cine de festivales" chileno y su difícil relación con el público.

A más premios, menos público: lo que ocurre en Chile es lo que ha ocurrido en Perú con películas como "Días de Santiago", "Paraíso", "Octubre", "Las malas intenciones", entre otras. En el Hollywood de la era clásica hablaban de "veneno de taquilla" para designar a los factores que alejaban al público de una película. Entre nosotros, la calidad fílmica reconocida y premiada en festivales importantes se ha convertido en un estigma; los premios en festivales son "veneno de taquilla". ¿Llegará el momento en que el director de una Palma de Oro o de una recompensa significativa decida silenciarla para no perjudicar el recorrido comercial de su pelìcula?

Aquí tienen el artículo sobre la situación chilena, en la que podemos reconocernos con gran facilidad:

"Si fuera una ecuación, la relación sería inversamente proporcional: a más premios y prestigio en el exterior, menos es el público que se interesa por verlo dentro del país. Así puede resumirse el estado del cine chileno “de festivales” respecto del interés que despierta en las salas locales.


Pero no se trata de simples cifras, sino que de un fenómeno cultural como el cine, por lo que la situación es más compleja. Esa ha sido la realidad de un grupo importante de cintas que en los últimos años han posicionado al cine chileno en el exterior. ¿Títulos? Huacho, Ilusiones ópticas, Gatos viejos o Post mórtem.

Este hecho, que se arrastra al menos desde el 2010, ha tenido en el primer semestre del 2012 uno de sus más magros rendimientos de taquilla respecto de este tipo de filmes en multisalas (a la espera de lo que puedan hacer el segundo semestre títulos como Stefan v/s Kramer, No y Qué pena tu familia): Bonsái llevó poco más de 6.400 espectadores), Mi último round (1.500 aprox.), El año del tigre (3.000 aprox.) y Joven y alocada, que logró cerca de 40.000, pero cuyo lanzamiento tuvo más copias y una fuerte campaña en los medios, junto con su premio en Sundance.

“Las películas de arte en general no venden en Chile”, sostiene Carlos Hansen, director de BF Distribution. Para el ejecutivo, esto apunta a factores como una fallida distribución, una “mala educación” cinematográfica del público y la ausencia de cines de arte con comodidades. “Falta especialización en los distribuidores, hay poca cultura del público, y en estas salas te mueres de frío”, resume.

Para Hansen, la presencia del Estado como un sostenedor a largo plazo es crucial. Algo que buscó hacer con la sala BF Huérfanos, pensada como plataforma de exhibición para el cine chileno. Este cine -poco después de su lanzamiento, en mayo del 2011- recibió un monto de 125 millones de pesos del CNCA, pero este año no logró subvención y su realidad se hizo crítica: a partir del 1 de agosto cerrará sus puertas. “No funcionó como negocio, porque el arriendo de la sala era muy caro, pero las cintas chicas vendieron un 60% de su total ahí: no es malo. Lo que había que hacer es crear un hábito, pero eso se hace a largo plazo”, cuenta.

Distribución y cultura

Lejano queda el año 2001, cuando Taxi para 3 logró la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, el mayor premio hasta ese entonces de una cinta chilena, y su eco retumbó en las boleterías locales: casi 340.000 personas vieron el filme de Orlando Lübbert. Hoy, a la luz de las cifras, no parece relevante que una película local obtenga importantes premios en el exterior.

“Al público no le interesa si gano o no premios, le interesa la premisa”, explica el cineasta Nicolás López. “Las películas de festivales no son destinadas para grandes públicos. Se habla de dos tipos de cine, el cine de esquinas claras y el de esquinas difusas, y en este último es mucho más complejo describir la trama”, dice el autor de Qué pena tu vida y Qué pena tu boda, las que sumadas han llevado a más de 300.000 personas a las salas.

Para Marialy Rivas, directora de Joven y alocada, las causas principales son culturales: “El cine de festivales es por esencia cine de autor, no cine de entretenimiento. Entonces, este supuesto divorcio no es un problema de los autores, es el problema de una sociedad que tiende al entretenimiento y no a la cultura”.

Si es un fenómeno cultural, entonces el crear hábitos es crucial y el rol del Estado, primordial. Así lo refrenda Hansen: “El Estado apoya la producción, pero no la exhibición. Como industria, las fuerzas no están muy alineadas”, dice.

“El recurso escaso es la pantalla”, complementa el productor Bruno Bettati (Bonsái, Gatos viejos), “necesitamos más pantallas grandes (salas propias o un “new deal” con los exhibidores) y pantalla chica (un canal de TV propio o un “new deal” con canales)”, explica. Bettati, en cualquier caso, no cree en el distanciamiento de público y películas: “No considero que haya un ‘divorcio de la sensibilidad’. Apelar a que los directores le den al público ‘lo que este quiere ver’ es trasladar la nefasta lógica del rating televisivo a las salas. Justamente, la virtud del cine como contenido y como producto es que tiene autores”.

El artículo sigue aquí: http://diario.latercera.com/2012/07/22/01/contenido/cultura-entretencion/30-114363-9-cine-chileno-y-su-esquiva-taquilla-razones-de-su-divorcio-del-publico.shtml

Ni Batman puede con eso

Hace unos días se desató una campaña por twitter. Un grupo de fanáticos de Batman pedían que se adelante el estreno del capítulo final de la saga. Es decir, pedían que se estrene hoy, jueves 19, y no el 26, como está programado. El motivo: ignorar los spoilers, las filtraciones, los datos argumentales, el conocimiento de los detalles y hasta de las opiniones llegadas de fuera.

Pedido bienintencionado, pero ingenuo. Batman puede con todos los villanos menos con el "competitive" (el calendario de estrenos de las compañías multinacionales) y su inflexible concertación de fechas. "Cinencuentro" publicó una entrevista con Jorge Licetti, gerente de New Century Films, la distribuidora de la película en el Perú. Licetti, dijo: “esta fecha de estreno, 26 de julio, aplica para toda la región latinoamericana, una fecha que ha sido establecida hace más de un año por Warner”.
http://www.cinencuentro.com/2012/07/03/por-que-the-dark-knight-rises-estrena-retraso-peru/

Claro, porque es una fecha cronometrada y estudiada por el marketing. Luego de haber dejado el espacio  para el consumo rápido y masivo de "La era del helo 4", "El sorprendente hombre araña" y ""Valiente". El ritmo es: una de animación...una de superhéroes... una de animación...otra de super...

Y luego Batman para rematar la temporada.

Echen una mirada a la cartelera de hoy. Es un bello ejemplo de "diversidad": el ochenta por ciento de las pantallas están ocupadas por tres títulos.

Solo en las últimas semanas se han postegado algunos estrenos "pequeños" por falta de salas: "De Roma con amor", de Woody Allen; "Carnage", de Polanski; "El cuervo", con John Cusack haciendo de Edgar Allan Poe.

¿Cuándo empieza esta concentración?

Sin duda, con la aparición de las multisalas. Se multiplican las pantallas para exhibir más copias de menos títulos. Es decir, la estrategia es la del "ataque masivo": se satura la cartelera para que el público vea rápido la película y en quince días el grueso de las salas ya este libre para admitir al nuevo y poderoso huesped que, a su turno, seguirá el mismo tratamiento. Y esa alternancia no la quiebra ni Batman

Reviso el libro "Cartelera cinematográfica de los '90 : Lima 1990-1999", de Eduardo Gutiérrez Salcedo, que reseña todos los títulos estrenados en la ciudad durante la última década del siglo XX. Ahí se establece que en 1999 se exhibieron 164 películas en Lima. Nacionalidades: 1 danesa, 1 iraní, 1 alemana, 1 austríaca, 1 rusa, 1 yugoslava, 1 mexicana, 1 japonesa, 1 boliviana, 8 francesas, 10 españolas, 6 italianas, 8 inglesas, 1 venezolana, 1 brasileña, 2 argentinas, 2 hongkonesas, 3 peruanas, 1 irlandesa, 1 canadiense, 2 chilenas, 2 cubanas, 1 neozelandesa. El resto, de los Estados Unidos.

Qué bien estábamos cuando estábamos mal.

Ricardo Bedoya

¿Diversidad o concentración?

El mercado cinematográfico argentino es mucho más grande que el peruano. Pero los problemas son los mismos. La concentración del público en pocas películas y la anulación de la diversidad.

Escuchen esta conversación entre Diego Lerer y Diego Batlle, críticos argentinos, sobre lo que ocurre en su país. Lo que dicen se aplica perfectamente a la cartelera peruana.

http://micropsia.otroscines.com/2012/07/podcast-1-el-cine-de-las-vacaciones/

¿IMAX al rescate del cine?

Interesante artículo de "El País" sobre la situación de la 3D y el Imax a propósito del estreno próximo de "Batman, el caballero de la noche asciende"

http://pda.elpais.com/index.php?module=elp_pdapsp&page=elp_pda_noticia&idNoticia=20120715elpnepsoc_3.Tes&seccion=nac

Ernest Borgnine

Nació en 1917 y murió hace unos días. Ernest Borgnine fue uno de los rostros más reconocibles y queridos del cine norteamericano de los últimos 60 años. Descendiente de italianos y actor secundario por excelencia, Borgnine fue vaquero, policía, gladiador, hombre común de las calles de Nueva York. Su corpulencia, sonrisa amplia, ojos saltones, marcada separación de los dientes delanteros, fortaleza física y voz inconfundible fueron los signos distintivos de su figura fílmica.

“De aquí a la eternidad” le dio a Ernest Borgnine uno de esos roles que marcan, sobre todo a un actor que recién empieza en el cine. El de personaje despiadado, que no admite razones. En un reparto en el que figuraban el frágil Montgomery Clift, el varonil y apuesto Burt Lancaster, y Sinatra, al que Borgnine asesinaba, al buen Ernest solo le restó encarnar el costado brutal. Su apariencia física tendía al estereotipo y Hollywood desde el inicio le reservó el lugar secundario y el tipo rudo. Ernest no tenía la cara linda de los chicos de moda de los años cincuenta, como Tony Curtis o Rock Hudson, ni poseía la masculinidad, a la vez desafiante, ambigua y erótica, de Marlon Brando y James Dean arquetipos de la década.

“Marty” lo hizo famoso. Su papel de carnicero neoyorquino que supera las inhibiciones e inicia un romance complicado, le ganó el Oscar como mejor actor. Pero ese premio no lo convirtió en estrella. Es decir, no agregó encanto ni glamur a su figura. Ernest fue, por entonces y más que nunca, un Ernesto cualquiera, un hombre de la calle, intérprete de un socorrido neorrealismo neoyorquino que trató de imponerse sin dejar mayor huella.

Pero antes de “Marty” ya había aparecido en tres grandes películas: “Johnny Guitar”, “Veracruz” y “Bad day at Black Rock”, donde choca con Spencer Tracy. A ellas habría que agregar otra que no goza de tanto prestigio, pero que los aficionados al péplum encontramos irresistible. “Demetrio y los gladiadores”.

Es por filmes como los de Ray (con él hizo también “Run for Cover, con Cagney al lado), Aldrich, Fleischer (formidable como granjero Amish en “Sábado violento”, como Ragnar en “Los vikingos”, pero también en “Barrabás”), Sturges, Dunne, Gordon Douglas (en el notable “Chuka”) o Daves, entre otros, que los cinéfilos recordamos a Borgnine con un afecto impagable.

Él estuvo en el centro de incontables aventuras. Cabalgó como perseguidor o perseguido en películas de casi todos los géneros. En la antigüedad o en la pradera, entre vikingos o gladiadores, en el viejo Oeste o en un filme criminal cualquiera, en una película bélica o en un rocambolesco melodrama, en una comedia o en una espectacular película de desastre como “La aventura del Poseidón”. Fue villano o compañero del héroe; soporte o antagonista; déspota despreciable o bruto amable. Un común denominador: la simplicidad de su juego actoral, alejado de cualquier afectación, tic, manía o pretensión evidente de estilo.

Podía ser tanto más duro e impenetrable que los duros (hay que verlo enfrentando a Lee Marvin en “El emperador del Norte”) pero leal en la amistad. Como el Dutch de “La pandilla salvaje”. ¿Cómo olvidarlo cuando decide, junto a sus amigos, esos viejos vaqueros, enfrentar el final de la aventura como se debe, serenos y mirando hacia adelante? Caminan juntos hacia la muerte y así termina el western clásico, la leyenda del Oeste y el fin de una época. En la película, Dutch es el último en caer, justo después de Pike. Así también ha sido en la realidad. Borgnine se ha ido luego de sus amigos Warren Oates, Ben Johnson y Bill Holden.

Ricardo Bedoya

Imitación de la vida y La radio en el Perú

Dos colaboradores de este blog presentan libros en la Feria Internacional del Libro que arranca esta semana.

Isaac León Frías presenta "Imitación de la vida. Crónicas de cine", que reúne artículos que Chacho León publicó durante varios años en la revista TV+, del diario "El Comercio". Será el lunes 23, a las 8.15 de la noche. El libro está ya en librerías.

"La radio en el Perú" es el título del libro que presenta Emilio Bustamante el martes 31 de julio, a las 7 de la noche. Es producto de una investigación sobre la historia de los medios de comunicación en el Perú en el siglo XX realizada en el Instituto de Investigación Científica de la Universidad de Lima.

Ambos libros son publicaciones del Fondo Editorial de la Universidad de Lima.